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jueves, 4 de octubre de 2018

Querido Diario, 4 de octubre de 2018

Querido Diario:

Mes nuevo, salas fijas nuevas. Este mes me toca vigilar las salas 74 y 75, que son las que explican el origen del Museo y el Neoclasicismo.

Sí, querido Diario, sí... son las mismas que tuve en enero de este año, pero, qué más da. Son salas a vigilar igualmente.

¿Sabes? Hoy me ha pasado una cosa muy curiosa...

Yendo a trabajar, en el tren estábamos mi compañera María y yo hablando, y en un momento ella me ha dicho...

-¿Por qué no hablas en tu Diario de "tal" cuadro? Seguro que a muchos cotilla que leemos tu Diario a hurtadillas nos gustará, sobre todo a los que hicimos el examen de la oposición.

Lo de "tal" es para darte más emoción, querido Diario, jejeje.

Y ya sabes que cuando hablo de una obra de arte me gusta hilarlo con algo que me ha sucedido en sala. Pues me he pasado buena tarde dándole vueltas, buscando un hilo conductor para hablarte de ese cuadro, cuando sin más, en el descanso, otra compañera me ha comentado un suceso que le pasó a ella hace muchos años... unos treinta años. ¡Ah! Te tengo que decir que esta compañera fue una de las primeras mujeres vigilantes de salas del Museo. Y me contó...

"Estaba vigilando una sala, no me acuerdo cuál, cuando se me acercó una mujer de mediana edad y me dijo...

-¿Me puede decir dónde están los animales?

Y yo la contesté...

-Los cuadros con animales están repartidos por todas las salas. Está la Cabeza de vendado, de Velázquez, la Riña de gatos, de Goya,...

Me cortó y me dijo...

-No, no. Yo quiero ver los animales de verdad.

Se pensaría que aparte de museo ésto también era un zoo. Pero, bueno, eran otros tiempos".

Y esto me ha servido y me sirve para hablarte, querido Diario, de "tal" cuadro... No quería ver animales, pues toma éste.

Se titula Abril (Tauro), y lo pintó Francesco Bassano. No se sabe la fecha de cuándo lo hizo, pero como nuestro Francesco nació en Bassano del Grappa, en la región de Véneto, en 1549 y falleció en Venecia en 1592, se sabe y se dice que se pintó en el siglo XVI... ¡¡¡Guau, qué deducción más bien estructurada!!!

En fin, el cuadro es de un tamaño mediano. Mide 248 x 153 centímetros... casi dos metros y medio de ancho por metro y medio de alto.

Se cree que la idea de pintar los doce meses del año unidos a los signos del zodiaco fue de Jacopo Bassano, y que tanto él como sus hijos Leandro y nuestro Francesco ejecutaron tres series distintas... una serie pintada por Jacopo, el padre, para el emperador Rodolfo II, a quien agradaron tanto que ofreció al artista el puesto de pintor de corte. La de Leandro está repartida entre Praga y Viena. Y la serie firmada por Francesco está en Museo del Prado, aunque solo quedan siete cuadros de los doce.

Al analizar los cuadros de los hermanos, éstos delatan que varios meses de ambas series tienen una idea común... unos bocetos que se encontraron en a la muerte de Jacopo.

Se sabe, porque hay documentos que lo acreditan, que esta serie de cuadros de Francesco Bassano llegó a la corte española en el año 1591, como regalo de Ferdinando I de Medici al rey español Felipe II.

Sobre el cuadro te puedo decir, querido Diario, que se ve una escena de unos ganaderos sacrificando corderos. La verdad es que está muy bien ejecutada ya que, aunque el tema no es muy atrayente, no hay ningún detalle desagradable.

Y lo curioso, lo que más me ha llamado la atención del cuadro ha sido la vaca en la nube. Lógicamente no es un error del pintor, sino que es la representación de la constelación de Tauro, porque si hubiese pintado solo las estrellas, el que viera el cuadro y no tuviese nociones de astronomía, no sabría que es Tauro.

¡Ah! Me acabo de enterar... aunque Tauro, para los profanos en esta materia, es la unión de catorce estrellas, verdaderamente es la unión de doscientas veintitrés. Lo que pasa que las más brillantes ocultan a las otras.

En fin, ¿sabes, querido Diario? En el examen de oposición que hice para poder seguir trabajando de vigilante de salas del Museo, y por tanto para poder seguir escribiéndote, preguntaron por el autor de este cuadro. Responder bien fue complicado, pues hay que reconocer que no es un cuadro conocido.

¡Ah! Si vais al Museo, no te lo digo a ti, querido Diario, que no tienes piernas, sino a los cotillas que te leen a hurtadillas, no busquéis esta obra de arte por las salas, ya que no está allí. Está prestado, lo que nosotros llamamos "en depósito" en la Real Sociedad Económica Matritense, en Madrid.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro Abril (Tauro) - siglo XVI -, de Francesco Bassano, que se puede contemplar en la Real Sociedad Económica Matritense, en Madrid).

martes, 25 de septiembre de 2018

Querido Diario, 25 de septiembre de 2018

Querido Diario:

Hace casi un mes que no te escribo, pero es que mi vida no llegaba a todo... estudiar la oposición, trabajar, estar con la familia, que lo necesitábamos, dormir, aunque poco,... Menos mal que ya ha pasado el día del examen y ya ese tiempo de estudio lo puedo dedicar a las tareas que tuve que aparcar.

Los exámenes de la oposición, porque eran dos el mismo día, me han salido bien. El problemilla es que a muchos opositores también les salieron bien. Me imagino que esteremos todos muy igualados y la diferencia serán décimas de puntos. Seguro que se decidirá con las respuestas erróneas, que descontaban. Bueno, ya está hecho. Y ahora, a esperar.

Cambiando de tema, te quiero contar, querido Diario, que en la sala de descanso de los vigilantes... bueno, de los vigilantes y de todo el personal del Museo, he puesto un cuaderno en blanco para que mis compañeros escriban anécdotas del trabajo para luego contártelas.

Y hoy, a la vez que agradezco sus aportaciones, quiero leerte el primer comentario que escribieron...

"Un día, estando en la sala de las Pinturas Negras, me preguntaron:

-¿Cómo puedo llegar a Caravaggio sin tener que caminar por todo el museo?"

Bueno, para entender este comentario hay que conocer el Museo. Las Pinturas Negras están en la última sala de la zona sur, en la planta baja, y la sala de Caravaggio está en la primera planta, en la zona norte, casi llegando al final. O sea, hay que atravesar "todo" el Museo para llegar allí.

No sé qué contestó mi compañero o compañera, pues no puso su nombre, pero yo, con paciencia le hubiese contestado...

-Lo tiene complicado si no quiere caminar por todo el museo. Tiene dos opciones: puede ir por estas tres salas de Goya, atravesar otras tres salas de pintura del siglo XIX, una más con una exposición temporal, y al llegar a la librería gire a la izquierda donde encontrará una escalera, suba al primer piso, y, entrando en la galería principal, gire a la derecha, parará por la salas de Rubens, Tiziano, Tintoretto, después tendrá que girar a la derecha y entrar a las salas de El Greco, atravesando dos de ellas, gire a la izquierda, pasará dos salas de pintura del siglo XVII, y la siguiente sala es donde está Caravaggio. La otra opción es que en la siguiente sala, gire a la derecha y atraviese el pasillo que le llevará a dos salas de pintura del siglo XIX, las atraviesa junto a otra con esculturas de ese mismo siglo, y antes de llegar a al sala de Rafael, gire a la derecha donde encontrará los ascensores, suba al primer piso y gire a la izquierda, tendrá que atravesar dos salas de Velázquez, la sala de Ribera, las otras dos salas de pintura del siglo XVII, y finalmente llegará a la sala es donde está Caravaggio... pero no se preocupe que no tendrá que atravesar "todo" el museo.

Aunque también hubiese contestado...

-En la siguiente sala, a la izquierda, hay una escalera, suba al primer piso y pregunte a mis compañeros... para no liarle.

Aun así, tendrá que atravesar "casi todo" el museo.

Y además, todo esto para ver un cuadro de Michelangelo Merisi Caravaggio... porque el Museo solo tiene un cuadro de este pintor.

Y esto me viene a la memoria que, un día que estaba vigilando la sala donde está este cuadro, un señor me preguntó...

-Siendo tan importante el Museo del Prado, ¿por qué solo tiene un cuadro de Caravaggio?

No recuerdo qué le respondí, pero, conociéndome, seguro que me vendría para arriba y me explayaría.

Pero la respuesta que te doy a ti, querido Diario, es que el Museo Nacional del Prado no es un museo al uso. Me explico...

Muchos visitantes se creen que este Museo es "normal", es decir, que tiene representaciones de todas las épocas de la historia de la pintura y de todas sus vertientes, con más o menos cuadros.

Pero se equivocan.

Este Museo no es el más grandioso ni el más completo, pero tiene un "algo" que lo hace distinto, y a la vez grandioso, a los demás... y es que fue creado para sacar a la luz los tesoros artísticos que habían ido consiguiendo durante varios siglos los reyes españoles, y que hasta ese momento solo eran conocidos y disfrutados por un grupo pequeño de personas.

Por tanto, este Museo nació del amor por el arte, por el afán coleccionista y por el gusto particular de los monarcas que reinaron en España desde el siglo XV.

Y hablando del cuadro que tiene el Museo de Michelangelo Merisi Caravaggio, se titula David vencedor de Goliat, y lo pintó hacia el año 1600.

Entonces, analicemos la situación... Caravaggio vivió entre los años 1571 y 1610. En ese periodo de tiempo reinaron dos monarcas en España. Por un lado, Felipe II, que se inclinó por adquirir obras del arte flamenco y por sus retratistas de corte, que fueron el holandés Antonio Moro y el español Sánchez Coello. Por tanto no se inclinó por la pintura italiana.

Y por otro lado, reinó en España en la época de Caravaggio Felipe III que no heredó el afán pictórico de su padre, aunque tuvo como retratista del reinado a Juan Pantoja de la Cruz. Y también poseyó cuadros del flamenco Pedro Pablo Rubens.

Por tanto la pintura italiana no fue muy admirada por estos monarcas y nuestro Caravaggio fue un pintor desconocido para ellos.

De todas formas, aunque Caravaggio fuese conocido por nuestros reyes, éste provocaba cierto rechazo entre las personas que le podían encargar trabajos, por su estilo de pintura, que ahora se llama "tenebrismo", ya que utilizaba la luz para aislar las figuras y no crear ni paisajes ni atmósfera. Y seguro que también provocaría rechazo a nuestros monarcas.

Volviendo a nuestro cuadro, la primera mención de esta pintura fue en el inventario que se hizo de las obras de arte del palacio del Buen Retiro de Madrid en 1794, ya en el reinado de Carlos IV.

Es más, a día de hoy se ignora su historia anterior. Se ha supuesto que pudiese proceder de la colección de Juan Bautista Crescenzi, que llegó a Madrid en 1617 y que falleció en 1635, y se sabe que tenía predilección por coleccionar cuadros los artistas "modernos", es decir, los de su época.

Y también se supone que pudiera proceder de la colección del conde de Villamediana, que estuvo en Italia entre los años 1611 y 1615 y que, según dicen las crónicas de la época, poseyó "un David" de Caravaggio.

Pero a ciencia cierta, no se sabe cómo apareció en el Palacio del Buen Retiro.

Y todavía hay más... durante el siglo XIX se creyó que este cuadro no era de Caravaggio sino de alguien de su escuela, pensando que podría ser una copia antigua de un original perdido. Pero se confirmó que su autor fue Caravaggio cuando se hizo una radiografía. En ésta se descubrió una primera versión de la cabeza del gigante con una expresión dramática, con los ojos desorbitados y la boca abierta en un gesto espantoso, igual al cuadro de Medusa, que está en la Galleria degli Uffizi de Florencia, o al de Holofernes, que está en la Galleria Nazionale d`Arte Antica de Roma, y que sí se sabe que son de Caravaggio.

Se cree que el cambio de expresión fue porque el que encargó el cuadro consideró que el gesto original era demasiado violento y por eso se modificó. Eso sí, no hay duda que la radiografía certifica que el lienzo es original de Caravaggio.

¿Sabes, querido Diario? Se dice, pero no se puede confirmar cien por cien, que la cabeza de Goliat era un autorretrato. Pero, repito, no se puede confirmar.

¡Ah! No te he contado nada sobre la historia que narra el cuadro... es la de David y Goliat, que está en el Antiguo Testamento, en el primer libro de Samuel, en el capítulo 17. Narra el intento de conquista del pueblo de los Filisteos sobre los de Israel. En las huestes filisteas estaba Goliat, que medía tres metros. Entonces...

"Goliat se puso en pie y gritó a los escuadrones de Israel: «¿Por qué salís en orden de batalla? ¿No soy yo un filisteo y vosotros servidores de Saúl? Escoged a uno de vosotros para bajar contra mí. Si puede conmigo en el combate y me mata, seremos vuestros esclavos. Pero, si yo puedo con él y lo mato, seréis nuestros esclavos y nos serviréis». Y añadió: «Hoy he avergonzado a los batallones de Israel con mi desafío. Dadme un hombre, para luchar cuerpo a cuerpo»". (1 Samuel 17, 8-10)

David, que era un joven pastor israelita, quiso luchar contra Goliat, y aunque sus hermanos mayores intentaron persuadirle, el jefe de los israelitas, Saúl, lo aceptó. Así, David...

"Agarró el bastón, se escogió cinco piedras lisas del torrente y las puso en su zurrón de pastor y en el morral, y avanzó hacia el filisteo con la honda en mano. El filisteo se fue acercando a David, precedido de su escudero. Fijó su mirada en David y lo despreció, viendo que era un muchacho, rubio y de hermoso aspecto. El filisteo le dijo: «¿Me has tomado por un perro, para que vengas a mí con palos?». Y maldijo a David por sus dioses". (1 Samuel 17, 40-43)

Y después de una "conversación" entre David y Goliat...

"Cuando el filisteo se puso en marcha, avanzando hacia David, este corrió veloz a la línea de combate frente a él. David metió su mano en el zurrón, cogió una piedra, la lanzó con la honda e hirió al filisteo en la frente. La piedra se le clavó en la frente y cayó de bruces en tierra. Así venció David al filisteo con una honda y una piedra. Le golpeó y le mató sin espada en la mano. David echó a correr y se detuvo junto al filisteo. Cogió su espada, la sacó de la vaina y le remató con ella, cortándole la cabeza. Los filisteos huyeron, al ver muerto a su campeón". (1 Samuel 17, 48-51)

Y si te fijas bien, querido Diario, Caravaggio representó en su cuadro justamente la continuación de la historia... es cuando David, una vez cortada la cabeza de Goliat, ata los cabellos del gigante para poder llevar y mostrar el "trofeo" a las tropas de Israel.

Y el relato termina...

"Cuando David volvió de matar al filisteo, lo tomó Abner y lo condujo ante Saúl. Traía en su mano la cabeza del filisteo. Saúl le preguntó: «Muchacho, ¿de quién eres hijo?». David respondió: «Soy hijo de tu siervo Jesé, el de Belén»". (1 Samuel 17, 57-58)

Aunque este cuadro es una muestra más de la originalidad de Caravaggio y de su independencia... ¡¡¡qué romántico, nuestro Caravaggio!!!

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro David vencedor de Goliat - hacia 1600 -, de Michelangelo Merisi Caravaggio, que se puede contemplar en la sala 6).

viernes, 24 de agosto de 2018

Querido Diario, 24 de agosto de 2018

Querido Diario:

Ya te comenté el 18 de agosto que el Museo ha puesto una pequeña cafetería en el Claustro de los Jerónimos. Y como no se puede comer ni beber en el Museo, lo tienen que consumir en las mesas que han colocado al lado de la barra. Además, el Museo ha puesto un cartel en la entrada del Claustro que dice...

"Prohibido el acceso a las salas con bebidas o consumiciones del Café. Gracias por su colaboración".

... en español y en inglés.

¡Bien! Pues estaba hoy vigilando mi "sala" y en un momento dado han llegado tres jóvenes, dos chicos y una chica, de unos dieciocho años. Una llevaba una botella de agua dentro de una bolsa de plástico trasparente... como debe ser. Y en el momento de entrar, lo hacen las dos personas que no llevaban nada en la mano, y la de la bolsa se ha parado debajo del dintel de la puesta, diciendo que no con la mano y señalando de cartel.

En un principio no la entendía, hasta que caí en la cuenta...

Prohibido el acceso a las salas "con bebidas" o consumiciones...

¡¡¡Claro!!! Ella iba a acceder a una sala con una bebida... pero en una bolsa. Bien por ella, pero no era el caso. Tuve que acercarme a ella y decirle...

-Puede pasar sin ningún problema. Ese cartel es para que no se saque bebidas de esta cafetería.

Y ella, roja como un tomate...

-Ah, vale. Gracias.

Ya ves, querido Diario, por fin conozco a alguien que quiere respetar las normas del Museo.

Pero eso no es lo más curioso que me ha pasado hoy. Nunca lo había visto en el Museo, pero me ha hecho gracia. Por eso te lo cuento, querido Diario...

Estaba dando vueltas por el Claustro cuando una pareja, madre e hijo, éste de unos veinticinco años, que estaban en una mesa de la cafetería tomándose algo, se han levantado y se han parado a mi lado. Llevaban en la mano La Guía del Prado, un libraco de cuatrocientas setenta páginas, y se han puesto a mirarlo. Yo, pensando que a lo mejor me querían preguntar algo, me paré y dijo el hijo a la madre...

-Y ahora, ¿a dónde vamos?

Como no era un tema para mí, seguí andando pero continué escuchando la conversación...

-A Goya, no.

-Ésta mujer es de las mías.

... pensé para mí. Ya lo sabes, querido Diario, Goya y yo somos incompatibles. Lo he reconocido, lo reconozco y lo reconoceré... Goya no me gusta. Lo valoro, cómo no, pero no me gusta cómo pintaba. Ya sé que muchos cotillas que te leen a hurtadillas se tirarían a degüello contra mí, pero, como siempre he dicho...

- Para gustos, los colores... y los pintores.

En fin, volviendo a la historia, veo que el chico se para, se pone el libro por detrás, en la espalda, y lo abre al azar. Mete un dedo entre las páginas por donde se ha abierto y se lo enseña a su madre...

¿A que no sabes, querido Diario, por dónde abrió la guía? No te lo vas a creer, jejeje... por el autorretrato de Goya.

-No. Repite.

... dijo la madre. Y la segunda vez salió otro cuadro... el de María Tudor.

-Vale, vamos a la sala... Perdone, ¿en qué sala está este cuadro?

Ya sabía yo que al final me iban a preguntar algo, jejeje.

-En la sala 56, en la planta baja.

-Gracias.

Pues ya ves, se fueron a ver el cuadro María Tudor, reina de Inglaterra, segunda mujer de Felipe II, que pintó el flamenco Antonio Moro en el año 1554.

¿Sabes? María Tudor era la hija única del rey Enrique VIII de Inglaterra y de su primera esposa, la alcalaína Catalina de Aragón... sí, querido Diario, tengo que hacer "patria". Catalina de Aragón nació en la misma ciudad que yo, en Alcalá de Henares, de la provincia de Madrid. Por tanto, somos paisanos, jejeje.

A lo que iba, que me enrollo tontamente... María Tudor era la hija única del rey Enrique VIII de Inglaterra y de su primera esposa, la alcalaína Catalina de Aragón, y fue declarada bastarda cuando su padre, el Rey, repudió a su madre.

Cuando en octubre de 1553 murió su hermanastro y entonces rey Eduardo VI, nuestra María fue proclamada Reina de Inglaterra. Bueno, no fue así exactamente... cuando murió Eduardo VI, su mujer, Juana Grey, se convirtió "de facto" en Reina de Inglaterra.

Ah, me lo imaginaba... no sabes qué es "de facto". ¡Bien! Significa "de hecho", sin reconocimiento jurídico, es decir, por la fuerza de los hechos.

Entonces, María reunió a sus seguidores y, nueve días después de la muerte de su hermanastro y del "reinado" de Juana I, la depuso del trono, proclamándose María I de Inglaterra.

Como su padre Enrique VIII, tras el repudio de su madre Catalina de Aragón, había roto con la Iglesia Católica Romana y establecido la Iglesia de Inglaterra, después llamada Iglesia Anglicana, nuestra protagonista, María I, restauró la fe católica en el país.

Ante las ventajas que tendría España con una unión con Inglaterra, cuando nuestra María tenía seis años de edad, se acordó el matrimonio con su primo hermano el rey español Carlos I, que tenía veintidós años. Pero algunos años después el rey Carlos rompió el compromiso. Entonces, María de Hungría, hermana del rey español y, por tanto, prima hermana de la ya María I de Inglaterra, la convenció para que se casara con su sobrino, el hijo de Carlos I, el príncipe Felipe, que años más tarde sería el rey Felipe II. Y en julio de 1554 se desposaron en Winchester, que es una ciudad situada al sur de Inglaterra. Pero cuatro años más tarde, en noviembre de 1558, cuando su esposo luchaba en Francia, falleció nuestra María Tudor, Reina de Inglaterra, segunda mujer del rey español Felipe II.

Volviendo al cuadro, el pintor flamenco Antonio Moro viajó a Londres en 1554, a petición del rey Carlos I, para hacer el retrato de la prometida de su hijo Felipe, María Tudor.

Como bien ves, querido Diario, observamos a la reina sentada en un sillón de terciopelo carmesí, que es el símbolo de la soberanía, con un bordado precioso. Por lo menos, a mí me gusta mucho. Para gustos...

Si te fijas, el sillón no está colocado de frente, sino en un plano oblicuo. Esto lo hizo Antonio Moro para así aumentar la profundidad espacial... en fin, visión de genio.

Nuestra María tiene en la mano derecha una rosa roja, que es el símbolo de los Tudor, y en la mano izquierda, unos guantes de pedrería.

Y lleva un traje rameado gris.

Sí, ya lo sé, querido Diario, eso de "rameado" a mí también me sonaba mal, pero no seas mal pensado, que quiere decir que tiene dibujados unos ramos.

Pero una de las cosas que más me atrae es el sobretodo morado, que es esa especie de abrigo ancho, con mangas cortas, que se solía llevar sobre el traje ordinario. No sé el por qué me atrae... debe ser porque parece que es de terciopelo.

Me encanta también las perlas y las piedras preciosas de los puños y el cinturón. Pero lo más llamativo de todo es la joya que lleva en el cuello, que fue un regaló que le hizo su prometido, el príncipe Felipe.

Eso sí, querido Diario, hay que decir que guapa, lo que se dice guapa, nuestra María no era, con esa actitud tensa y estirada. Pero, no sé, tiene algo que le resta fealdad al retrato. A lo mejor es ese aire de majestad que le da fortaleza de carácter, o, yo qué sé, la pincelada minuciosa, sobre todo en los detalles... no sé.

Pero como siempre he dicho...

-Para gustos, los colores, los pintores... y los detalles.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro María Tudor, reina de Inglaterra, segunda mujer de Felipe II - 1554 -, de Antonio Moro, y otros, que se puede contemplar en la sala 56).

sábado, 18 de agosto de 2018

Querido Diario, 18 de agosto de 2018

Querido Diario:

Hoy una compañera me ha dado una noticia que no sé cómo tomármela... Me ha dicho que una academia que prepara la oposición para vigilantes de salas del Museo del Prado ha recomendado a sus alumnos que te lean. Ya ves, querido Diario, me consideraba "bloguero", por lo de escribir en un blog, pero ahora me tendré que considerar "influencer", jejeje. Para mí es un honor, cómo no, pero... como siempre en mí, hay un pero... es que son a los alumnos que estudian la misma oposición a la que me voy a presentar yo. No digo más... y lo digo todo.

Pero aunque me he pasado toda la tarde pensando si esa noticia era buena o mala, me he acordado que ayer me vino a visitar una cotilla que te lee a hurtadillas. Volvía del descanso cuando mi relevo me dijo que una pareja me estaba esterando...

-¿¿¿Ehhhh???

Pues, sí. Andrea, que es la cotilla, y su hijo querían conocerme y agradecerme mi trabajo por el diario. Ya ves, querido Diario, como si escribirte fuese para mí un trabajo. Si es todo lo contrario... un placer.

Gracias, Andrea.

Ah, que se me olvidaba... también la semana pasada se me presentó otra pareja que te lee. Bueno, si bien recuerdo era ella la cotilla. Pero tuve el fallo de no preguntarles su nombre. ¡¡¡Me cachis!!! Gracias, igualmente.

¿Sabes, querido Diario? Me encanta que se me presenten las cotillas y los cotillos que te leen a hurtadillas. Me hace mucha ilusión. Pobre de mí, con poca cosa se me contenta.

En fin, cambiando de tema, el mes sigue "enclaustrándome", jejeje. En un principio pensé que estar un mes entero vigilando en el Claustro de los Jerónimos iba a ser tedioso, pero, como te comenté el 8 de agosto, han puesto una pequeña cafetería y eso anima a la gente a subir para ver el claustro y ya de paso tomarse una café o una cerveza. Eso sí, como no se puede comer ni beber en el Museo, lo tienen que consumir en las mesas que han colocado al lado de la barra. Y algunos días suben más gente o otros días no sube casi nadie. Por eso le estoy cogiendo gustillo a vigilar en el Claustro.

Pero poco tengo que hacer... como en el Claustro se pueden hacer fotografías, no tengo que estar pendiente de eso. Solo tengo que estar vigilando para que no toquen las esculturas, que no pasaría nada, pues las esculturas son duras y no se estropean. Pero si la normativa dice que no se pueden tocar las esculturas, mi trabajo es hacer que se cumpla.

También tengo que estar pendiente que la gente no ande descalza, pero este mes solo me ha pasado dos veces... y por niños pequeños. La verdad, aunque lo barren y lo friegan todos los días, con el uso, el suelo se ensucia. Y con lo sucio que está, no entiendo como los padres dejan que, en este caso, una corra descalza y otra, u otro, porque no sé si era niño o niña, gateara... y encima, para más inri, descalza. Debe ser que "lo que no mata, fortalece".

Y otra cosa de la que tengo que estar pendiente es que no tiren nada al patio de luces que tiene el Claustro para dar luz a las salas de las exposiciones temporales que están en los pisos de abajo. No entiendo por qué la gente es tan guarra, con perdón. Echan de todo... monedas, planos, folletos, entradas troceadas como si fuera confeti,... Y lo hacen en décimas de segundo, que no te da tiempo a frenarles, solo a decirles que no se puede tirar nada... después de que ya lo han hecho, claro. Por suerte, en lo que llevo de mes solo han tirado tres planos, un folleto de una exposición temporal... y una carcasa de móvil. Y, orgulloso de mí, he de decir que no ha sido mientras yo he estado vigilando.

Eso sí, los visitantes me ven con cara de saber de todo, o con cara de guía turístico, pues no pasa un día que alguien me diga...

-¿Me puede explicar la historia de este Claustro?

La mayoría de las veces les indico dónde está la cartela explicativa, que se ve perfectamente, y otras veces, cuando veo que no hay nadie más, pues mi trabajo es vigilar, no explicar, se la medio comento en treinta segundos.

Y es que ese claustro formaba parte del Monasterio de San Jerónimo el Real. Esta institución religiosa se creó en 1464, pero se estableció en este paraje en 1503. El rey Felipe II, como ya te comenté el 11 de julio, pidió que se creara un "cuarto real" en torno a la iglesia de San Jerónimo, que más tarde ese cuarto quedó integrado en el Palacio del Buen Retiro.

Volviendo al claustro, éste no fue el original de principios del siglo XVI. EL actual se empezó a construir en 1672 y se terminó diez años más tarde, en 1682, sustituyendo al antiguo. Fue diseñado por el arquitecto agustino fray Lorenzo de San Nicolás.

¿Sabes, querido Diario? Está realizado con granito madrileño y en el estilo se nota que tuvo mucha influencia la arquitectura de El Escorial, ya que es clásico y austero.

Continuando con la historia, en la Guerra de la Independencia contra los franceses sufrió muchos daños y casi fue demolido en el año 1857. Menos mal que no lo hicieron, pues entonces no tendríamos esta obra de arte arquitectónica.

En 1925 fue declarado Monumento Nacional. Y en el año 2000, cuando el arquitecto Rafael Moneo hizo la ampliación del Museo, el Claustro de los Jerónimos fue desmontado, piedra a piedra, se numeraron, se limpiaron, se restauraron y se colocaron en su sitio... hasta ahora.

Imagínatelo, querido Diario... el claustro tiene casi tres mil bloques de piedras y menos mal que cuando lo montaron no sobró ninguno, jejeje.

Y como lo prometido es deuda, el 8 de agosto te dije que iba a hablar de la otra estatua de cuerpo entero que María de Hungría, la hermana de del emperador Carlos V,  mandó hacer a Leone Leoni en 1549, aparte de la de su sobrino. Bueno, le mando hacer diez, pero solo hizo dos... la de Felipe II y ésta, María de Hungría.

El destino de estas estatuas era la galería dinástica que María había proyectado en el Palacio de Binche, en Bélgica. Pero Leone Leoni demoró un poquiiiito su realización... por lo menos hasta 1553. Al final, el escultor entregó a María de Hungría su estatua en 1556, dos años después de que las tropas francesas arrasaran Binche. Ya ves, querido Diario, nunca llegó a ocupar el lugar para el que había sido diseñada.

Pero la historia no termina ahí. Sigo...

Ese mismo año, 1556, María se trasladó a España, y las esculturas siguieron el mismo camino, acompañadas por Pompeo Leoni, el hijo de Leone, que se trasladó a Madrid para completarlas... en 1564, ocho años después, realizando la basa, incluyendo en ésta la inscripción...

"Maria Austria Regina Ludovici Ungariae Regis" Reina María de Austria [esposa] del rey Luis de Hungría).

Y como nuestra María de Hungría falleció en Cigales, cerca de Valladolid, en 1558, dos años después de su llegada a España, nunca vio terminada su estatua.

En fin, la escultura de María de Hungría es de broce y mide 175 centímetros de alto. Supongo que sería la altura real de la hermana del rey Carlos I de España, viuda del rey Luis II de Hungría y gobernadora de los Países Bajos, o sea, María de Habsburgo, también conocida por María de Austria o María de Hungría.

En su condición de viuda, la estatua de María no podía llevar la vestimenta con mucha decoración. Y hay que reconocer que esta limitación fue positiva, ya que Leone tuvo que jugar con los pliegues de la ropa para darle el dinamismo y la majestuosidad que tiene la escultura.

¿Qué es lo que vemos? Pues a nuestra María de pie, vestida como te he dicho antes, de viuda. Tiene las manos juntas, sosteniendo un misal. En la cabeza lleva una toca que parece una monja.

¿No te has dado cuenta, querido Diario, que en el cuadro Las Meninas, detrás de Isabel de Velasco hay una monja? Pues no es una monja, sino una viuda. Es que en aquella época, las viudas se vestían con una toca en la cabeza, como las monjas.

Ah, por cierto, la viuda de Las Meninas se llamaba Marcela de Ulloa y era una dama de honor de la infanta Margarita.

Siguiendo con la estatua de María de Hungría, si te fijas bien, querido Diario, verás que lleva por el cuello una estola, que es una especie de bufanda que le llega casi hasta los tobillos. La verdad, esa estola era un tema que me "rallaba"...

-¿Cómo una viuda lleva una estola sacerdotal?

Es que la estola es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos en la administración de los sacramentos. Es una prenda de tela que se pone alrededor del cuello. Los diáconos se la colocan en el hombro izquierdo y se la cruzan por el pecho y la espalda, ajustándola en el lado derecho de la cintura. Y los sacerdotes se la ponen en el cuello y los lados cuelgan sobre el pecho, por delante.

Entonces, si es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos, ¿cómo es que la lleva nuestra María?

Tiene su explicación, y es que como la estatua se ve de abajo a arriba no se aprecia bien... la toca tiene unos extremos muy largos. Están anudados sobre la nuca, cosa que no se ve desde abajo, cayendo hacia delante, y están rematados con unas cruces, formando una especie de estola.

¡¡¡Bien!!! ¡¡¡Está solucionado!!! No es que sea una estola, sino los extremos de la toca que caen en forma de estola. Y se trata de una indumentaria que, según su biógrafo Alessandro Nogarola, se ponía cuando iba a la iglesia o cuando se presentaba como majestad.

Mañana me fijaré bien, a ver si se aprecia el nudo de la toca en la nuca, y te lo cuento después, querido Diario.

Ah, ¿sabes? Para realizar esta estatua, Leone Leoni partió de un busto que había hecho en terracota durante su primer encuentro que tuvo con María de Hungría en Bruselas, en el año 1549. Este busto sirvió también para otro busto que hicieron los Leoni, padre e hijo, de nuestra María, pero esta vez en mármol y que también lo conserva el Museo del Prado, aunque a día de hoy no está expuesto. Y lo realizaron entre los años 1553 y 1555.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de la estatua en bronce María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que se puede contemplar en el Claustro de Jerónimos; escultura en mármol María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que a día de hoy no está expuesta; y detalle del cuadro Las meninas - 1656 -, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, que se puede contemplar en la sala 12).

miércoles, 8 de agosto de 2018

Querido Diario, 8 de agosto de 2018

Querido Diario:

Ante todo te quiero pedir disculpas, querido amigo Diario, porque hace muchos días que no te he escrito, pero es que no tengo tiempo casi ni para respirar, entre los estudios, el trabajo, la familia, que es muy importante no dejarla atrás,... y más cosas. Me gustaría que el día tuviera cuarenta y ocho horas para poder hacer todo lo que tengo pendiente y que no hago por falta de tiempo. Y todavía me faltarían horas.

Pero hoy me he propuesto escribirte un poco, a ver si acabo a tiempo...

Y es que llevo ocho días detrás de decirte que como hemos cambiado de mes, he dejado de ser correturnos y me ha tocado sala fija, es decir, vigilar durante un mes una sala... una super sala... la sala más grade del Museo... el claustro de Jerónimos. Si bien recuerdo, ya te hablé de él el 25 de octubre del año pasado, el cuarto día tuyo, el cuarto día que te escribí. ¡¡¡Cómo ha pasado el tiempo!!!

En fin, pensaba que iba a ser un mes aburrido, pero, no, no lo va a ser... creo. El Museo ha puesto una barra de bar con cuatro mesas en el claustro para que la gente descanse un poco, tomándose un refresco, contemplando ese maravillo entorno... y la gente se está animando a subir y a quedarse un ratito. Hay que reconocer que tomarse un café ahí, con la tranquilidad que impone el claustro, con su silencio, debe ser de lo más placentero.

Y como es un sitio tan grande que impone "respeto", la gente suele hablar bajito. Bueno, aunque hablasen alto, como es tan grande, no se nota. Pero, esto es cierto, la gente suele estar calmada. Tanto que un niño de poco más de dos añitos ha estado un buen rato detrás de su hermana de unos siete u ocho años mandándole callar, con el dedo índice delante de la boca. Y yo, como es lógico, ya que estaba ayudándome, quitándome el ingrato trabajo de mandar que bajen el volumen de voz, le he dicho "Ok" con el pulgar hacia arriba. Los padres se han partido de risa, como era de esperar.

Ah, ¿sabes, querido Diario? Como el claustro es la única sala del Museo, junto con la entrada de Jerónimos, en la que se pueden hacer fotografías, la gente aprovecha a hacerlas a todas las esculturas, columnas, capiteles, vigilante,... y más obras de arte, jejeje. Y yo, como obra de arte tímida, me intento esconder, lógicamente, pero seguro que me han sacado un montón de veces. Es inevitable.

Pero, claro, no todo el mundo lo sabe, y hoy había una chica de unos dieciocho años intentando hacer una fotografía. Pero cuando la miraba, bajaba el móvil, disimulando. Me "distraía", y lo levantaba para sacar la foto. La miraba, y bajaba el móvil... no sé las veces que lo ha intentado, pero seguro que ha hecho ejercicio subiendo y bajando los brazos. Al final otro visitante me ha cortado la diversión... se ha puesto a hacer fotografías y como no le he dicho nada, la joven ha venido casi corriendo hacia mí...

-Pero, ¿se pueden hacer fotografías?

-Sí, esta sala es la única del Museo en la que sí se pueden hacer fotografías.

Imagínate, querido Diario, la cara que ha puesto la chica... me ha perdonado la vida por momentos. Pero, en fin, la "culpa", por decirlo de alguna manera, ha sido suya por intentar hacer la foto, aun creyendo que no se podía. Que hubiera preguntado antes de intentarlo, digo yo.

Aunque echando una mano a la chica, hay que reconocer que si llevas todo el día escuchando que no se pueden hacer fotografías en el Museo, no te planteas que en una sala, en este caso el claustro, sí se puede sacar fotos.

Pero no ha sido la única que se ha escondido para hacer las fotos "prohibidas". Eso sí, cuando les dices que se pueden hacer, se desquitan y empiezan a hacer fotos como posesos a todos los sitios, como si no hubiera un mañana.

¿Y de qué obra de arte te puedo hablar, querido Diario... y cotillas que lo leéis a hurtadillas? Ah, sí... como no, de una escultura que está en el claustro y que me hace mucha gracia cada vez que la veo. Se titula Felipe II y es una obra que empezó Leone Leoni en el año 1551 y la terminó su hijo Pompeo Leoni en 1564.

Así, a simple vista no tiene nada de gracioso, pero, espera...

María de Hungría, que era hermana del emperador Carlos V y viuda del rey Luis II de Hungría y gobernadora de los Países Bajos entre los años 1531 y 1555, solicitó a Leone Leoni, en 1549, diez esculturas en bronce de cuerpo entero de miembros de la familia imperial. Pero solo realizó dos, ésta y la suya, o sea, la de la reina María de Hungría, de la que te contaré cosas otro día... te lo prometo.

La escultura de Felipe II mide 171 centímetros de alto. Me imagino que sería la altura real del entonces Príncipe de Asturias y Duque de Milán. Y pesa, ni más ni menos, que 321 kilos... y 400 gramos.

Como te he dicho, querido Diario, la obra fue encargada en 1549, pero el vaciado de la estatua se realizó el 2 de noviembre de 1551, y se sabe que Leone Leoni trabajaba aún en ella en diciembre de 1553.

En 1556, las dos esculturas, las de Felipe II y la de María de Hungría, fueron trasladadas a España al taller de su hijo Pompeo Leoni de Madrid, adonde se había trasladado para ultimar los encargos hechos por la familia imperial. Pompeo terminó esta escultura en 1564, realizando la basa, incluyedo la inscripción...

"Philippus Angliae Rex Caoli V F" (Felipe, rey de de Inglaterra, hijo de Carlos V).

En fin, si te fijas bien, querido Diario, el entonces príncipe Felipe tiene el bastón de mando en su mano izquierda y una espada en el lado derecho, que, por cierto, en la fotografía que te he puesto aquí al lado no se ve, pero el mango es la cabeza de un águila, símbolo del Imperio.

Continuo...

El Príncipe aparece vestido con un manto y una armadura romana inventada, pues nunca tuvo una armadura así. Su decoración es un poco heterogénea, por no decir caótica, ya que mezcla elementos cristianos y paganos, pero no parece que tenga una lógica iconográfica. Eso sí, tiene tanto detalle que certifica la excelencia de Leoni como un maestro orfebre.

Observa el peto... verás la figura de la Ascensión de la Virgen rodeada de nereidas y tritones entre roleos.

¿Que qué son nereidas, tritones y, sobre todo, roleos? Buena pregunta... las nereidas, en la mitología, eran ninfas que residían en el mar, jóvenes, hermosas, de medio cuerpo humano en la parte superior, y de peces en lo restante... es decir, lo que nosotros conocemos por sirenas.

Los tritones eran deidades marinas con figura de hombre desde la cabeza hasta la cintura, y de pez el resto... es decir, sirenos.

Y los roleos son adornos en forma de espiral... es decir... es decir... no se me ocurre nada... adornos en forma de espiral.

Y en la hombrera izquierda puso tres óvalos... uno con Las tres Gracias, otro con el dios Mercurio y otro con una figura femenina con un jarro en la mano.

Ahora, querido Diario, fíjate en el cinturón, que es muy curioso. Es de doble hilera... en la superior se alternan máscaras de carnero y motivos vegetales. Y en la inferior hay figuras mitológicas entre las que se distinguen, entre otros, Mercurio y Hércules.

Pero la "joya de la corona", lo que más me encanta de esta estatua y que me hace mucha gracia cada vez que las veo son... las sandalias. Tiene medallones con cabezas de leones y granadas. Pero la parte superior es lo más apoteósico... tiene unas cabezas de unos monstruos con sus bracitos y sus garras. ¡¡¡Me encantan!!! Soy así de sencillo.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de la escultura Felipe II - 1551-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que se puede contemplar en el Claustro de Jerónimos).

martes, 26 de junio de 2018

Querido Diario, 26 de junio de 2018

Querido Diario:

Ayer tuvimos otra vez "sarao" en el Museo. Como te conté el 8 de mayo, el día anterior habíamos presentado "en sociedad" el cuadro Josefa del Águila Ceballos, luego marquesa de Espeja, que pintó Federico de Madrazo y Kuntz entre los años 1852 y 1854, y que había donado al Museo del Prado la empresaria, coleccionista y miembro del Real Patronato del Museo Alicia Koplowitz.

Pero ayer fue un acto distinto... se inauguraron salas nuevas en el Museo, nueve para ser más exacto.

A este acto de inauguración vinieron los responsables de los tres órganos rectores del Museo, que son el Presidente del Museo Nacional del Prado, el Real Patronato y el Director del Museo.

¿Que quiénes son? Te cuento...

El Presidente del Museo es el Ministro de Cultura y Deporte, que es don José Guirao Cabrera.

También vino el Real Patronato. Bueno, no sé si vino el Patronato al completo, pues son cuarenta personas. Pero sí sé que vino en representación de él su Presidente, que es don José Pedro Pérez-Llorca.

Y, lógicamente, también estuvo el Director del Museo, que es don Miguel Falomir Faus.

Bueno, yo estaba vigilando una de las salas nuevas y por tanto no vi cómo fue exactamente el acto de inauguración y dónde. Pero te puedo contar, querido Diario, que luego hicieron la visita de rigor a las salas nuevas. Y es ahí donde les vi a los tres juntos.

¿Que qué salas son las nuevas? Pues, primeramente te tengo que decir que están situadas en la segunda planta, justamente encima de la entrada de Goya, en la parte Norte del Museo. Y están divididas en tres zonas.

Por un lado están las salas 76-79. Y por otro, las salas 80-83. Estas dos zonas están dedicadas a la Pintura Flamenca y Holandesa, ambas del siglo XVII.

Y en el centro entre esas salas, está la sala 79B, que es una galería circular... una rotonda.

Para ser más concretos, te diré, querido Diario, que en el primer grupo, la sala 76 está dedicada específicamente a la Pintura Holandesa. En ella está el único cuadro que tenemos de Rembrandt, Judit en el banquete de Holofernes (antes Artemisa), del que te hablé el 14 de marzo. Y junto a este cuadro hay otros de Salomon de Bray, Joachim Wtewael, Hendrick Jacobsz Dubbels, Matthias Stom, Philips Wouwerman, Jan Both, Leonaert Bramer, Gabriël Metsu, Pieter Steenwijck, Pieter Claesz y Willem Claesz Heda. Creo que no me he dejado ninguno, jejeje.

La sala 77 es monográfica, es decir, que solo está dedicada a un pintor, en este caso, al pintor flamenco David Teniers.

Las salas 78 y 79 también son monográficas, en este caso dedicadas al también pintor flamenco Pedro Pablo Rubens.

Y nos saltamos al segundo grupo de salas... la 80 está dedicada a Pintura Flamenca de paisajes, en los que está, si bien recuerdo, Peter Snayers, Pieter Brueghel, Sabastian Vrancx, Jan Brueghel el Viejo, Joost de Momper, Denis van Alsloot y Antoine Sallaert.

La sala 81 está dedicada a la Pintura Flamenca de escenas de animales, con cuadros de Jan Fyt, Christian Luycks, Frans Snyders y Paul de Vos.

Y la sala 82 sigue dedicada a la Pintura Flamenca pero en este caso de animales y naturalezas muertas. Los pintores de esta sala son Jan Brueghel el Viejo, Jan Brueghel el Joven, Giulio Cesare Procaccini, Hendrink van Balen, Peeter Boel, Clara Peeters, Adriaen van Utrecht y Daniel Segners.

Y la sala 83 también es monográfica, esta vez del pintor flamenco, cómo no, Jan Brueghel el Viejo.

Ya solo me falta hablarte de la sala 79B, que como te he dicho antes es una rotonda. Y en esta sala está el Tesoro del Delfín.

Y sobre este Tesoro del Delfín, cuando estaba en el sótano, en las salas 100-102, escuché preguntas curiosas. Un día, un joven preguntó a un compañero...

-¿Dónde está el Tesoro de los Delfines?

Y en otra ocasión, una joven directamente descartó el título de "Tesoro" y me preguntó...

-¿Dónde están las salas de los Delfines?

Uhm... sin comentarios. Cada vez que me acuerdo, me imagino un acuario subterráneo lleno de defines... en el Museo del Prado.

En fin, como te dije en su día, se le llamaba "Delfín" al heredero de la corona francesa. Y el Delfín que tenía este tesoro era Luis de Francia, el hijo mayor del rey Luis XIV y de la infanta española María Teresa de Austria. Pero murió joven, con veintiocho años, durante una epidemia de viruela, y no llegó a reinar. Por tanto ese conjunto de alhajas fue heredado por su hijo Felipe V, el primer rey Borbón español. Y de la Corona española ha pasado al Museo del Prado.

Esta colección está formada por un conjunto de los tradicionalmente llamados "vasos ricos",  de gran variedad de lugares de procedencia y de distintas épocas. Cuenta con piezas antiguas y medievales, aunque predominan las realizadas durante los siglos XVI y XVII.

De las ciento sesenta y nueve obras que tenía este Tesoro del Delfín, han llegado hasta nosotros ciento cuarenta y cuatro... ciento veinte que estaban ya expuestas en el Museo, diez piezas más que componían un juego de café de laca, que estaba en el Museo de América, y otras catorce que formaban parte del juego de utensilios para preparar piezas de caza que estaban depositadas en el Museo Arqueológico Nacional.

¿Que por qué faltan algunas piezas? Buena pregunta, querido Diario. En un principio el Tesoro del Delfín fue saqueado en 1813, durante la invasión napoleónica, y once se "extraviaron". Y años más tarde, en 1918, desaparecieron trece piezas en un robo. Por eso no está la colección original entera.

¿Sabes, querido Diario? El Museo no se ha guardado ninguna pieza y las ciento cuarenta y cuatro que se conservan, todas, están expuestas en esta sala... más de cuarenta metros de vitrina continua, más otras sueltas por dentro de la rotonda.

Y además, se exhibe una selección de los ciento veinticuatro estuches conservados, que están ricamente decorados.

No me gusta hablar sobre el precio de las obras de arte porque creo que no es lo más importante. Pero, como cosa curiosa, te puedo decir que estas obras eran muy apreciadas, a veces por encima de otras obras de arte como pinturas o esculturas, que actualmente están mucho mejor valoradas. Es más, en el inventario realizado tras el fallecimiento del rey Felipe II, algunos vasos de cristal de roca, semejantes a los que tenemos en el Tesoro del Delfín, se tasaron muy por encima de las pinturas de Tiziano, Sánchez Coello o el Bosco, por ejemplo.

Pero, bueno, ahora me gustaría hablarte de una pieza en particular que me hipnotiza... es la Copa con sirena de oro, de autor desconocido, anónimo, realizada entre los años 1550 y 1575.

Aunque es pequeña, ya que solo mide 17,4 x 12,5 centímetros, es impresionante.

Es un vaso, que podría ser un salero, y está compuesto por una escultura de oro esmaltado con rubíes y diamantes, y dos piezas de ágata. La figura es una sirena de doble cola, con el cuerpo de oro y la cola esmaltada de azul verdoso, rojo y verde de trasflor. ¿Que qué es el trasflor? Pues es una pintura que se aplica sobre oro, plata, estaño u otros metales.

Sigo... su cabeza se cubre con un penacho de plumas esmaltadas. Y los brazos, que están abiertos, sostienen en alto un platillo de ágata con una montura de hojas esmaltadas revestida de rubíes.

Y la base es otra pieza de ágata. Y si te fijas bien, querido Diario, soportan el vaso cuatro peces esmaltados, que podrían ser delfines, con dobles colas, barbas y dientes de aspecto fiero.

Desgraciadamente le falta el delfín que la sirena tenía entre las piernas. Según se describió en su día, allá por el año 1746, este delfín era de color aperlado en cabeza y cola.

Y como ya te he hablado del valor de estas obras, ahora vas a alucinar de verdad... en total, esta Copa con sirena de oro constaba de ciento ochenta y cuatro piedras, según el inventario de 1746... ciento setenta y nueve rubíes y cinco diamantes. Hoy "solo" le quedan ciento setenta y siete rubíes y dos diamantes.

¿Cómo te quedas? Yo, impresionado.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de la pieza del Tesoro del Delfín Copa con sirena de oro - 1550-1575 -, de autor anónimo, que se puede contemplar en la sala 79B).

viernes, 11 de mayo de 2018

Querido Diario, 11 de mayo de 2018

Querido Diario:

Si hoy no me ha dado un infarto, ya no me da. Te cuento...

Es curioso, pero la gente cuando habla por teléfono sube el volumen de la voz... hasta incluso llegar a gritar. No toda, es cierto, pero muchísima gente, sí.

Dicho esto, estaba vigilando mis salas cuando un señor se ha puesto a hablar por teléfono a gritos. Y como la norma del Museo dice que "se ruega a todos los visitantes no utilizar el teléfono móvil durante la visita. En caso de necesidad, llevarlo en modo silencio y evitar molestar al resto del público", me he acercado a él y le he dicho...

-Por favor, para hablar por teléfono le ruego que se dirija al pasillo.

Y le he indicado con gestos dónde estaba el más cercano. Y en su "huida", como había gente que le obstaculizaba, se ha metido por dentro de la catenaria de seguridad, por dentro de la cuerda de separación.

¡¡¡Ha sido peor el remedio que la enfermedad!!!

No ha tocado los cuadros que estaban por donde ha pasado de milagro. Podría haber hecho un estropicio de campenato, pues, al llevar el móvil en ese lado de la cabeza, el codo del brazo que cogía el aparato sobresalía y podría haber dado a los cuadros con él.

Pero, bueno, por suerte solo fue un susto. Yo siempre he dicho que el Museo tiene un Ángel de la Guarda que le protege, que si no...

En fin, cambiando de tema, en el capítulo de "Preguntas absurdas vs. respuestas más absurdas todavía", una mujer de unos cuarenta años que iba con su familia me ha preguntado...

-Si vamos por ahí, ¿vamos bien?

-Ehhh???... síííí... y si van por allí, también van bien...

-Es que ya hemos visto todo esto y es para subir.

-Ah, vale. El Museo tiene varias escaleras y, sí, por ahí hay una. Vayan por esta sala y giren...

Luego apareció otra mujer, pero esta más mayor, de unos sesenta años...

-Los cuadros de Sorolla, ¿sabe dónde se encuentran, más o menos?

-Más o menos, no. Tengo que saberlo...

-Ya me lo imaginaba.

Así sucedió, así te lo cuento, querido Diario.

Y cambiando otra vez de tema, desgraciadamente tengo que volver al de las fotografías... la verdad es que me siento muy cansino, que no muy cansado, de hablar de este tema, pero es "el pan nuestro de cada día".

Hoy, estando en mis salas, en concreto en la sala 61B, que es donde están los cuadros de Eduardo Rosales, ha entrado una chica de unos dieciséis o diecisiete años, a toda prisa, con la cámara del móvil encendida, directa a un cuadro. Y antes que llegase al cuadro...

-Buenas tardes, le informo que no se pueden hacer fotografías en el Museo.

-Vale.

Y se dio media vuelta y se marchó.

¡¡¡Oñe!!! Si te ha gustado tanto el cuadro como para tener la necesidad de hacerle una fotografía, disfrútalo, quédate un rato observando el original. No te conformes con mirar tu fotografía en casa. Disfruta del arte en directo y no de la fotografía en diferido... digo yo.

¿Y sabes, querido Diario, qué cuadro fue a hacer la foto? Pues uno que me encanta. Es de la temática de Pintura de historia y se titula Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V, en Yuste, y lo pintó Eduardo Rosales Gallinas en 1869.

Tras el éxito que tuvo su cuadro Doña Isabel la Católica dictando su testamento, el que te comenté el 6 de mayo, Rosales volvió a trabajar sobre la pintura de historia, pero quiso cambiar de registro, cambiando la moda de los grandes formatos impuesta en los certámenes oficiales para adaptarlos a lo que pedían los clientes. Y es que este cuadro es "relativamente" pequeño, ya que solo mide 123,5 x 76,5 centímetros... un poco más de un metro de largo.

El cuadro representa el momento en que el joven Juan de Austria, que era el hijo natural del viudo rey Carlos I... el emperador Carlos V, y Bárbara Blomberg, es conducido a presencia de su padre, que ya es anciano y está enfermo, en su retiro, en el Monasterio de Yuste. La identidad de este hijo fue mantenida en secreto durante muchos años, y en los últimos años el rey ideó muchas excusas para verle con frecuencia.

¿Y qué ves en el cuadro, querido Diario? Pues a la izquierda vemos al rey Carlos I sentado junto a un gran ventanal, delante de una chimenea. Se aprecia que el rey está enfermo, con ataques de gota, por lo que lleva las piernas cubiertas con una manta y reposa los pies sobre un cojín. Al lado está su perro mastín y dos frailes jerónimos del Monasterio.

Y en el extremo opuesto de la sala, es decir, a la derecha del cuadro, y ante los nobles de su corte, está el tímido "Jeromín", que es como se le llamaba familiarmente a Juan de Austria. Está vestido con ropas de un azul muy intenso. Vemos que su tutor, don Luis de Quijada, le está indicando que se acerque al rey, cuya imponente presencia parece que intimida al joven, ignorante de su parentesco con el monarca.

¿Sabes, querido Diario? El pintor Rosales intentó, y lo consiguió, dar verosimilitud a la escena, ya que estudió, entre otras cosas, la indumentaria de los personajes.

Este cuadro lo empezó a pintar en Roma y desde allí escribió varias cartas a su amigo Gabriel Maureta para preguntarle, por ejemplo, si los frailes jerónimos de Yuste "llevaban o no capucha, y si ésta estaba en la capa o en la sotana; si llevaban cerquillo o no"...

Es más, esta obsesión que tenía para que fuese todo fiel se nota en la decoración de la estancia. Primeramente pintó dos estudios al oleo, la Antecámara del Palazzo Chigi, en Arizzia, que estaba en los alrededores de Roma, y el Estudio de chimenea. Luego refundió estos dos bocetos para crear la cámara del rey del Monasterio de Yuste en este nuestro cuadro.

Pero aun hay más... para conseguir la veracidad de la escena, pintó algo más... Si te fijas bien, querido Diario, en la pared del fondo se ve un tríptico gótico, ¿verdad? Pues a los lados hay dos cuadros más. Son el Ecce Homo, que pintó Tiziano en 1547 y La Dolorosa con las manos abiertas, también de Tiziano que pintó esta vez en 1555. ¿Y por qué Rosales eligió estos dos cuadro para ponerlos en este cuadro, en la sala regia? Pues porque, efectivamente, el rey Carlos I se llevó con él estos dos cuadros a su retiro en el Monasterio de Yuste y, por qué no, podrían estar en la cámara del rey en ese momento.

¡Ah! Estos dos cuadros, el Ecce Homo y la Dolorosa, están actualmente en el Museo del Prado.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V, en Yuste - 1869 -, de Eduardo Rosales Gallinas, que se puede contemplar en la sala 61B; Ecce Homo - 1547 -, y La Dolorosa con las manos abiertas - 1555 -, ambos de Vecellio di Gregorio Tiziano, que a día de hoy se pueden contemplar en la sala D).

lunes, 23 de abril de 2018

Querido Diario, 23 de abril de 2018

Querido Diario:

Hoy no sé qué me ha pasado pero me ha dado el día "tonto". Te cuento...

Hoy me ha tocado vigilar las salas de pintura flamenca y española del siglo XVI, es decir, las salas de la 55 a la 58. Son las primeras salas que un visitante encuentra si accede por la entrada "nueva", la de Jerónimos. Pues estaba observando a los visitantes cuando se me han acercado un grupito de cinco chicas de unos veinte años y como locomotoras me han empezado a hablar en perfecto inglés. El primer párrafo lo medio entendí, pero los veintiocho restantes, pues, la verdad, me perdí. Hasta que, con cara de susto, les he dicho...

-¡¡¡HELP!!! ¡¡¡STOP!!! My English is very bad. (¡¡¡SOCORRO!!! ¡¡¡PARAD!!! Mi inglés es muy malo.)

Querían saber si el Museo tenía un itinerario para visitarlo. Eso es lo que entendí. En fin, sí lo tiene, que es el cronológico, pero no se puede hacer en un día. Cuando es en español, lo explico aunque al final lo remato diciendo que no les da tiempo para hacerlo completo y que lo aconsejable es que vean los cuadros de los artistas preferidos, y le indico dónde están los más conocidos. Pero cuando es en inglés...

-The Museum has not a route. I recommend you visit the most famous paintings. (El Museo no tiene una ruta. Yo recomiendo que visiten los cuadros más famosos.)

No sé si se dice así, pero me lo aprendí de memoria de esta manera. Si no es así, querido Diario y queridos cotillas que nos leéis a hurtadillas, decídmelo.

Algo después se me acercaron dos chicos de unos dieciocho años y me preguntaron, esta vez en español...

-¿Dónde están las obras de "El Bosque"?

-Bien, vale... pero no es el bosque, sino El Bosco.

Y luego concluí...

-El Bosco no está en el bosque, sino en la sala 56A. En esta sala, a la izquierda.

Menos mal que se echaron a reír, que si no...

Más tarde me encontré con una pareja de unos treinta años y la mujer estaba alargando la mano peligrosamente a un cuadro...

-Por favor, no se acerque tanto al cuadro.

Dieron un paso hacia atrás, como hacen todos cuando les digo esto, cosa que no entiendo, pero, bueno. Ella me preguntó...

-¿Puedo ponerme aquí?

-Sí, claro, siempre y cuando la mano no atraviese el límite de la cuerda... es que el cuerpo no puede atravesar la cuerda, y le prometo que la mano pertenece al cuerpo.

Y me di media vuelta y me marché para que no me replicaran... y tendrían razón.

Más tarde vi a un matrimonio con dos carritos. En uno llevaban a un bebé que estaba dormido. Y el otro... estaba vacío. Y, ¿dónde estaba el niño? Pues andando, cogiendo las cuerdas de separación de la catenaria... tomándose un biberón.

-Perdone, pero no puede estar el niño solo tomándose el biberón.

-¿Se lo puede tomar si está sentado en la silla?

-La normativa dice que no se debe comer ni beber en las salas, pero como es un niño pequeño, se le puede permitir siempre y cuando esté sentado en la silla y si es posible estando en las salas de descanso.

Como ya había vivido una situación parecida, como te conté el 12 de enero, me puse en tensión. La madre se agachó y le dijo al niño...

-Mira, este hombre me ha dicho que te puedes tomar el bibe, pero solo si te sientas en la silla. ¿Lo hacemos así?

...y yo mirando al niño con cara de pocos amigos. Y sin pensárselo dos veces el niño se agarró a su madre y esta le sentó en su sillita.

-Muchas gracias. Es que si se lo digo yo, no me hace caso. Pero si se lo dice una persona desconocida, obedece.

-No se preocupe. No es la primera vez que tengo que hacer de "poli malo", jejeje.

Y sobre las fotografías, suelo decir que no se pueden hacer fotos a la vez que hago el gesto con las manos de hacer una fotografía con una cámara a la vez que niego con la cabeza. Pues estando en la sala vi a una mujer que se estaba comiendo una barrita energética. Y como está prohibido comer en salas, me acerque...

-Perdone, pero no está permitido comer en el Museo.

... pero cuando se lo dije hice el gesto de negación y el gesto con las manos de no poder hacer fotos. ¡¡¡Me confundí de discurso!!!

En fin, después de contarte estas anécdotas, me toca contarte, querido Diario, un cuadro de estas salas. Y uno del que tengo muy, muy, muy buen recuerdo es Perejón, bufón del Conde de Benavente y del gran Duque de Alba, que pintó Antonio Moro hacia el año 1560. ¿Y sabes por qué me encanta esta cuadro, querido Diario? Pues te cuento...

Es que yo, aparte de ser vigilante de sala del Museo soy mago aficionado. Llevo más de veinte años haciendo magias por donde puedo... y me dejan, jejeje. Mi nombre artístico es Juan Suricalday... así de sencillo.

Y todos los años el Museo hace una fiesta de Reyes Magos para los hijos de los trabajadores. Y, cómo no, actúo como mago... y es ahí donde pongo todas mis dotes magias para amenizar durante un rato la espera de la llegada de Sus Majestades de Oriente. Bueno, yo pongo mis dotes mágicas, pero otros compañeros ponen sus dotes musicales, bailarines,... todas con mucho humor y mucho cariño. Estamos hablando ni más ni menos de que estamos esperando la llegada de Sus Majestades de Oriente, que es una cosa muy importante.

Y el año pasado me preparé una pequeña actuación basándome en los cuadros del Museo. Me disfracé del bufón Perejón. Y, a la vez que se proyectaban cuadros del Museo, hablaba de ellos y luego hacía una magia referente al cuadro. Por ejemplo, mostré La Adoración de los Reyes Magos, de mi querido fray Juan Bautista Maíno, y hablé de la estrella de Navidad que se ve en la parte de arriba del cuadro he hice una magia en la que recogía estrellas-luces del cielo y las metía en un pañuelo en forma de bolsa. Y luego, al extender el pañuelo había en él una estrella de luces... las luces que había recogido.

También se proyectó el cuadro El bufón Barbarroja, don Cristóbal de Castañeda y Pernia, que pintó Velázquez hacia el año 1633. Y como tiene una espada, hice una magia en la que una persona elegía una carta y luego se mezclaba entre la baraja, las lanzaba hacia arriba y yo clavaba una carta en una espada... la carta elegida.

Y para terminar se mostró el cuadro de La nevada o El Invierno, de Goya que pintó en 1786. Y como su propio nombre indica, cogí un papel y con papiroflexia hice un copo de nieve con él y luego, despues de hacer una bola con el papel, cogí un abanico y dando aire al puño donde estaba la bola de papel, cree una tormenta de nieve en el escenario. Este número de magia es muy espectacular y gusta mucho a todos... menos al personal de limpieza, pero no entiendo por qué.

En fin, volviendo al cuadro de Perejón, el retratado se llamaba Pero Hernández de la Cruz, y era el criado del Conde de Benavente. Según cuentan las crónicas, este bufón gustaba mucho al príncipe Felipe, el futuro Felipe II, y participó en muchas fiestas organizadas por él, recibiendo muchos trajes y ricos regalos, por lo menos desde 1544. Perejón estaba casado y tuvo varios hijos, y poseía unas casas en Benavente. Desde el balcón de una de ellas el príncipe Felipe y su hijo don Carlos vieron correr cinco torsos, allá por 1554, y luego asistieron al bautizo del hijo de Perejón, apadrinado por el Duque de Alba.

Sobre el cuadro, Antonio Moro pintó a Perejón de cuerpo entero, a escala natural, más o menos, ya que no se sabe bien su estatura real. Se le ve de pie ante un fondo oscuro, sin ninguna referencia espacial.

Su cabeza es grande, sus piernas cortas y su mano derecha deforme, con la que sujeta una baraja de cartas. Estas características nos dan a entender su ocupación, el "oficio de burlas".

Con una técnica muy minuciosa y con su característica objetividad, Antonio Moro nos muestra a Perejón vestido como un cortesana, es decir, con un tabardo y una gorra, ambos negros. ¡Ah! Un tabardo es una especie de abrigo amplio y largo, de paño generalmente tosco, y con aberturas laterales para sacar las manos, sin mangas o con mangas fijas o de recambio. También lleva calzones sobre calzas de seda blanca, zapatos acuchillados y espada al cinto.

Te puedes imaginar, querido Diario, lo "guapo" que estaba yo disfrazado de Perejón.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro Perejon, bufon del Conde de Benavente y del gran Duque de Alba - hacia 1560 -, de Antonio Moro, que se puede contemplar en la sala 56).

lunes, 16 de abril de 2018

Querido Diario, 16 de abril de 2018

Querido Diario:

Hoy he librado, pero me acuerdo un par de anécdotas que me pasaron en el mismo día, hace una semana, más o menos...

Me tocaba vigilar las salas donde están los cuadros de Rafael. Bueno, en el Museo tenemos mucha confianza con él y le llamamos simplemente por su nombre, pero en los demás lugares de la tierra se le conoce por Rafael Sanzio y también como Rafael de Urbino. Pero nosotros somos más chulos que nadie y le llamamos simplemente por su nombre, Rafael.

En fin, estaba vigilando esas salas cuando se me acercó una joven de unos diecinueve o veinte años, un poco alterada, y me preguntó...

-¿Me puede decir dónde está el cuadro Sagrada Familia del Cordero de Rafael? Es que he venido varias veces al Museo del Prado buscando este cuadro, me han dicho que está aquí pero no lo encuentro.

-Es ese cuadro.

-¡Ah, claro! Es que me lo imaginaba más grande. Muchas gracias.

Y es que es verdad, querido Diario. La Sagrada Familia del Cordero es un cuadro muy pequeño y pasa desapercibido si no estás muy atento. Solo mide 21,5 x 28 centímetros... más pequeño que un folio. Eso sí, es precioso.

¿Sabes? Este cuadrito lo pintó Rafael en el año 1507 y está inspirado en un dibujo preparatorio de Leonardo da Vinci para el altar mayor de la Annunciata de Florencia. Y aunque el dibujo de Leonardo se ha perdido y el altar nunca se llegó a realizar, se sabe, por una copia que está en una colección privada, que mostraba a santa Ana sujetando a la Virgen, quien a su vez trataba de impedir que su hijo abrazase al cordero.

Si te fijas bien, querido Diario, la tabla de Rafael, porque este cuadrito está pintado al óleo sobre una tabla, muestra a la Virgen María, al Niño y al cordero, pero santa Ana ha sido sustituida por san José. Además Rafael modifica un poco la escena... la Virgen está ayudando al su Hijo a abrazar al cordero mientras que san José les mira atento y reflexivo.

En fin, volviendo al día que estaba vigilando la sala de Rafael, después del episodio de la joven "buscadora y no encontradora", vi a unos padres con su hija de unos seis o siete años. La madre le preguntó a la niña...

-De todos estos cuadros, ¿cuál te gustaría llevarte a casa?

Y el padre le saltó sin pensárselo...

-Hipotéticamente hablando, ¿verdad?

A lo que la madre le contestó...

-Si, sí, claro. Si empezamos a comprarlos, ya sabes que no pararíamos.

Quiero pensar que estaban irónicamente hablando, porque cada cuadro de estos deben valer muchos millones de euros. Pero, ¿quién sabe? A lo mejor eran unos millonarios que no saben qué hacer con el dinero y si la niña dice que le gusta un cuadro, van a por él.

Al final, después de que la niña recorriera toda la sala con la mirada, señaló uno...

-Éste.

Y señaló ni más ni menos que la Sagrada Familia, llamada la Perla, que pintó Rafael Sanzio, bueno... Rafael, que estamos en el Museo y hay que llamarle así, y que pintó hacia el año 1518.

Ah, ¿sabes por qué se llama así este cuadro, querido Diario? Ya me imaginaba que no... yo tampoco lo sabía. Y me acuerdo que una semana antes, casualidades de la vida, volvíamos a casa en tren un compañero y amigo, Tomás, y yo, y empezamos a hablar de esa sala. A él le tocaba vigilarla todo el mes. Y empezamos a recordar los cuadros de la "Sagrada Familia" que tenía Rafael en el Museo, hasta que llegó el tema de esta Sagrada Familia, llamada la Perla...

-¿Sabes por qué se llama la Perla, Tomás?

-Pues será porque tiene una perla dibujada, como el cuadro de la Sagrada Familia con Rafael, Tobías y San Jerónimo, que se le conoce más por la Virgen del pez porque Tobías tiene un pez en la mano... vamos a investigarlo por internet.

Y sacó su móvil y se puso a buscar el cuadro de La Perla en la página web del Museo del Prado. Y empezamos a rebuscar por todos los lados la famosa perla y... nada. No la encontrábamos.

-Mira la explicación del cuadro, que a lo mejor ahí lo pone.

Efectivamente, querido Diario. Ahí estaba escrito el misterio. ¿Sabes? Se llama así, no porque haya una perla dibujada, sino porque cuando se lo regalaron al rey Felipe IV, éste al verla exclamó...

-He aquí la perla de mis cuadros.

Y de ahí el sobrenombre de "La Perla". Por cierto, desde entonces se le denomina así en varios inventarios.

En este cuadro vemos a la Virgen María, al Niño Jesús, a san Juan Bautista, aunque todo el mundo le dice "san Juanito", a santa Ana, la madre de la Virgen, y a san José.

Y vemos que el Niño Jesús está sentado en las rodillas de su Madre y apoya el pie izquierdo sobre una cuna de mimbre. San Juanito está de pie frente a Jesús y le ofrece unas frutas que tiene dentro de su pelliza. Santa Ana está arrodillada detrás de su nieto, con los ojos cerrados en actitud de meditación, arropada por el abrazo de su hija. Al fondo, al lado derecho, entre unos edificios en ruinas y un puente, tras el vano de una ventana está san José.

Y si te fijas bien, querido Diario, en primer plano, debajo del pie izquierdo de san Juanito, junto a una piedra más o menos grande, hay una concha marina... pero sin perla.

Y después de todo este rollo, me gustaría preguntarte sobre una duda razonable que siempre, siempre, siempre, me ha llamado la atención. Y es... si la Virgen María, san José y santa Ana están vestidos hasta la cabeza, ¿por qué pintan al Niño Jesús solo con unos pañales? Vale que en el Evangelio de san Lucas pone...

"Y sucedió que, mientras estaban allí, le llegó a ella el tiempo del parto y dio a luz a su hijo primogénito , lo envolvió en pañales y lo recostó en un pesebre, porque no había sitio para ellos en la posada". (Lc 2, 6-7)

Pero no me imagino a la Virgen María ser tan mala madre que SOLO le tapase con un pañal. Supongo que tendrá que tener un significado iconográfico. Me imagino que quiere decir que Jesús, el Dios Hijo, se hizo hombre... con toda la sencillez, humildad y pobreza del hombre. Por eso solo fue envuelto con unos simples pañales.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografías de los cuadros Sagrada Familia del Cordero - 1507 - y Sagrada Familia, llamada la Perla - hacia 1518 -, los dos de Rafael, que se pueden contemplar en la sala 49).

domingo, 1 de abril de 2018

Querido Diario, 1 de abril de 2018

Querido Diario:

Me acaban de preguntar, por decimonona vez, el por qué no se pueden hacer fotos, especificándome que es sin flash, en el Museo. La verdad es que me siento cansino, que no cansado, de repetir lo mismo... y me siento cansino no por mí, sino por ti y por los cotillas que te leen a hurtadillas.

Pero, bueno, he respondido a este cotilla y, con tu permiso, creo conveniente repetirlo otra vez... y tantas veces como sea necesario.

La respuesta al porqué no se pueden hacer fotos con flash, sin flash, de ninguna manera, en el Museo es muy sencilla... por normativa de la Dirección del Museo, firmada en una Resolución del 27 de mayo de 2015 por la que se aprueba la Instrucción por la que se establece la Normativa para la visita al Museo del Prado.

Entiendo que esta respuesta es muy seca, aunque tendría que valer... Es la normativa del Museo, se debe cumplir, y punto final. Pero te la quiero extender, querido Diario, porque tiene varias explicaciones.

1) ¿Quién te asegura que cuando se hace la foto no salte el flash? Y aunque está prohibido hacer fotografías, todos los días, repito, todos los días salta algún que otro flash de un visitante "despistado" que no sabe la normativa y/o no sabe que el flash daña. Sí, querido Diario, sí, querido cotilla, se ha estudiado que el flash daña, y mucho, a los cuadros. Pues así,  evitando el peligro se evita lamentarse después.

2) Y si yo quiero disfrutar del cuadro con tranquilidad y solo veo a gente empujándose para hacer la foto, pues podría quejarme... y con razón. ¿Cómo se ve la Mona Lisa en el Louvre? La respuesta es a 10 metros de distancia, con muchas cámaras obstaculizándome la visión. ¿Qué prefieres? ¿Te gustaría ver Las Meninas de esa manera?

3) ¿Por qué tendría que esperar a ver tranquilamente El caballero de la mano en el pecho si hay una fila de gente queriéndose hacerse un selfie con el cuadro, poniendo la postura de la mano?

4) Es más, ¿por qué perder el tiempo en hacer una foto en vez de disfrutar con el cuadro original? Mucha gente a la que informamos que no se pueden hacer fotografías, se marchan al momento sin contemplar la obra. Prefieren tener la foto en su cámara antes que el admirar el cuadro... pero si la foto ya la tienes en internet, en la página oficial del Museo, y encima te la puedes descargar en buena resolución.

Vaya, releyendo esto que te he escrito, querido Diario, parece que estoy enfadado con los visitantes, cosa que no es cierta, y menos hoy, que para los católicos es el Domingo de Resurrección. Por tanto, ¿qué cuadro crees que te voy a explicar? ¡¡¡Bien!!! Has acertado... una resurrección de Cristo. Pero una una resurrección cualquiera, sino La Resurrección de Cristo, que pintó El Greco entre los años 1597 y 1600.

Este cuadro fue pintado para el retablo mayor del Colegio Agustino de la Encarnación, en Madrid).

Como podrás comprobar, Jesús se eleva glorioso y sereno sobre un grupo de soldados que observan entre asombrados y temerosos la prodigiosa aparición. Aunque esta escena es el centro principal y espiritual de la Fe católica, ya que sin la resurrección de Cristo nada tendría sentido, en el Evangelio de san Mateo lo describe de una manera muy somera...

"Y de pronto tembló fuertemente la tierra, pues un ángel del Señor, bajando del cielo y acercándose, corrió la piedra y se sentó encima. Su aspecto era de relámpago y su vestido blanco como la nieve; los centinelas temblaron de miedo y quedaron como muertos". (Mt 28, 2-4)

En este cuadro, Cristo se percibe como una potente luz que alumbra, asombra y se asume como acontecimiento dichoso y que se recibe de forma entusiasta. Por eso en esta pintura se presenta un amplio elenco de gestos que evidencian las distintas reacciones del grupo ante lo ocurrido. ¿Y cómo lo solucionó El Greco? Pues encastró a los guardianes del sepulcro en un caótico apiñamiento, ya que el formato del cuadro no le daba para más, y añadió a cada personaje un "sentimiento" reflejado en su expresividad del rostro. Algunos se sienten deslumbrados, otros se asombran y algunos asumen ese acontecimiento como glorioso.

Vaya, ya me ha salido la vena catequética. Entre que he sido muchos años catequista de Confirmación y ahora soy guía turístico diocesano, especializado en arte religioso, en la Catedral Magistral de Alcalá de Henares... Pero, en fin, en este caso no era mi intención.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro La Resurrección de Cristo - 1597-1600 -, de El Greco, que se puede contemplar en la sala 9B).

PD: Como dijo la cantante Lola Flores... "Si me queréis, votadme". Bueno, no era "votadme" sino "marchaos", pero en este caso...
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Gracias por todo.

jueves, 8 de marzo de 2018

Querido Diario, 8 de marzo de 2018

Querido Diario:

Recuerdo que hace unos días estábamos mi compañero y amigo Álvaro y yo hablando de las mujeres pintoras que tienen cuadros en el Museo. Nos estuvimos rompiendo nuestras cabezas, recuerda, querido Diario, que somos hombres y nuestras neuronas llegan hasta donde llegan, y llegamos a la conclusión que el Museo tenía cuadros de cinco pintoras...

-"La" Sofonisba, su hermana, "la" Artemisa, Clara Peeters y... ¿cómo era? ¡Ah, sí!... una tal Bonheur o algo parecido.

Sí, querido Diario, fue así nuestro comentario. Nuestras pobres entendederas nos llevaban a deducir que teníamos cuadros de solo cinco pintoras. Menos mal que Álvaro se lo preguntó a otra compañera y también amiga, Ana, y nos sacó de dudas...

-Las mujeres artistas en las colecciones del Museo son treinta y dos...

Y así nos lo dijo, sin anestesia ni nada. No te puedes ni imaginar la cara de "panoli" que se me quedó. Y nosotros que pensábamos que eran cinco... Bueno, al fin y al cabo, nosotros las contamos "a ojo" y solo nos equivocamos... en veintisiete. Simplemente nos dejamos olvidadas el ochenta y cuatro por ciento de las mujeres pintoras del Museo. Nada más... y nada menos.

Y, ¿sabes, querido Diario? La pintora más conocida de todas es Sofonisba Anguissola. Pertenecía a una familia noble de Cremona, ese municipio italiano que está al norte del país, pero al sur de la región de Lombardía. Y fue educada en la pintura junto a sus cinco hermanas. Pero el Museo solo tiene cuadros de ella y de otra hermana, Lucia Anguissola. Por lo menos ésta tiene un nombre más fácil del pronuciar, jejeje.

De Sofonisba tenemos cuatro cuadros... bueno, tres y medio, porque uno está atribuido a ella, pero no se sabe 100% que sea de sus pinceles. Ese cuadro es Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II, que supuestamente pintó entre 1561 y 1565. Este cuadro lo puedes contemplar, querido Diario, en la sala 55 del Museo. Bueno, tú y todos los "cotillas" que nos leen a hurtadillas, claro.

Y de su hermana Lucía solo tenemos un cuadro, que se titula Pietro Manna, medico de Cremona, y que lo pintó en 1557.

Volviendo a Sofonisba, estudió con Bernardino Campi, y más tarde con Bernardino Gatti.

Y en 1558, cuando ya era conocida, se desplazó a Milán donde pintó al Duque de Alba. Este le recomendó al rey Felipe II y al año siguiente fue invitada a visitar la corte española. Llegó a Madrid en el invierno de 1559 y se convirtió en Dama de compañía de la nueva reina Isabel de Valois, tercera esposa del Rey. Aquí realizó numerosos retratos de la Familia Real, aunque oficialmente no ostentó ningún cargo relacionado con su profesión. Eso sí, durante ese tiempo estuvo trabajando estrechamente con Alonso Sánchez Coello y se aproximó mucho a su estilo de pintar.

En 1570, nuestra protagonista seguía soltera, y después de fallecer la reina Isabel de Valois, a dejar de ser Dama de compañía, el rey Felipe II le arregló un matrimonio, con Francisco de Moncada, hijo del Príncipe de Paterno y hermano del Virrey de Sicilia. Tras el enlace la pareja viajó hasta Italia, pero volvieron a España, donde estuvieron hasta 1573, ya que se marcharon a Palermo. Y Sofonisba ya no volvió más a nuestro país.

Ahora, querido Diario, te quiero hablar de dos cuadros de esta pintora de nombre complicado... son Felipe II, que lo pintó en 1565 y el Retrato de la reina Ana de Austria, que pintó en 1573.

Bueno, para ser más exacto, te tengo que matizar algunos detalles. Como te acabo de decir, el cuadro de Felipe II lo pintó en 1565, cuando el rey estaba casado con Isabel de Valois, pero ésta falleció al año siguiente. Y ocho años después, en 1573, lo retocó para hacerlo emparejar con el Retrato de la reina Ana de Austria, la que sería la nueva y última esposa del monarca.

Y en esa modificación, cambió mucho el cuadro. Inicialmente, el rey se cubría con un voluminoso bohemio, que es una capa corta, suntuosa y con vuelo, y tenía la mano derecha sobre el pecho, señalando el Toisón. Y al retocarlo "un poco", sustituyó el bohemio por una capa de seda negra, que parece más ligera. También hizo que dejara de señalar el Toisón, desplazando la mano derecha, situándola apoyada encima del brazo del sillón frailero.

Eso sí, Sofonisba no retocó para nada la cabeza del Rey. Supongo que fue porque el monarca se quedó satisfecho ya que estaba ahí más joven y tenía un semblante muy sereno.

¿Sabes, querido Diario? Según dicen los expertos, "el retrato de Anguissola cuadraba bien con la proyección que de su propia imagen construyó Felipe II, bastante apartada de la militar de su padre. El rey es un elegante y distante cortesano, el primer funcionario del reino, distinguido tan sólo por su apostura y por el imprescindible Toisón de Oro que luce sobre el jubón negro".

¡Ah! Fíjate bien en la mano izquierda... es curioso que el Rey tenga cogido un rosario con esa mano. Y es porque en ese mismo año del "retoque", en 1573, el papa  Gregorio XIII instituyó la festividad de la Virgen del Rosario, en conmemoración de la victoria cristiana contra los turcos en la batalla de Lepanto, que fue el 7 de octubre de 1571, a fin de propiciar el triunfo de la fe católica.

Y sobre el Retrato de la reina Ana de Austria, te tengo que decir, querido Diario, que éste fue el último trabajo en España de nuestra Sofonisba Anguissola. Y lo hizo pensando en que hiciera pareja con el retrato "retocado" del Rey, Felipe II.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Felipe II - 1565-1573 - y Retrato de la reina Ana de Austria - 1573 -, ambos de Sofonisba Anguissola, que se pueden contemplar en la sala 55).

miércoles, 7 de marzo de 2018

Querido Diario, 7 de marzo de 2018

Querido Diario:

Anteayer fue un día muy importante para mí... mi hijo vino al Museo con su instituto. Y lo mejor fue que vinieron a las salas que yo estaba vigilando.

Y no es por comparar, ni por amor de padre, pero qué grupo más atento al profesor y con qué silencio escuchaban. No como otros muchos grupos de jóvenes que vienen al Museo. Y, lógicamente, he engordado siete kilos más de lo que estoy, pero de orgullo.

Es cierto que como buen joven que es, no ha hecho caso a su padre durante la visita. Ni yo lo esperaba. Simplemente cuando he pasado a su lado, "vigilando" a ese grupo, él me ha guiñado un ojo y ha seguido atento al profesor. Nada más. Y ha hecho bien. A mí ya me tiene muy visto y visitar el Museo no se hace todos los días.

Eso sí, después de la visita les han dado tiempo libre para que visitaran el Museo por libre y él ha venido a verme. Sin salir de mis salas, porque estaba trabajando, le he indicado dónde estaba el cuadro que más le gustaba antes de venir al Museo, los cuadros que más me gustan a mí, más cuadros de pintores que ha descubierto,...

Y ya en casa me ha dicho que le ha encantado el Museo y que quiere volver conmigo, un día que yo libre, para recorrer más salas que no ha podido ver por falta de tiempo. También me ha dicho que, aparte de su cuadro preferido del Museo, ha descubierto que le gusta Tiziano y que va a ser a partir de ahora uno de sus pintores preferidos.

También me ha dicho que le gusta menos mis cuadros preferidos, los de Maíno, porque son más detallista y a él le gusta más los trazos sueltos. Lógico, para gustos están los colores... y además me ha dicho que le gusta Goya. En fin, sin comentario. Repitiendo, para gustos están los colores... y también está Goya.

¡Ah! Que todavía no te he dicho, querido Diario, qué salas me han tocado en este mes. Pues son de la 7 a la 11... que son de la pintura europea y española del siglo XVII, José de Ribera y la primera época Velázquez, entre otros.

Pero hoy no te voy a hablar de ningún cuadro de mis salas, sino de su preferido antes de ir al Museo. Todavía no tengo muy claro si ahora ha cambiado de opinión. Pero no pasa nada...a día de anteayer, su cuadro preferido es, o era, El caballero de la mano en el pecho, pintado por Doménikos Theotokópoulos, más conocido por El Greco, hacia el año 1580.

Ahora entiendo por qué le gustó a mi hijo la pintura de Tiziano, ya que El Greco salió de su Candía natal para ir a Venecia, donde conoció y estudió la obra de Tiziano. Debe ser que la pintura brillante y colorista del veneciano le produjo un fuerte impacto y desde el principio asumió y pintó con el nuevo lenguaje pictórico aprendido en la ciudad de los canales, convirtiéndose en un pintor veneciano.

Sobre el cuadro, representa a un caballero de unos treinta años, vestido a la moda española de finales de los años setenta del siglo XVI. Lleva jubón de seda negra y gorguera blanca en el cuello. Lleva una cadena de oro unido a una medalla que se mete por dentro de la vestimenta, y una espada con empuñadura dorada. La figura está sobre un fondo neutro, de color gris perla con algo de marrón rojizo de la capa de pintura de la preparación del lienzo.

¿Sabes, querido Diario? En algún momento se pensó que podría ser un autorretrato, porque se ha considerado que el gesto de los dedos de la mano representaba una autoafirmación del pintor, aunque no está muy claro ese tema de los dedos juntos.

También se ha pensado que podría ser Miguel de Cervantes... mi paisano, o que podría ser Antonio Pérez, el secretario del rey Felipe II.

Pero últimamente los entendidos se inclinan en pensar que es Juan de Silva y de Ribera, el III Marqués de Montemayor, que era contemporáneo de El Greco y que fue nombrado por Felipe II Alcaide o Jefe Militar del Alcázar de Toledo y Notario Mayor del Reino.

Pero, sinceramente, yo me quedo con que podría ser mi paisano, el complutense Miguel de Cervantes. ¿Que por qué lo digo? Pues muy sencillo, querido Diario. Si te fijas bien, el buen hombre retratado tiene el hombro izquierdo más bajo que el derecho, con una posición algo "deforme". Y hay que pensar que Cervantes fue herido en el brazo izquierdo de unos disparos de trabuco. Por eso le llamaban El manco de Lepanto, aunque no perdió la mano, sino que se le quedó inservible.

Además, Cervantes nació en Alcalá de Henares en 1547 y el cuadro se pintó hacia 1580... cuando Miguel tenía treinta y tres años. Y el hombre representado, como ya te he dicho antes, querido Diario, tendría unos treinta años. ¡¡¡Todo concuerda!!! Por eso yo creo, repito... YO creo que el retratado es Miguel de Cervantes.

Ahora solo falta saber si Juan de Silva y de Ribera, el III Marqués de Montemayor, fue también herido en el brazo izquierdo en alguna otra batalla.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro El caballero de la mano en el pecho - hacia 1580 -, de Doménikos Theotokópoulos, El Greco, que se puede contemplar en la sala 8B).