Querido Diario:
Soy consciente que hace más de tres meses que no te escribo, pero es que me han pasado muchas cosas en este tiempo y no he podido hacerlo. La verdad es que no he tenido fuerzas psicológicas para escribirte. Y es que la cosa más importante que me ha pasado ha sido que ya no soy vigilante de salas del Museo. Así, como lo oyes... bueno, como lo lees. Soy delineante y me salió una oportunidad que no debía ni podía rechazar, a pesar de mi amor por el Museo. Y la acepté.
Y ante este contratiempo, ¿qué debía hacer... seguir escribiéndote como si no hubiese pasado nada, decir la verdad y continuar basándome en mis anotaciones, cortar por lo sano...?
Algunos de mis compañeros me animaban para que continuara escribiéndote, querido Diario, pero tengo que ser franco y he decidido, con todo el dolor de mi corazón, dejar de escribirte. Esta es la última página de este nuestro Diario.
Han sido ciento doce páginas, ciento doce historias, ciento doce cuadros explicados... espero que hayas disfrutado conmigo... bueno, tú y todos los cotillas que te leen a hurtadillas, al igual que yo he disfrutado escribiéndote.
Pero no por ello voy a dejar de comentarte un cuadro, aunque este no esté expuesto en el Museo. Primeramente he de decirte, querido Diario, que ahora estoy trabajando como delineante en el Ayuntamiento de mi ciudad, Alcalá de Henares... y este cuadro está aquí, en la Casa Consistorial de Alcalá. Por eso lo he elegido.
El cuadro se titula ¡A la guerra!, y lo pintó Alberto Pla Rubio en el año 1895. Poco te puedo decir sobre este cuadro, pues a día de hoy no he encontrado información sobre él. Decirte que es un cuadro grande, de 350 centímetros de ancho por 210 de alto... es decir, para que nos entendamos todos, tres metros y medio por dos metros. Y, la verdad, es un cuadro que impresiona.
Alberto Pla Rubio se dedicó a pintar temas de asunto social y participó en muchas exposiciones. Con este cuadro ganó la Primera medalla en la Exposición Nacional de 1895.
¿Que qué se ve? Pues a un grupo de soldados despidiéndose de sus familias para marcharse en tren hacia la guerra. Se puede apreciar el dramatismo de una mujer con un niño en brazos, que parece que la va a dar algo ante el consuelo de su familiar militar.
Pero lo que más me llama la atención son los dos militares de la izquierda. Por un lado, dentro del tren, hay un Teniente Coronel... Dos estrellas de ocho puntas es de Teniente Coronel, ¿verdad? Sí... a lo que iba... por un lado está el Teniente Coronel diciendo al "corneta" que toque para que ya se suban al tren, a la vez que el soldado parece que está diciendo...
-¿Ya?
Y, exacto, querido Diario... ya. Este el final de esta última página. Como los soldados dicen adiós a sus familiares, yo también lo tengo que hacer. No antes te quiero decir, a ti y a todos los cotillas que te leen a hurtadillas, que aunque es el fin de este diario, no será el fin de mis escritos. Me tendrán que aguantar más tiempo, pero en otro cuaderno, mejor dicho, en otro blog...
Hay que reconocer que el Museo engancha y yo no puedo dejar de pensar en él. Por eso he decidido cerrarte, lo siento, querido Diario, y abrir otro blog. Se titulará, más o menos, "La historia según El Prado", y versará sobre los cuadros de historia del Museo y su relación con los hechos reales. ¿Verdaderamente el hecho histórico fue tal como lo plasmaron los pintores? ¿Por qué decidieron pintar esas historias y no otras? ¿Estaba el propio Velázquez en la rendición de Breda, tal y como se pintó él?
Por tanto, dejadme rematar los últimos flecos y dentro de un par de días, para ser más exactos el 19 de febrero, si Dios quiere, nacerá ese nuevo blog.
En fin, querido Diario. Hasta aquí llega tu andadura... déjame que de las gracias al Museo por dejarme utilizar sus fotografías para ilustrarte.
También quiero dar las gracias a mis antiguos compañeros vigilantes de sala, por las vivencias que me contaron y que algunas he plasmando en este nuestro Diario. Y gracias por esas vivencias juntos. Han sido unos años maravillosos junto a ellos.
Como no, quiero dar las gracias a los visitantes que tantas anécdotas me han dado para luego poder contártelas. Sin ellos este Diario no habría sido igual.
Gracias a todos los cotillas que te leen a hurtadillas. Por ti y por ellos hago esto... me gusta compartir lo poco que sé.
Y gracias a mi familia por el tiempo que les robo para poder escribir. Ellos son los "sufridores silenciosos" de este Diario.
Hasta siempre... hasta el próximo blog.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro ¡A la guerra! - 1895 -, de Alberto Pla Rubio, que se puede contemplar en el Ayuntamiento de Alcalá de Henares. Fotografía sacada de la página web del Museo Nacional del Prado).
Otra manera de conocer el Museo del Prado desde dentro...
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domingo, 17 de febrero de 2019
domingo, 28 de octubre de 2018
Querido Diario, 28 de octubre de 2018
Querido Diario:
Como te dije el 26 de octubre, di una charla en la actividad del Museo llamada "El Prado habla". Y te prometí transcribirla para ti y para todos los cotillas que te leen a hurtadillas.
Me quedé diciéndote que los autores de estas pinturas son, por lo menos, dos personas, el "diseñador" y el ejecutor, y que las dos son anónimas.
Continuo...
"Las pinturas de esta capilla estaban en el ábside de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo. Pero, ¿qué es un ábside?
Es el lugar donde el sacerdote celebraba la Eucaristía. Actualmente es algo distinto y se le llama Presbiterio, y suele estar separado del pueblo por unas escaleras. Es parecido al Santa Santorum judío, que estaba apartada de la gente por unas cortinas. En el Románico, el ábside solía estar en una capilla separada de la nave donde se colocaba los feligreses.
El ábside de esta capilla estaba repleta de pinturas. Pero, ¿por qué estas pinturas y no otras? ¿Qué representan?
Primero hay que recordar que el ábside era el lugar donde Dios se convierte en Pan y en Vino. Y ahora pregunto, ¿dónde está Dios? Respuesta fácil... en el Cielo. Pues ya que en el ábside Dios está presente en el pan y en el vino, el ábside es como el Cielo. Pues sí, es como el Cielo en la tierra.
Por tanto el autor que diseñó las pinturas quiso representar el Cielo... quiso representar la Ciudad de Dios, tal y como la describe el Apocalipsis y tal y como lo explicó san Agustín, en el siglo V. Si cogiera ahora la Biblia y leyera el capítulo 20 del Apocalipsis, daría más de la mitad de esta charla, pues lo detalla muy bien, tal y como está pintada aquí.
La capilla tiene tres zonas... la bóveda, los riñones de la bóveda y los muros laterales.
Nada más entrar en el la capilla, ¿qué hay dibujado en la puerta de acceso? Pues como es la primera pintura, se representa el principio de todo... el origen del Paraíso, del Cielo.
Si miramos hacia la entrada veremos dos escenas sobre el Paraíso. En el lado izquierdo la creación de Adán. Él está desnudo, y Dios le sujeta la mano con la suya izquierda a la vez que con la mano derecha le bendice.
Y en el lado derecho vemos a Adán y Eva comiendo del fruto prohibido que le ha ofrecido la serpiente.
Curiosamente vemos en estas dos escenas cuatro árboles. ¿Por qué se han pintado cuatro y no... ocho, por ejemplo? Pues porque, siguiendo una tradición oral de la época, recogida más tarde en unos escritos por el dominico Santiago de Vorágine, dice que la cruz de Cristo estaba hecha con la madera de cuatro árboles de diferentes especies... palmera, cedro, ciprés y olivo.
Y qué bonito detalle pintar esos cuatro árboles en el Paraíso, ya que nos quiere decir que "por el árbol del Paraíso pecamos, por el árbol de la cruz nos salvamos".
Eso sí, no es fácil identificar cada árbol en las pinturas, excepto el del centro, que debe ser la palmera... por el tronco.
Y además, vemos unas letras entre los personajes... ATM y ATEV. ¿Qué significan estas letras? En un principio pensé que podrían ser las abreviaturas de sus nombre, pero no lo veía muy claro. Hasta que empecé a pensar y me dí cuente que en el Medievo la gente era analfabeta. No conocían la escritura y solo la conocían los unas pocas personas cultas. Estas letras, por tanto, estaban destinadas a esos entendidos. Y no eran, como he dicho antes, las abreviaturas de sus nombres sino que eran acrósticos, la primera letra de cada palabra de una frase en latín, que era el lenguaje culto de la época.
ATM es el acróstico de "Adam Traxit Morte", que quiere decir "Adán arrastró [a la humanidad] a la muerte".
Y ATEV quiere decir "Adam Tradidit Evae Vitam", traducido al castellano dice "Adán trasmitió la vida a Eva".
Por tanto, con estos acrósticos, ya no tenemos dos escenas del Paraíso, sino cuatro... La creación de Adán, Adán trasmitiendo la vida a Eva, el pecado de Adán y Eva, y Adán arrastrando a la humanidad a la muerte.
Y debajo del Paraíso y del pecado de Adán y Eva, ¿qué vemos? Hay unos lebreles rampantes. Bueno, debería haber unos lebreles, pero solo queda el hocico de uno, el de la izquierda. Pero si nos fijamos bien, ese hocico es igual al de los perros del cuadro "Cacería de liebres" de la ermita de San Baudelio de Casillas de Berlanga, que tenemos en esta misma sala.
Bueno, los lebreles son una copia del cancerbero de la mitología clásica. Los lebreles son perros cazadores y, fijándonos en el cuadro de la ermita de San Baudelio, cazan liebres. Pues volviendo a nuestras pinturas, hay que saber que, según los libros Levítico y Deuteronomio, los dos de la Biblia, dicen que la liebre, junto a otros animales, son impuros. Y como tal, no podrían entrar en el Reino de los Cielos. Eso nos da a entender que estos lebreles pintados aluden a que no dejan pasar a los impuros a este "Cielo en la tierra". El sacerdote, se supone que puro, es el único que puede pasar. Pero hay que decir que el hombre santo no entra por esta puerta custodiada por unos perros, sino por otra más pequeña que luego hablaremos de ella.
Ahora vamos a posicionarnos donde estarían los feligreses, fuera del ábside. ¿Qué es lo que ven al frente? Ven dos escenas del Evangelio. Pero, ¿por qué el autor eligió estas dos escenas de las muchas que podría haber escogido? Fijaos qué bonito...
Enfrente del pecado de Adán y Eva, Dios nos dice, por medio del autor, que para entrar en el Cielo, hay que ver, y a la vez hacer, lo que representan estas dos escenas...
Por un lado, vemos a la mujer pecadora arrepentida que lava los pies de Jesús con sus lágrimas y por otro lado vemos la escena de la Epifanía, la adoración de los Magos, pero en este caso con solo un mago.
Vamos a fijarnos en el lado izquierdo, el de la mujer arrepentida. Vemos que Jesús le está bendiciendo y a un ángel que está señalando a los dos... qué bonito... el ángel nos está diciendo que hay que arrepentirse para que Jesús te perdone y te bendiga.
Y si nos fijamos en la escena de la Epifanía, que está a la derecha, vemos que hay un solo mago. Y eso que en el siglo III el teólogo Orígenes ya hablo de tres magos. Es más, existe un mosaico en la iglesia de San Apollinaire Nuevo, en Rávena, Italia, del siglo VI, en el que se ven los tres magos y están escritos sus nombre. Pero en nuestra capilla solo hay un mago. Nos está indicando que no hay que donar cosas... sino que hay que donarse uno mismo.
Por tanto, estas dos escenas nos dicen que hay que dejar el pecado atrás e ir al Cielo con arrepentimiento y entrega.
Y todavía hay más... en el centro, entre estas dos escenas, ¿qué vemos? Una ventana. Verdaderamente el hueco de esta ventana mide 7 x 60 centímetros. Y hay que decir que antiguamente todas las iglesias estaban orientadas hacia el Este, como mirando la salida del sol... mirando a Dios que nos ilumina.
Imaginaos esta escena más bonita... el sacerdote está diciendo la misa de espaldas... bueno, eso está mal dicho. El sacerdote es el representante del pueblo y por eso está delante del pueblo. Es como el conductor de un autobús. ¿Está dando la espalda a los pasajeros? No. Está delante de ellos. Pues aquí es lo mismo, el sacerdote está delante del pueblo.
Además hay que decir que antiguamente la misa se solía decir a las primeras horas del día, ya que existía, y existe, lo que se llama "ayuno eucarístico". Actualmente es que, para comulgar, para recibir a Dios, hay que estar en ayuna por lo menos una hora antes. Pero antiguamente había que estar en ayunas desde el día anterior. Por eso se decía la misa tan pronto... para luego desayunar e ir a trabajar al campo.
Pues volviendo a la escena de la capilla... el sacerdote está diciendo la misa delante del pueblo y en el momento de la elevación, después de la consagración, la luz entra por la ventana y solo se ve a la Hostia Consagrada que es iluminada por el sol que nace... ¡¡¡Qué escena más bonita!!!
Y todavía no se ha terminado... ¿qué vemos encima de la ventana? Está Dios Espíritu Santo en forma de paloma. ¿Y qué le rodea? Una especie de elipse puntiaguda de dos colores, azul y rojo... es una llama de fuego. Y junto a la ventana, que es alargada, representa la luz que nos ilumina.. Qué significado más teológico... Es el Espíritu Santo, representado en forma de paloma sobre una llama, el que nos ilumina, como a los apóstoles en Pentecostés, y a la vez transforma el pan y el vino en Cuerpo y en Sangre de Jesucristo, como en la Última Cena".
Y por hoy, ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografías de parte del ábside de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo -Segovia-, pintado hacia 1125. Fotografías sacadas de la página web del Museo Nacional del Prado).
Como te dije el 26 de octubre, di una charla en la actividad del Museo llamada "El Prado habla". Y te prometí transcribirla para ti y para todos los cotillas que te leen a hurtadillas.
Me quedé diciéndote que los autores de estas pinturas son, por lo menos, dos personas, el "diseñador" y el ejecutor, y que las dos son anónimas.
Continuo...
"Las pinturas de esta capilla estaban en el ábside de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo. Pero, ¿qué es un ábside?
Es el lugar donde el sacerdote celebraba la Eucaristía. Actualmente es algo distinto y se le llama Presbiterio, y suele estar separado del pueblo por unas escaleras. Es parecido al Santa Santorum judío, que estaba apartada de la gente por unas cortinas. En el Románico, el ábside solía estar en una capilla separada de la nave donde se colocaba los feligreses.
El ábside de esta capilla estaba repleta de pinturas. Pero, ¿por qué estas pinturas y no otras? ¿Qué representan?
Primero hay que recordar que el ábside era el lugar donde Dios se convierte en Pan y en Vino. Y ahora pregunto, ¿dónde está Dios? Respuesta fácil... en el Cielo. Pues ya que en el ábside Dios está presente en el pan y en el vino, el ábside es como el Cielo. Pues sí, es como el Cielo en la tierra.
Por tanto el autor que diseñó las pinturas quiso representar el Cielo... quiso representar la Ciudad de Dios, tal y como la describe el Apocalipsis y tal y como lo explicó san Agustín, en el siglo V. Si cogiera ahora la Biblia y leyera el capítulo 20 del Apocalipsis, daría más de la mitad de esta charla, pues lo detalla muy bien, tal y como está pintada aquí.
La capilla tiene tres zonas... la bóveda, los riñones de la bóveda y los muros laterales.
Nada más entrar en el la capilla, ¿qué hay dibujado en la puerta de acceso? Pues como es la primera pintura, se representa el principio de todo... el origen del Paraíso, del Cielo.
Si miramos hacia la entrada veremos dos escenas sobre el Paraíso. En el lado izquierdo la creación de Adán. Él está desnudo, y Dios le sujeta la mano con la suya izquierda a la vez que con la mano derecha le bendice.
Y en el lado derecho vemos a Adán y Eva comiendo del fruto prohibido que le ha ofrecido la serpiente.
Curiosamente vemos en estas dos escenas cuatro árboles. ¿Por qué se han pintado cuatro y no... ocho, por ejemplo? Pues porque, siguiendo una tradición oral de la época, recogida más tarde en unos escritos por el dominico Santiago de Vorágine, dice que la cruz de Cristo estaba hecha con la madera de cuatro árboles de diferentes especies... palmera, cedro, ciprés y olivo.
Y qué bonito detalle pintar esos cuatro árboles en el Paraíso, ya que nos quiere decir que "por el árbol del Paraíso pecamos, por el árbol de la cruz nos salvamos".
Eso sí, no es fácil identificar cada árbol en las pinturas, excepto el del centro, que debe ser la palmera... por el tronco.
Y además, vemos unas letras entre los personajes... ATM y ATEV. ¿Qué significan estas letras? En un principio pensé que podrían ser las abreviaturas de sus nombre, pero no lo veía muy claro. Hasta que empecé a pensar y me dí cuente que en el Medievo la gente era analfabeta. No conocían la escritura y solo la conocían los unas pocas personas cultas. Estas letras, por tanto, estaban destinadas a esos entendidos. Y no eran, como he dicho antes, las abreviaturas de sus nombres sino que eran acrósticos, la primera letra de cada palabra de una frase en latín, que era el lenguaje culto de la época.
ATM es el acróstico de "Adam Traxit Morte", que quiere decir "Adán arrastró [a la humanidad] a la muerte".
Y ATEV quiere decir "Adam Tradidit Evae Vitam", traducido al castellano dice "Adán trasmitió la vida a Eva".
Por tanto, con estos acrósticos, ya no tenemos dos escenas del Paraíso, sino cuatro... La creación de Adán, Adán trasmitiendo la vida a Eva, el pecado de Adán y Eva, y Adán arrastrando a la humanidad a la muerte.
Y debajo del Paraíso y del pecado de Adán y Eva, ¿qué vemos? Hay unos lebreles rampantes. Bueno, debería haber unos lebreles, pero solo queda el hocico de uno, el de la izquierda. Pero si nos fijamos bien, ese hocico es igual al de los perros del cuadro "Cacería de liebres" de la ermita de San Baudelio de Casillas de Berlanga, que tenemos en esta misma sala.
Bueno, los lebreles son una copia del cancerbero de la mitología clásica. Los lebreles son perros cazadores y, fijándonos en el cuadro de la ermita de San Baudelio, cazan liebres. Pues volviendo a nuestras pinturas, hay que saber que, según los libros Levítico y Deuteronomio, los dos de la Biblia, dicen que la liebre, junto a otros animales, son impuros. Y como tal, no podrían entrar en el Reino de los Cielos. Eso nos da a entender que estos lebreles pintados aluden a que no dejan pasar a los impuros a este "Cielo en la tierra". El sacerdote, se supone que puro, es el único que puede pasar. Pero hay que decir que el hombre santo no entra por esta puerta custodiada por unos perros, sino por otra más pequeña que luego hablaremos de ella.
Ahora vamos a posicionarnos donde estarían los feligreses, fuera del ábside. ¿Qué es lo que ven al frente? Ven dos escenas del Evangelio. Pero, ¿por qué el autor eligió estas dos escenas de las muchas que podría haber escogido? Fijaos qué bonito...
Enfrente del pecado de Adán y Eva, Dios nos dice, por medio del autor, que para entrar en el Cielo, hay que ver, y a la vez hacer, lo que representan estas dos escenas...
Por un lado, vemos a la mujer pecadora arrepentida que lava los pies de Jesús con sus lágrimas y por otro lado vemos la escena de la Epifanía, la adoración de los Magos, pero en este caso con solo un mago.
Vamos a fijarnos en el lado izquierdo, el de la mujer arrepentida. Vemos que Jesús le está bendiciendo y a un ángel que está señalando a los dos... qué bonito... el ángel nos está diciendo que hay que arrepentirse para que Jesús te perdone y te bendiga.
Y si nos fijamos en la escena de la Epifanía, que está a la derecha, vemos que hay un solo mago. Y eso que en el siglo III el teólogo Orígenes ya hablo de tres magos. Es más, existe un mosaico en la iglesia de San Apollinaire Nuevo, en Rávena, Italia, del siglo VI, en el que se ven los tres magos y están escritos sus nombre. Pero en nuestra capilla solo hay un mago. Nos está indicando que no hay que donar cosas... sino que hay que donarse uno mismo.
Por tanto, estas dos escenas nos dicen que hay que dejar el pecado atrás e ir al Cielo con arrepentimiento y entrega.
Y todavía hay más... en el centro, entre estas dos escenas, ¿qué vemos? Una ventana. Verdaderamente el hueco de esta ventana mide 7 x 60 centímetros. Y hay que decir que antiguamente todas las iglesias estaban orientadas hacia el Este, como mirando la salida del sol... mirando a Dios que nos ilumina.
Imaginaos esta escena más bonita... el sacerdote está diciendo la misa de espaldas... bueno, eso está mal dicho. El sacerdote es el representante del pueblo y por eso está delante del pueblo. Es como el conductor de un autobús. ¿Está dando la espalda a los pasajeros? No. Está delante de ellos. Pues aquí es lo mismo, el sacerdote está delante del pueblo.
Además hay que decir que antiguamente la misa se solía decir a las primeras horas del día, ya que existía, y existe, lo que se llama "ayuno eucarístico". Actualmente es que, para comulgar, para recibir a Dios, hay que estar en ayuna por lo menos una hora antes. Pero antiguamente había que estar en ayunas desde el día anterior. Por eso se decía la misa tan pronto... para luego desayunar e ir a trabajar al campo.
Pues volviendo a la escena de la capilla... el sacerdote está diciendo la misa delante del pueblo y en el momento de la elevación, después de la consagración, la luz entra por la ventana y solo se ve a la Hostia Consagrada que es iluminada por el sol que nace... ¡¡¡Qué escena más bonita!!!
Y todavía no se ha terminado... ¿qué vemos encima de la ventana? Está Dios Espíritu Santo en forma de paloma. ¿Y qué le rodea? Una especie de elipse puntiaguda de dos colores, azul y rojo... es una llama de fuego. Y junto a la ventana, que es alargada, representa la luz que nos ilumina.. Qué significado más teológico... Es el Espíritu Santo, representado en forma de paloma sobre una llama, el que nos ilumina, como a los apóstoles en Pentecostés, y a la vez transforma el pan y el vino en Cuerpo y en Sangre de Jesucristo, como en la Última Cena".
Y por hoy, ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografías de parte del ábside de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo -Segovia-, pintado hacia 1125. Fotografías sacadas de la página web del Museo Nacional del Prado).
viernes, 26 de octubre de 2018
Querido Diario, 26 de octubre de 2018
Querido Diario:Hoy ha sido un día muy importante para mí. Te cuento...
No sé si lo sabes, pero el Museo tiene una actividad llamada "El Prado habla", en la cual cualquier trabajador del museo puede dar una charla. Y como yo me suelo meter en todos los charcos, hoy la he dado yo. He hablado sobre la capilla de la Ermita de la Vera Cruz de Maderuelo, de la que te hable el 16 de noviembre de 2017.
¿Sabes? Soy pregunta de examen para la próxima convocatoria de oposición a vigilante de salas del Museo del Prado. En el apartado de "Historia del Museo y sus colecciones", la pregunta podría ser...
"¿Qué vigilante de salas fue el primero que dio una charla en la actividad "El Prado habla"?
a) Miguel Falomir Faus
b) Pablo Ruiz Picasso
c) Juan Mª Martínez Casado
d) Miguel Zugaza Miranda"
Y la respuesta correcta sería la c).
Ya ha dicho a los del departamento de Educación, que son los responsables de esta actividad, que cuando se monte la exposición sobre el bicentenario del Museo tendrán que poner una fotografía mía como el primer vigilante de salas de "El Prado habla". Una cosa es la solicitud y otra es que me hagan caso, que va a ser que no, jejeje.
En fin, mientras hoy estaba vigilando las salas del mes, pensado, he decidido, si me das permiso, querido Diario, contarte a ti y a todos los cotillas que te leen a hurtadillas la charla. Pero como es larga, lo voy a hacer en "fascículos". Bueno, la charla ha sido solo de veinte minutos, pero he de reconocer que me había preparado una ponencia de casi una hora. Por eso lo voy a hacer por partes.
Ya sabía yo, querido Diario, que me ibas a dar el visto bueno. Pues empiezo con la primera entrega...
"Buenos días. Me llamo Juan Mª Martínez Casado y soy vigilante de salas del Museo. Y hoy voy a hablaros de la capilla de la Ermita de la Vera Cruz de Maderuelo, de la provincia de Segovia.
Además he de decir que tengo un blog en internet que se llama "Diario de un vigilante de salas del Museo del Prado". Lo digo por si a alguna persona le puede interesar.
Y dicho esto, he de decir que el Museo no se pueden hacer fotografías... sin flash, con flash, selfies, panorámicas, a mi hijo,... Estamos en España y tenemos que ser políticamente correctos y "no foto es no foto".
Además, no se pueden tocar las obras de arte... ni cuadros, marcos, esculturas, mesas de piedras duras, maquetas, leones de oro,... Curiosamente parte de la obra de la que vamos a hablar hoy parece que tiene un "imán cárnico" y todo visitante que se precie siente una atracción irrefrenable y pega su mano en esa parte de la obra. Por suerte esa parte no tiene pintura, pero, no sé si es por ese motivo o por otro, pero tocan esa parte de la capilla.
Y también existen por el Museo unas cuerdas llamadas "catenarias" que nos informan que no se puede traspasar el límite que marcan. No se puede pasar las manos, los planos, las patillas de las gafas, los abanicos, los bolígrafos....
-Si no he tocado.
-No he dicho que haya tocado. Es que no se puede rebasar el límite que marca la catenaria.
¿Que por qué digo todo esto? Pues porque como vigilante de sala me gustaría que todos los guías turísticos lo dijeran. Es más, me gustaría que todos los guías turísticos lo cumplieran. Para nuestro trabajo sería de gran ayuda.
¿Que por qué elegí esta obra?
He de decirles que aparte de ser vigilante de salas del Museo, soy guía turístico en mi ciudad, Alcalá de Henares, y me he especializado en turismo religioso. Soy guía de la Catedral Magistral de Alcalá, de su Torre y del Museo Monasterio de San Bernardo. También tengo que decirles que no somos unos guías "al uso". Nos hemos especializado en explicar el porqué de las cosas desde el punto de vista de la iconografía y explicando algo de teología. Y eso es lo que voy a intentar hablar hoy.
He elegido esta capilla porque la primera vez que me mandaron vigilar esta sala, que es la 51C, estaban cerradas las otras dos salas que me tendrían que haber tocado vigilar, la 51A y 51B, ya que las estaban preparando para una exposición temporal. Y como esta sala tiene una entrada secundaria, al final de una escalera y principio de una rampa, no pasaba "ni Dios". Bueno, Dios sí, porque está en todas partes. Estábamos solos Dios y yo, y pensé...
-¿Qué voy a hacer yo solo aquí cinco horas?
Entonces pensé en mis visitas turísticas religiosas del Monasterio de San Bernardo...
-Y si el Museo me diese la oportunidad de hacer una visita turística de esta capilla, ¿qué les diría?
Y me pasé toda la tarde pensando cómo sería esa visita turística.
Y mira por donde, hoy el Museo me concede este privilegio.
Después de todo lo dicho, empecemos a hablar de la ermita... ¿Dónde está la ermita realmente? Pues está en el margen derecho del río Riaza, en el término municipal de Maderuelo, en la provincia de Segovia.
Fue construida en el primer tercio del siglo XII y es de estilo románico.
Estaba concebida para el rito hispano-mozárabe. Hay que decir que la liturgia mozárabe era muy rica en escenificaciones artísticas. Se creaba una atmósfera muy emocionante de color y sonido. Se utilizaba mucho el incienso, la música,... cada gesto del sacerdote tenía un porqué teológico. Luego se impuso el rito latino, que era más frío, menos vistoso. Pero, como he dicho, la capilla de Maderuelo se construyó pensando en el rito hispano-mozárabe.
Esta ermita ha tenido, lógicamente, mucha historia y muchas historias, pero me voy a fijar en la reciente...
En 1896, el párroco de Maderuelo tenía problemas económicos para arreglar la iglesia parroquial del pueblo y, con el permiso del Obispo de Segovia, vendió la ermita de la Vera Cruz por treinta duros, de la época.
En 1922, León Leví compró parte de las pinturas de la capilla y empezó a arrancarlas. Para ser más exactos, compró el Pantocrátor. Por suerte, la Adminstración del Estado paralizó ese trabajo.
Dos años después, en 1924 la capilla absidial de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo fue declarada Monumento Arquitectónico Artístico, por lo cual, no se podía arrancar las pinturas.
En 1947, por la creación de un pantano al lado de la ermita, el Estado arrancó las pinturas para su conservación.
Y tres años después, en 1950, ingresaron en el Museo Nacional del Prado, y colocaron las pinturas tal y como estaban en el ábside de la ermita. Es decir, montaron una capilla lo más fielmente posible a su disposición original.
¿Cómo se "arranca" una pintura mural?
Hay tres métodos... Strappo, Stacco y Massello. Y la que se utilizó en este caso es el Strappo. Consiste en limpiar el muro; luego se echa encima un fijador, que actualmente algunos restauradores utilizan “resina epoxi; más tarde se cubre la pintura con unas telas empapadas en cola orgánica caliente; cuando estás secas se separan del muro, consiguiendo que la pintura se quede “pegada” en la tela; una vez extraída la pintura, se limpia de impurezas la parte de la pintura y luego se traslada al lienzo, y con agua caliente se quita las telas y el fijador sobrante.
¿Quién es el autor de las pinturas?
Primeramente hay que decir que en el románico no se puede hablar de un autor, sino, por lo menos, de dos. En el II Concilio de Nicea, en el año 787 después de Cristo, se dijo, y lo leo textualmente...
"No son los pintores sino los Santos Padres quienes tienen que inventar y ordenar. A ellos, los Santos Padres, pertenece la composición, al pintor sólo la ejecución".
Por tanto hay que hablar de un teólogo que pensó y diseñó la composición, y de un pintor que la ejecutó.
Sobre la pintura, es de un autor anónimo, pero se ven semejanzas con las pinturas de la ermita de San Baudelio de Casillas de Berlanga, de la provincia de Soria y de las iglesias de Iglesias de San Climent y Santa María de Tahull, las dos en la provincia de Lérida. ¿Podrían ser del mismo autor? No se sabe. Podrían ser del mismo pintor o de una escuela similar"...
Y por hoy, ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografías de parte del ábside de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo -Segovia-, pintado hacia 1125. Fotografías sacadas de la página web del Museo Nacional del Prado).
miércoles, 17 de octubre de 2018
Querido Diario, 17 de octubre de 2018
Querido Diario:
¿Sabes? La función primordial de los vigilantes de salas es la de velar por la seguridad de las obras de arte expuestas en la sala o salas a nuestro cargo, así como de los visitantes del Museo, garantizando el correcto desarrollo de la visita. ¿Que cómo lo hacemos, si nos tocan vigilar varias salas? Pues con paciencia... y andando. Para arriba, para abajo, para arriba, para abajo,... así todo el tiempo.
Tenemos unas sillas en las que nos podemos sentar si estamos cansados, pero yo soy masoquista y casi nunca me siento. Es más, el Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público, en su punto 8, dice...
"Permanecer en actitud dinámica, en la sala o salas asignadas, y en el caso de que un visitante se dirija a nosotros cuando excepcionalmente estemos sentados, levantarse".
Es decir, que me da la impresión que con eso de "excepcionalmente" nos están queriendo decir que nos podemos sentar, cómo no, pero que sea poco tiempo. En el fondo tienen razón, pues nosotros somos parte de la imagen del Museo, y si nos ven sentados, puede que la imagen que demos no sea la más apropiada.
Lo que sí es cierto es que si nos vieran desde arriba, desde el cielo, verían a un grupo de vigilantes uniformados salas para arriba y para abajo. Eso sí, cada uno a su ritmo. A mí me gusta ponerme con las manos a la espalda e ir andando despacio. Como decía el mago argentino René Lavand en su juego de magia con cartas...
-No se puede hacer más lento.
Exacto, yo no puedo ir más lento... excepto cuando veo un plano en la mano de un visitante con ganas de querer tocar un cuadro, que... yo no puedo ir más rápido.
¿Y por qué te cuento todo esto, querido Diario? Pues porque hoy, estando vigilando mis salas, cuando había muy poca gente en ellas, caso raro, he oído una voz de mujer a mis espaldas que decía...
-Atención, posible radar móvil. Límite de velocidad, 50.
Así, de repente, me he quedado parado, helado, pensando...
-Seguro que no me multan. Voy algo más despacio.
Jejeje, era el Gps del móvil de un señor de unos sesenta años, que no sé por qué motivo le ha saltado el aviso en ese momento, en medio de la sala 75. Seguro que esto quiere decir, y no es un chivatazo a los conductores de Madrid, que han debido poner un radar móvil en el Paseo del Prado y lo ha detectado. Digo yo, porque si no, no tiene explicación.
Eso sí, la cara de cachondeo que se le ha puesto a su hija no tenía precio. Entre risas le ha quitado el móvil a su padre, que el pobre hombre no atinaba a apagarlo, y lo ha puesto en silencio.
Nos hemos mirado la hija y yo... y me ha contagiado la risa. Cosas del directo, jejeje.
Cambiando de tema, y a la vez queriendo hilarlo con el tema de andar sin parar, ¿a que no sabes, querido Diario, quiénes no se paraban nunca, aunque se encontraran con una puerta? Bien, has acertado... los reyes.
Los monarcas tenían, porque no sé si actualmente lo tienen, una persona que tenía como título el "aposentador". Este personaje tenía a su cargo la separación de los cuartos de las personas reales y también tenía que decidir la vivienda que se destinaba a los miembros del séquito real en sus viajes. Y a este cargo de aposentador se le solía unir el de "conseje" que, entre otras cosas, tenía las todas las llaves de las habitaciones donde vivían los reyes y era el encargado de abrir las puertas para que ellos no tuvieran que esperar... que no tuvieran que pararse... como los vigilantes de salas, jejeje.
Y, cómo no, te voy a hablar de un cuadro de un aposentador. Se titula Luis Veldrof, aposentador mayor y conserje del Real Palacio, y lo pintó Vicente López Portaña hacia el año 1823.
Luis Veldrof nació en 1758, por lo tanto, cuando Vicente López pintó su retrato, tendría unos sesenta y cinco años, más o menos.
Desde muy joven entró al servicio de la Casa Real. Fue Ayuda del Portamuebles de la Real Guardarropía de los Infantes, luego Mozo de oficio de la Guardarropía del Príncipe de Asturias, Conserje del Real Palacio, Aposentador del Real Palacio y Jefe de Tapicería, Guardamuebles y Alumbrado. Se le concedió los honores de Intendente del Ejército, y, ¿sabes, querido Diario? Se jubiló en 1840, con ochenta y dos años. Eso es amor al trabajo y lo demás es cuento.
En fin, ¿qué apreciamos en el cuadro? Pues vemos a nuestro Luis Veldrof retratado de más de medio cuerpo, con el uniforme de gala de Aposentador. El traje está compuesto por una casaca azul marino con bocamangas rojas, igual que el chaleco. Me encanta cómo Vicente López pintó el bordado de oro, la corbata de chorreras, el sable... y el bicornio que lo sujeta pillado entre el brazo brazo izquierdo y su cuerpo. ¡Ah! También le pintó la Cruz de la Junta Provincial de la Guerra de la Independencia, en el ojal de la casaca.
Pero lo que me tiene enamorado, con permiso de mi mujer, claro, es la mano derecha del Aposentador que está sujetando la llave de una puerta... y de la propia llave. ¡¡¡Qué virtuosismo de escorzo!!! Según dicen los entendidos en pintura, lo más difícil de dibujar son las manos. Y hay que decir que nuestro Vicente López es un maestro en ese arte de las "manualidades".
Y fíjate, querido Diario, en la cara de Luis Veldrof... qué expresión más realista. Si hasta se ven las arrugas de la frente y las ojeras. ¡¡¡Impresionante este Vicente López!!!
¡Ah! La figura del aposentador Luis Veldrof tenía, y tiene, un significado muy especial para el Museo del Prado, ya que era el funcionario que firmaba las órdenes de salida de los cuadros elegidos por el propio Vicente López de entre las Colecciones Reales para pasar a formar parte de los fondos del entonces Real Museo de Pinturas, que años más tarde, en 1920, cambió a denominarse Museo del Prado.
¿Que por qué el que elegía los cuadros era Vicente López? Pues porque era el responsable de la parte artística del Real Museo, a las órdenes de los sucesivos directores del museo, José Idiáquez Carvajal, que era el Marqués consorte de Ariza, y Agustín Pedro de Silva y Palafox, el X Duque de Híjar. Y como responsable de la dirección artística, era el encargado de esa elección de obras de arte para el Real Museo.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Luis Veldrof, aposentador mayor y conserje del Real Palacio - h1823 -, de Vicente López Portaña, que se puede contemplar en la sala 75. Fotografía sacada de la página web del Museo Nacional del Prado).
¿Sabes? La función primordial de los vigilantes de salas es la de velar por la seguridad de las obras de arte expuestas en la sala o salas a nuestro cargo, así como de los visitantes del Museo, garantizando el correcto desarrollo de la visita. ¿Que cómo lo hacemos, si nos tocan vigilar varias salas? Pues con paciencia... y andando. Para arriba, para abajo, para arriba, para abajo,... así todo el tiempo.
Tenemos unas sillas en las que nos podemos sentar si estamos cansados, pero yo soy masoquista y casi nunca me siento. Es más, el Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público, en su punto 8, dice...
"Permanecer en actitud dinámica, en la sala o salas asignadas, y en el caso de que un visitante se dirija a nosotros cuando excepcionalmente estemos sentados, levantarse".
Es decir, que me da la impresión que con eso de "excepcionalmente" nos están queriendo decir que nos podemos sentar, cómo no, pero que sea poco tiempo. En el fondo tienen razón, pues nosotros somos parte de la imagen del Museo, y si nos ven sentados, puede que la imagen que demos no sea la más apropiada.
Lo que sí es cierto es que si nos vieran desde arriba, desde el cielo, verían a un grupo de vigilantes uniformados salas para arriba y para abajo. Eso sí, cada uno a su ritmo. A mí me gusta ponerme con las manos a la espalda e ir andando despacio. Como decía el mago argentino René Lavand en su juego de magia con cartas...
-No se puede hacer más lento.
Exacto, yo no puedo ir más lento... excepto cuando veo un plano en la mano de un visitante con ganas de querer tocar un cuadro, que... yo no puedo ir más rápido.
¿Y por qué te cuento todo esto, querido Diario? Pues porque hoy, estando vigilando mis salas, cuando había muy poca gente en ellas, caso raro, he oído una voz de mujer a mis espaldas que decía...
-Atención, posible radar móvil. Límite de velocidad, 50.
Así, de repente, me he quedado parado, helado, pensando...
-Seguro que no me multan. Voy algo más despacio.
Jejeje, era el Gps del móvil de un señor de unos sesenta años, que no sé por qué motivo le ha saltado el aviso en ese momento, en medio de la sala 75. Seguro que esto quiere decir, y no es un chivatazo a los conductores de Madrid, que han debido poner un radar móvil en el Paseo del Prado y lo ha detectado. Digo yo, porque si no, no tiene explicación.
Eso sí, la cara de cachondeo que se le ha puesto a su hija no tenía precio. Entre risas le ha quitado el móvil a su padre, que el pobre hombre no atinaba a apagarlo, y lo ha puesto en silencio.
Nos hemos mirado la hija y yo... y me ha contagiado la risa. Cosas del directo, jejeje.
Cambiando de tema, y a la vez queriendo hilarlo con el tema de andar sin parar, ¿a que no sabes, querido Diario, quiénes no se paraban nunca, aunque se encontraran con una puerta? Bien, has acertado... los reyes.
Los monarcas tenían, porque no sé si actualmente lo tienen, una persona que tenía como título el "aposentador". Este personaje tenía a su cargo la separación de los cuartos de las personas reales y también tenía que decidir la vivienda que se destinaba a los miembros del séquito real en sus viajes. Y a este cargo de aposentador se le solía unir el de "conseje" que, entre otras cosas, tenía las todas las llaves de las habitaciones donde vivían los reyes y era el encargado de abrir las puertas para que ellos no tuvieran que esperar... que no tuvieran que pararse... como los vigilantes de salas, jejeje.
Y, cómo no, te voy a hablar de un cuadro de un aposentador. Se titula Luis Veldrof, aposentador mayor y conserje del Real Palacio, y lo pintó Vicente López Portaña hacia el año 1823.
Luis Veldrof nació en 1758, por lo tanto, cuando Vicente López pintó su retrato, tendría unos sesenta y cinco años, más o menos.
Desde muy joven entró al servicio de la Casa Real. Fue Ayuda del Portamuebles de la Real Guardarropía de los Infantes, luego Mozo de oficio de la Guardarropía del Príncipe de Asturias, Conserje del Real Palacio, Aposentador del Real Palacio y Jefe de Tapicería, Guardamuebles y Alumbrado. Se le concedió los honores de Intendente del Ejército, y, ¿sabes, querido Diario? Se jubiló en 1840, con ochenta y dos años. Eso es amor al trabajo y lo demás es cuento.
En fin, ¿qué apreciamos en el cuadro? Pues vemos a nuestro Luis Veldrof retratado de más de medio cuerpo, con el uniforme de gala de Aposentador. El traje está compuesto por una casaca azul marino con bocamangas rojas, igual que el chaleco. Me encanta cómo Vicente López pintó el bordado de oro, la corbata de chorreras, el sable... y el bicornio que lo sujeta pillado entre el brazo brazo izquierdo y su cuerpo. ¡Ah! También le pintó la Cruz de la Junta Provincial de la Guerra de la Independencia, en el ojal de la casaca.
Pero lo que me tiene enamorado, con permiso de mi mujer, claro, es la mano derecha del Aposentador que está sujetando la llave de una puerta... y de la propia llave. ¡¡¡Qué virtuosismo de escorzo!!! Según dicen los entendidos en pintura, lo más difícil de dibujar son las manos. Y hay que decir que nuestro Vicente López es un maestro en ese arte de las "manualidades".
Y fíjate, querido Diario, en la cara de Luis Veldrof... qué expresión más realista. Si hasta se ven las arrugas de la frente y las ojeras. ¡¡¡Impresionante este Vicente López!!!
¡Ah! La figura del aposentador Luis Veldrof tenía, y tiene, un significado muy especial para el Museo del Prado, ya que era el funcionario que firmaba las órdenes de salida de los cuadros elegidos por el propio Vicente López de entre las Colecciones Reales para pasar a formar parte de los fondos del entonces Real Museo de Pinturas, que años más tarde, en 1920, cambió a denominarse Museo del Prado.
¿Que por qué el que elegía los cuadros era Vicente López? Pues porque era el responsable de la parte artística del Real Museo, a las órdenes de los sucesivos directores del museo, José Idiáquez Carvajal, que era el Marqués consorte de Ariza, y Agustín Pedro de Silva y Palafox, el X Duque de Híjar. Y como responsable de la dirección artística, era el encargado de esa elección de obras de arte para el Real Museo.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Luis Veldrof, aposentador mayor y conserje del Real Palacio - h1823 -, de Vicente López Portaña, que se puede contemplar en la sala 75. Fotografía sacada de la página web del Museo Nacional del Prado).
lunes, 27 de agosto de 2018
Querido Diario, 27 de agosto de 2018
Querido Diario:
Ayer domingo nos cambiaron de sala y no tuve que vigilar el Claustro de los Jerónimos. ¿A que no sabes dónde me pusieron? Pues no, esta vez no me tocó vigilar la sala 12, la de Las Meninas, sino las salas 7A a la 10A, que son las de Pintura Española del siglo XVII... Ribalta, Zurbarán, Naturalezas muertas de ese siglo, los cuadros del Salón de Reinos del antiguo Palacio del Buen Retiro y mi querido fray Juan Bautista Maíno. Sí, las salas de mi pintor preferido.
Y después de estar casi un mes entero vigilando el Claustro, ya se me había olvidado que la gente suele hacer fotografías que no están permitidas; se me había olvidado que la gente suele señalar los cuadros atravesando el límite de las catenarias; se me había olvidado que la gente suele señalar los cuadros con los planos, bolígrafos, patillas de las gafas,... ¡¡¡SOCORRO!!! Con lo a gusto que estaba en el Claustro, jejeje.
En fin, estaba en el mis salas, vigilando, cuando entró una mujer con sus dos hijos de unos diez y ocho años, más o menos, y la abuela. La madre llevaba el móvil encendido, en la opción "cámara", medio escondida entre las manos. Pero se nota perfectamente pues se veía que la pantalla estaba en movimiento, viéndose lo que enfoca. Y los vigilantes no somos tontos y nos damos cuenta al momento. Y ya que lo había detectado, me acerqué a ella...
-Perdone, pero como veo que lleva la cámara encendida, le informo que no se pueden hacer fotografías en el Museo.
-Ya. Es que estoy buscando una información.
-¿Con la cámara?
... bueno, esta última pregunta solo lo he pensado. Rápidamente se ha dado cuenta que tenía el móvil en modo "cámara" y lo ha apagado.
En este momento me quiero parar y hacer una reflexión seria. Ya sabes que no es mi estilo, querido Diario. No es mi estilo ni pretendo ponerme serio, pero ya no puedo más...
Lo que me preocupa es pensar en la educación que estamos dando a los hijos... qué sociedad estamos educando. Qué sociedad estamos preparando para el día de mañana...
Esta mujer estaba con sus hijos que ya se enteraban de todo y, al llevar la cámara tapada, seguro que más de un vigilante ya la habría informado que no se pueden hacer fotos en el Museo. Y aun así, sigue haciéndolas delante de sus hijos. Está dando a entender, está enseñando a sus hijos que se pueden saltar las normas de donde sea, si les apetece.
Y hay que saber, y por tanto entender, que una norma, por muy absurda que nos parezca, tendrá un porqué y, aunque no lo tenga, hay que respetarla y cumplirla.
Y si no lo hacemos, estamos educando a nuestros hijos que pueden hacer lo que quieran, saltándose toda norma si les da la gana, ya que es lo normal y lo correcto. Así nos va y así nos irá en un futuro no lejano. Sinceramente, me da pena la sociedad que estamos criando.
Pero, bueno, perdona, querido Diario, por ponerme serio, pero alguna vez lo tendría que soltar, para no reventar.
En fin, que estando delante del cuadro La rendición de Breda, también conocido por Las lanzas, que está en la sala con los cuadros del Salón de Reinos, un señor de unos cuarenta y cinco años, señalándolo, ha dicho a sus hijos...
-Mirad, el cuadro de las espadas.
Bueeeeno, si usted lo diiiice... espadas, lo que se dice espadas... va a ser que solo hay cuatro a simple vista, pero lanzas... más de sesenta, divididas en tres grupos, el de los vencedores, el de los vencidos y el del grupo del fondo.
Pero hoy no he venido a hablarte de este cuadro, querido Diario. Algún día lo haré, te lo prometo. Pero es que me gustaría hablarte de otro de mi "amigote" Maíno. Siento ser tan cansino con este pintor, pero es que es mi preferido y me puedo pasar horas y horas delante de sus cuadros, y no me cansaría.
¡Bueno! El cuadro del que te quiero hablar es San Juan Evangelista en Patmos, que lo pintó fray Juan Bautista Maíno entre los años 1612 y 1614.
Y es que en febrero del 1612 Juan Bautista Maíno firmó un contrato en Toledo para realizar las pinturas del retablo mayor de la iglesia del Convento de San Pedro Mártir, de esa ciudad. Es cierto que Maíno se comprometió a realizar el retablo en solo ocho meses, pero en su cabeza tenía otros planes, como era el ingresar en la Orden de Dominicos, en ese mismo convento, cosa que hizo en julio de 1613. Por eso se retrasó un poquiiiito... Terminó las pinturas del retablo en diciembre de 1614, con catorce meses de retraso sobre la fecha de entrega acordada. Supongo que por ser "de la casa" se lo perdonarían.
Para este retablo se dispuso que arriba, en lo que se llama "ático", flanqueando a un Cristo tallado, hubiera dos pinturas de medio cuerpo de santo Domingo de Guzmán y santa Catalina de Siena.
En el centro, presidiendo el retablo estaba, en una hornacina, la imagen de la Virgen del Rosario. Y el padre Antonio de Sotomayor, que era el Prior del convento, dijo que como la iglesia era de culto público, y por tanto tenía que ser didáctica, las calles laterales que bordeaban a la Virgen tenían que tener las cuatro fiestas más importantes del calendario litúrgico de la iglesia, también llamadas "las Cuatro Pascuas", que son la Natividad, representada por al adoración de los pastores, la Epifanía, también llamada adoración de los magos, la Resurrección el Señor y Pentecostés, que es la venida del Espíritu Santo sobre la Virgen María y sobre los apóstoles.
Y abajo, en lo que se llama "predela", como era el retablo del templo de un monasterio, tenía que tener presencia santos que habían consagrado su vida al retiro y a la oración. Estos serían san Juan Bautista, san Juan Evangelista, santa María Magdalena y san Antonio Abad.
¿Sabes, querido Diario? Esas diez pinturas del retablo permanecieron en su su sitio original hasta el año 1836, que por la Desamortización eclesiástica, pasaron primeramente al Museo Nacional de Pintura y Escultura, más conocido por el Museo de la Trinidad, en Madrid, y posteriormente, al Museo del Prado.
Y uno de estos cuadros de la predela es el nuestro... San Juan Evangelista en Patmos.
Es relativamente pequeño. Mide, si bien recuerdo, 163 centímetros de ancho por 74 de alto. Es, por tanto, apaisado.
Si te fijas bien, querido Diario, Maíno llevó la figura de san Juan Evangelista al lado derecho de la composición, colocándolo en un rinconcito, y llenó casi todo el cuadro del paisaje, dejando que fuera la isla de Patmos, con su mar y su cielo, el auténtico protagonista.
¿Que dónde está Patmos? Buena, pregunta, querido Diario. Patmos es una isla griega muy pequeña y está en el mar Egeo, al sureste de Grecia, más cerca de Turquía que de la propia Grecia. Allí fue donde se retiró san Juan Evangelista y tuvo las visiones que luego escribió en el Apocalipsis.
Ahora quiero que te fijes en san Juan. Está sentado sobre una roca, con la pierna derecha cruzada sobre la izquierda, mirando al cielo, a un punto indeterminado, absorto en una visión que luego escribirá en el libro que tiene encima de la pierna. Maíno era tan detallista que hasta pintó el tintero para mojar la pluma y escribir, que tiene el santo en la mano izquierda.
Y tenía tal precisión en los detalles que, aunque en la fotografía que te he pegado a un lado no se aprecie bien, en el cuadro original se ve perfectamente hasta las uñas del pie izquierdo, el que está apoyado en el suelo.
Ah, que se me olvidaba. Al lado del santo, agachada, hay un águila, que es el símbolo de san Juan Evangelista. Me explico...
Cada evangelista está representado por un símbolo, que se llaman tetramorfos. Fue una visión que tuvo san Juan Evangelista y que escribió en su Apocalipsis, que dice...
"Y en medio del trono y a su alrededor, había cuatro vivientes, llenos de ojos por delante y por detrás. El primer viviente era semejante a un león, el segundo a un toro, el tercero tenía cara como de hombre, y el cuarto viviente era semejante a un águila en vuelo". (Ap 4, 6-7)
Y según la tradición, cada uno de estos "cuatro vivientes" es un evangelista. El león representa a san Marcos, el toro se identifica con san Lucas, al hombre con san Mateo y al águila con san Juan. Me podía explayar y contarte el porqué de cada símbolo, pero, para no cansarte, hoy te diré, querido Diario, solamente que el evangelio de San Juan trata de caracterizar lo "más elevado" y profundo del pensar del Cristo. Por eso se centra en plasmar la visión de Dios, desde el Cielo. Y por tanto está representado por un águila, que ve todo desde el cielo.
En fin, para terminar, y como siempre he dicho, para gustos están los colores y los pintores... y mi preferido en el Museo del Prado es fray Juan Bautista Maíno.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro San Juan Evangelista en Patmos - 1612-1614, de fray Juan Bautista Maíno, que se puede contemplar en la sala 7A).
Ayer domingo nos cambiaron de sala y no tuve que vigilar el Claustro de los Jerónimos. ¿A que no sabes dónde me pusieron? Pues no, esta vez no me tocó vigilar la sala 12, la de Las Meninas, sino las salas 7A a la 10A, que son las de Pintura Española del siglo XVII... Ribalta, Zurbarán, Naturalezas muertas de ese siglo, los cuadros del Salón de Reinos del antiguo Palacio del Buen Retiro y mi querido fray Juan Bautista Maíno. Sí, las salas de mi pintor preferido.
Y después de estar casi un mes entero vigilando el Claustro, ya se me había olvidado que la gente suele hacer fotografías que no están permitidas; se me había olvidado que la gente suele señalar los cuadros atravesando el límite de las catenarias; se me había olvidado que la gente suele señalar los cuadros con los planos, bolígrafos, patillas de las gafas,... ¡¡¡SOCORRO!!! Con lo a gusto que estaba en el Claustro, jejeje.
En fin, estaba en el mis salas, vigilando, cuando entró una mujer con sus dos hijos de unos diez y ocho años, más o menos, y la abuela. La madre llevaba el móvil encendido, en la opción "cámara", medio escondida entre las manos. Pero se nota perfectamente pues se veía que la pantalla estaba en movimiento, viéndose lo que enfoca. Y los vigilantes no somos tontos y nos damos cuenta al momento. Y ya que lo había detectado, me acerqué a ella...
-Perdone, pero como veo que lleva la cámara encendida, le informo que no se pueden hacer fotografías en el Museo.
-Ya. Es que estoy buscando una información.
-¿Con la cámara?
... bueno, esta última pregunta solo lo he pensado. Rápidamente se ha dado cuenta que tenía el móvil en modo "cámara" y lo ha apagado.
En este momento me quiero parar y hacer una reflexión seria. Ya sabes que no es mi estilo, querido Diario. No es mi estilo ni pretendo ponerme serio, pero ya no puedo más...
Lo que me preocupa es pensar en la educación que estamos dando a los hijos... qué sociedad estamos educando. Qué sociedad estamos preparando para el día de mañana...
Esta mujer estaba con sus hijos que ya se enteraban de todo y, al llevar la cámara tapada, seguro que más de un vigilante ya la habría informado que no se pueden hacer fotos en el Museo. Y aun así, sigue haciéndolas delante de sus hijos. Está dando a entender, está enseñando a sus hijos que se pueden saltar las normas de donde sea, si les apetece.
Y hay que saber, y por tanto entender, que una norma, por muy absurda que nos parezca, tendrá un porqué y, aunque no lo tenga, hay que respetarla y cumplirla.
Y si no lo hacemos, estamos educando a nuestros hijos que pueden hacer lo que quieran, saltándose toda norma si les da la gana, ya que es lo normal y lo correcto. Así nos va y así nos irá en un futuro no lejano. Sinceramente, me da pena la sociedad que estamos criando.
Pero, bueno, perdona, querido Diario, por ponerme serio, pero alguna vez lo tendría que soltar, para no reventar.
En fin, que estando delante del cuadro La rendición de Breda, también conocido por Las lanzas, que está en la sala con los cuadros del Salón de Reinos, un señor de unos cuarenta y cinco años, señalándolo, ha dicho a sus hijos...
-Mirad, el cuadro de las espadas.
Bueeeeno, si usted lo diiiice... espadas, lo que se dice espadas... va a ser que solo hay cuatro a simple vista, pero lanzas... más de sesenta, divididas en tres grupos, el de los vencedores, el de los vencidos y el del grupo del fondo.
Pero hoy no he venido a hablarte de este cuadro, querido Diario. Algún día lo haré, te lo prometo. Pero es que me gustaría hablarte de otro de mi "amigote" Maíno. Siento ser tan cansino con este pintor, pero es que es mi preferido y me puedo pasar horas y horas delante de sus cuadros, y no me cansaría.
¡Bueno! El cuadro del que te quiero hablar es San Juan Evangelista en Patmos, que lo pintó fray Juan Bautista Maíno entre los años 1612 y 1614.
Y es que en febrero del 1612 Juan Bautista Maíno firmó un contrato en Toledo para realizar las pinturas del retablo mayor de la iglesia del Convento de San Pedro Mártir, de esa ciudad. Es cierto que Maíno se comprometió a realizar el retablo en solo ocho meses, pero en su cabeza tenía otros planes, como era el ingresar en la Orden de Dominicos, en ese mismo convento, cosa que hizo en julio de 1613. Por eso se retrasó un poquiiiito... Terminó las pinturas del retablo en diciembre de 1614, con catorce meses de retraso sobre la fecha de entrega acordada. Supongo que por ser "de la casa" se lo perdonarían.
Para este retablo se dispuso que arriba, en lo que se llama "ático", flanqueando a un Cristo tallado, hubiera dos pinturas de medio cuerpo de santo Domingo de Guzmán y santa Catalina de Siena.
En el centro, presidiendo el retablo estaba, en una hornacina, la imagen de la Virgen del Rosario. Y el padre Antonio de Sotomayor, que era el Prior del convento, dijo que como la iglesia era de culto público, y por tanto tenía que ser didáctica, las calles laterales que bordeaban a la Virgen tenían que tener las cuatro fiestas más importantes del calendario litúrgico de la iglesia, también llamadas "las Cuatro Pascuas", que son la Natividad, representada por al adoración de los pastores, la Epifanía, también llamada adoración de los magos, la Resurrección el Señor y Pentecostés, que es la venida del Espíritu Santo sobre la Virgen María y sobre los apóstoles.
Y abajo, en lo que se llama "predela", como era el retablo del templo de un monasterio, tenía que tener presencia santos que habían consagrado su vida al retiro y a la oración. Estos serían san Juan Bautista, san Juan Evangelista, santa María Magdalena y san Antonio Abad.
¿Sabes, querido Diario? Esas diez pinturas del retablo permanecieron en su su sitio original hasta el año 1836, que por la Desamortización eclesiástica, pasaron primeramente al Museo Nacional de Pintura y Escultura, más conocido por el Museo de la Trinidad, en Madrid, y posteriormente, al Museo del Prado.
Y uno de estos cuadros de la predela es el nuestro... San Juan Evangelista en Patmos.
Es relativamente pequeño. Mide, si bien recuerdo, 163 centímetros de ancho por 74 de alto. Es, por tanto, apaisado.
Si te fijas bien, querido Diario, Maíno llevó la figura de san Juan Evangelista al lado derecho de la composición, colocándolo en un rinconcito, y llenó casi todo el cuadro del paisaje, dejando que fuera la isla de Patmos, con su mar y su cielo, el auténtico protagonista.
¿Que dónde está Patmos? Buena, pregunta, querido Diario. Patmos es una isla griega muy pequeña y está en el mar Egeo, al sureste de Grecia, más cerca de Turquía que de la propia Grecia. Allí fue donde se retiró san Juan Evangelista y tuvo las visiones que luego escribió en el Apocalipsis.
Ahora quiero que te fijes en san Juan. Está sentado sobre una roca, con la pierna derecha cruzada sobre la izquierda, mirando al cielo, a un punto indeterminado, absorto en una visión que luego escribirá en el libro que tiene encima de la pierna. Maíno era tan detallista que hasta pintó el tintero para mojar la pluma y escribir, que tiene el santo en la mano izquierda.
Y tenía tal precisión en los detalles que, aunque en la fotografía que te he pegado a un lado no se aprecie bien, en el cuadro original se ve perfectamente hasta las uñas del pie izquierdo, el que está apoyado en el suelo.
Ah, que se me olvidaba. Al lado del santo, agachada, hay un águila, que es el símbolo de san Juan Evangelista. Me explico...
Cada evangelista está representado por un símbolo, que se llaman tetramorfos. Fue una visión que tuvo san Juan Evangelista y que escribió en su Apocalipsis, que dice...
"Y en medio del trono y a su alrededor, había cuatro vivientes, llenos de ojos por delante y por detrás. El primer viviente era semejante a un león, el segundo a un toro, el tercero tenía cara como de hombre, y el cuarto viviente era semejante a un águila en vuelo". (Ap 4, 6-7)
Y según la tradición, cada uno de estos "cuatro vivientes" es un evangelista. El león representa a san Marcos, el toro se identifica con san Lucas, al hombre con san Mateo y al águila con san Juan. Me podía explayar y contarte el porqué de cada símbolo, pero, para no cansarte, hoy te diré, querido Diario, solamente que el evangelio de San Juan trata de caracterizar lo "más elevado" y profundo del pensar del Cristo. Por eso se centra en plasmar la visión de Dios, desde el Cielo. Y por tanto está representado por un águila, que ve todo desde el cielo.
En fin, para terminar, y como siempre he dicho, para gustos están los colores y los pintores... y mi preferido en el Museo del Prado es fray Juan Bautista Maíno.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro San Juan Evangelista en Patmos - 1612-1614, de fray Juan Bautista Maíno, que se puede contemplar en la sala 7A).
sábado, 18 de agosto de 2018
Querido Diario, 18 de agosto de 2018
Querido Diario:
Hoy una compañera me ha dado una noticia que no sé cómo tomármela... Me ha dicho que una academia que prepara la oposición para vigilantes de salas del Museo del Prado ha recomendado a sus alumnos que te lean. Ya ves, querido Diario, me consideraba "bloguero", por lo de escribir en un blog, pero ahora me tendré que considerar "influencer", jejeje. Para mí es un honor, cómo no, pero... como siempre en mí, hay un pero... es que son a los alumnos que estudian la misma oposición a la que me voy a presentar yo. No digo más... y lo digo todo.
Pero aunque me he pasado toda la tarde pensando si esa noticia era buena o mala, me he acordado que ayer me vino a visitar una cotilla que te lee a hurtadillas. Volvía del descanso cuando mi relevo me dijo que una pareja me estaba esterando...
-¿¿¿Ehhhh???
Pues, sí. Andrea, que es la cotilla, y su hijo querían conocerme y agradecerme mi trabajo por el diario. Ya ves, querido Diario, como si escribirte fuese para mí un trabajo. Si es todo lo contrario... un placer.
Gracias, Andrea.
Ah, que se me olvidaba... también la semana pasada se me presentó otra pareja que te lee. Bueno, si bien recuerdo era ella la cotilla. Pero tuve el fallo de no preguntarles su nombre. ¡¡¡Me cachis!!! Gracias, igualmente.
¿Sabes, querido Diario? Me encanta que se me presenten las cotillas y los cotillos que te leen a hurtadillas. Me hace mucha ilusión. Pobre de mí, con poca cosa se me contenta.
En fin, cambiando de tema, el mes sigue "enclaustrándome", jejeje. En un principio pensé que estar un mes entero vigilando en el Claustro de los Jerónimos iba a ser tedioso, pero, como te comenté el 8 de agosto, han puesto una pequeña cafetería y eso anima a la gente a subir para ver el claustro y ya de paso tomarse una café o una cerveza. Eso sí, como no se puede comer ni beber en el Museo, lo tienen que consumir en las mesas que han colocado al lado de la barra. Y algunos días suben más gente o otros días no sube casi nadie. Por eso le estoy cogiendo gustillo a vigilar en el Claustro.
Pero poco tengo que hacer... como en el Claustro se pueden hacer fotografías, no tengo que estar pendiente de eso. Solo tengo que estar vigilando para que no toquen las esculturas, que no pasaría nada, pues las esculturas son duras y no se estropean. Pero si la normativa dice que no se pueden tocar las esculturas, mi trabajo es hacer que se cumpla.
También tengo que estar pendiente que la gente no ande descalza, pero este mes solo me ha pasado dos veces... y por niños pequeños. La verdad, aunque lo barren y lo friegan todos los días, con el uso, el suelo se ensucia. Y con lo sucio que está, no entiendo como los padres dejan que, en este caso, una corra descalza y otra, u otro, porque no sé si era niño o niña, gateara... y encima, para más inri, descalza. Debe ser que "lo que no mata, fortalece".
Y otra cosa de la que tengo que estar pendiente es que no tiren nada al patio de luces que tiene el Claustro para dar luz a las salas de las exposiciones temporales que están en los pisos de abajo. No entiendo por qué la gente es tan guarra, con perdón. Echan de todo... monedas, planos, folletos, entradas troceadas como si fuera confeti,... Y lo hacen en décimas de segundo, que no te da tiempo a frenarles, solo a decirles que no se puede tirar nada... después de que ya lo han hecho, claro. Por suerte, en lo que llevo de mes solo han tirado tres planos, un folleto de una exposición temporal... y una carcasa de móvil. Y, orgulloso de mí, he de decir que no ha sido mientras yo he estado vigilando.
Eso sí, los visitantes me ven con cara de saber de todo, o con cara de guía turístico, pues no pasa un día que alguien me diga...
-¿Me puede explicar la historia de este Claustro?
La mayoría de las veces les indico dónde está la cartela explicativa, que se ve perfectamente, y otras veces, cuando veo que no hay nadie más, pues mi trabajo es vigilar, no explicar, se la medio comento en treinta segundos.
Y es que ese claustro formaba parte del Monasterio de San Jerónimo el Real. Esta institución religiosa se creó en 1464, pero se estableció en este paraje en 1503. El rey Felipe II, como ya te comenté el 11 de julio, pidió que se creara un "cuarto real" en torno a la iglesia de San Jerónimo, que más tarde ese cuarto quedó integrado en el Palacio del Buen Retiro.
Volviendo al claustro, éste no fue el original de principios del siglo XVI. EL actual se empezó a construir en 1672 y se terminó diez años más tarde, en 1682, sustituyendo al antiguo. Fue diseñado por el arquitecto agustino fray Lorenzo de San Nicolás.
¿Sabes, querido Diario? Está realizado con granito madrileño y en el estilo se nota que tuvo mucha influencia la arquitectura de El Escorial, ya que es clásico y austero.
Continuando con la historia, en la Guerra de la Independencia contra los franceses sufrió muchos daños y casi fue demolido en el año 1857. Menos mal que no lo hicieron, pues entonces no tendríamos esta obra de arte arquitectónica.
En 1925 fue declarado Monumento Nacional. Y en el año 2000, cuando el arquitecto Rafael Moneo hizo la ampliación del Museo, el Claustro de los Jerónimos fue desmontado, piedra a piedra, se numeraron, se limpiaron, se restauraron y se colocaron en su sitio... hasta ahora.
Imagínatelo, querido Diario... el claustro tiene casi tres mil bloques de piedras y menos mal que cuando lo montaron no sobró ninguno, jejeje.
Y como lo prometido es deuda, el 8 de agosto te dije que iba a hablar de la otra estatua de cuerpo entero que María de Hungría, la hermana de del emperador Carlos V, mandó hacer a Leone Leoni en 1549, aparte de la de su sobrino. Bueno, le mando hacer diez, pero solo hizo dos... la de Felipe II y ésta, María de Hungría.
El destino de estas estatuas era la galería dinástica que María había proyectado en el Palacio de Binche, en Bélgica. Pero Leone Leoni demoró un poquiiiito su realización... por lo menos hasta 1553. Al final, el escultor entregó a María de Hungría su estatua en 1556, dos años después de que las tropas francesas arrasaran Binche. Ya ves, querido Diario, nunca llegó a ocupar el lugar para el que había sido diseñada.
Pero la historia no termina ahí. Sigo...
Ese mismo año, 1556, María se trasladó a España, y las esculturas siguieron el mismo camino, acompañadas por Pompeo Leoni, el hijo de Leone, que se trasladó a Madrid para completarlas... en 1564, ocho años después, realizando la basa, incluyendo en ésta la inscripción...
"Maria Austria Regina Ludovici Ungariae Regis" Reina María de Austria [esposa] del rey Luis de Hungría).
Y como nuestra María de Hungría falleció en Cigales, cerca de Valladolid, en 1558, dos años después de su llegada a España, nunca vio terminada su estatua.
En fin, la escultura de María de Hungría es de broce y mide 175 centímetros de alto. Supongo que sería la altura real de la hermana del rey Carlos I de España, viuda del rey Luis II de Hungría y gobernadora de los Países Bajos, o sea, María de Habsburgo, también conocida por María de Austria o María de Hungría.
En su condición de viuda, la estatua de María no podía llevar la vestimenta con mucha decoración. Y hay que reconocer que esta limitación fue positiva, ya que Leone tuvo que jugar con los pliegues de la ropa para darle el dinamismo y la majestuosidad que tiene la escultura.
¿Qué es lo que vemos? Pues a nuestra María de pie, vestida como te he dicho antes, de viuda. Tiene las manos juntas, sosteniendo un misal. En la cabeza lleva una toca que parece una monja.
¿No te has dado cuenta, querido Diario, que en el cuadro Las Meninas, detrás de Isabel de Velasco hay una monja? Pues no es una monja, sino una viuda. Es que en aquella época, las viudas se vestían con una toca en la cabeza, como las monjas.
Ah, por cierto, la viuda de Las Meninas se llamaba Marcela de Ulloa y era una dama de honor de la infanta Margarita.
Siguiendo con la estatua de María de Hungría, si te fijas bien, querido Diario, verás que lleva por el cuello una estola, que es una especie de bufanda que le llega casi hasta los tobillos. La verdad, esa estola era un tema que me "rallaba"...
-¿Cómo una viuda lleva una estola sacerdotal?
Es que la estola es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos en la administración de los sacramentos. Es una prenda de tela que se pone alrededor del cuello. Los diáconos se la colocan en el hombro izquierdo y se la cruzan por el pecho y la espalda, ajustándola en el lado derecho de la cintura. Y los sacerdotes se la ponen en el cuello y los lados cuelgan sobre el pecho, por delante.
Entonces, si es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos, ¿cómo es que la lleva nuestra María?
Tiene su explicación, y es que como la estatua se ve de abajo a arriba no se aprecia bien... la toca tiene unos extremos muy largos. Están anudados sobre la nuca, cosa que no se ve desde abajo, cayendo hacia delante, y están rematados con unas cruces, formando una especie de estola.
¡¡¡Bien!!! ¡¡¡Está solucionado!!! No es que sea una estola, sino los extremos de la toca que caen en forma de estola. Y se trata de una indumentaria que, según su biógrafo Alessandro Nogarola, se ponía cuando iba a la iglesia o cuando se presentaba como majestad.
Mañana me fijaré bien, a ver si se aprecia el nudo de la toca en la nuca, y te lo cuento después, querido Diario.
Ah, ¿sabes? Para realizar esta estatua, Leone Leoni partió de un busto que había hecho en terracota durante su primer encuentro que tuvo con María de Hungría en Bruselas, en el año 1549. Este busto sirvió también para otro busto que hicieron los Leoni, padre e hijo, de nuestra María, pero esta vez en mármol y que también lo conserva el Museo del Prado, aunque a día de hoy no está expuesto. Y lo realizaron entre los años 1553 y 1555.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía de la estatua en bronce María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que se puede contemplar en el Claustro de Jerónimos; escultura en mármol María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que a día de hoy no está expuesta; y detalle del cuadro Las meninas - 1656 -, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, que se puede contemplar en la sala 12).
Hoy una compañera me ha dado una noticia que no sé cómo tomármela... Me ha dicho que una academia que prepara la oposición para vigilantes de salas del Museo del Prado ha recomendado a sus alumnos que te lean. Ya ves, querido Diario, me consideraba "bloguero", por lo de escribir en un blog, pero ahora me tendré que considerar "influencer", jejeje. Para mí es un honor, cómo no, pero... como siempre en mí, hay un pero... es que son a los alumnos que estudian la misma oposición a la que me voy a presentar yo. No digo más... y lo digo todo.
Pero aunque me he pasado toda la tarde pensando si esa noticia era buena o mala, me he acordado que ayer me vino a visitar una cotilla que te lee a hurtadillas. Volvía del descanso cuando mi relevo me dijo que una pareja me estaba esterando...
-¿¿¿Ehhhh???
Pues, sí. Andrea, que es la cotilla, y su hijo querían conocerme y agradecerme mi trabajo por el diario. Ya ves, querido Diario, como si escribirte fuese para mí un trabajo. Si es todo lo contrario... un placer.
Gracias, Andrea.
Ah, que se me olvidaba... también la semana pasada se me presentó otra pareja que te lee. Bueno, si bien recuerdo era ella la cotilla. Pero tuve el fallo de no preguntarles su nombre. ¡¡¡Me cachis!!! Gracias, igualmente.
¿Sabes, querido Diario? Me encanta que se me presenten las cotillas y los cotillos que te leen a hurtadillas. Me hace mucha ilusión. Pobre de mí, con poca cosa se me contenta.
En fin, cambiando de tema, el mes sigue "enclaustrándome", jejeje. En un principio pensé que estar un mes entero vigilando en el Claustro de los Jerónimos iba a ser tedioso, pero, como te comenté el 8 de agosto, han puesto una pequeña cafetería y eso anima a la gente a subir para ver el claustro y ya de paso tomarse una café o una cerveza. Eso sí, como no se puede comer ni beber en el Museo, lo tienen que consumir en las mesas que han colocado al lado de la barra. Y algunos días suben más gente o otros días no sube casi nadie. Por eso le estoy cogiendo gustillo a vigilar en el Claustro.
Pero poco tengo que hacer... como en el Claustro se pueden hacer fotografías, no tengo que estar pendiente de eso. Solo tengo que estar vigilando para que no toquen las esculturas, que no pasaría nada, pues las esculturas son duras y no se estropean. Pero si la normativa dice que no se pueden tocar las esculturas, mi trabajo es hacer que se cumpla.
También tengo que estar pendiente que la gente no ande descalza, pero este mes solo me ha pasado dos veces... y por niños pequeños. La verdad, aunque lo barren y lo friegan todos los días, con el uso, el suelo se ensucia. Y con lo sucio que está, no entiendo como los padres dejan que, en este caso, una corra descalza y otra, u otro, porque no sé si era niño o niña, gateara... y encima, para más inri, descalza. Debe ser que "lo que no mata, fortalece".
Y otra cosa de la que tengo que estar pendiente es que no tiren nada al patio de luces que tiene el Claustro para dar luz a las salas de las exposiciones temporales que están en los pisos de abajo. No entiendo por qué la gente es tan guarra, con perdón. Echan de todo... monedas, planos, folletos, entradas troceadas como si fuera confeti,... Y lo hacen en décimas de segundo, que no te da tiempo a frenarles, solo a decirles que no se puede tirar nada... después de que ya lo han hecho, claro. Por suerte, en lo que llevo de mes solo han tirado tres planos, un folleto de una exposición temporal... y una carcasa de móvil. Y, orgulloso de mí, he de decir que no ha sido mientras yo he estado vigilando.
Eso sí, los visitantes me ven con cara de saber de todo, o con cara de guía turístico, pues no pasa un día que alguien me diga...
-¿Me puede explicar la historia de este Claustro?
La mayoría de las veces les indico dónde está la cartela explicativa, que se ve perfectamente, y otras veces, cuando veo que no hay nadie más, pues mi trabajo es vigilar, no explicar, se la medio comento en treinta segundos.
Y es que ese claustro formaba parte del Monasterio de San Jerónimo el Real. Esta institución religiosa se creó en 1464, pero se estableció en este paraje en 1503. El rey Felipe II, como ya te comenté el 11 de julio, pidió que se creara un "cuarto real" en torno a la iglesia de San Jerónimo, que más tarde ese cuarto quedó integrado en el Palacio del Buen Retiro.
Volviendo al claustro, éste no fue el original de principios del siglo XVI. EL actual se empezó a construir en 1672 y se terminó diez años más tarde, en 1682, sustituyendo al antiguo. Fue diseñado por el arquitecto agustino fray Lorenzo de San Nicolás.
¿Sabes, querido Diario? Está realizado con granito madrileño y en el estilo se nota que tuvo mucha influencia la arquitectura de El Escorial, ya que es clásico y austero.
Continuando con la historia, en la Guerra de la Independencia contra los franceses sufrió muchos daños y casi fue demolido en el año 1857. Menos mal que no lo hicieron, pues entonces no tendríamos esta obra de arte arquitectónica.
En 1925 fue declarado Monumento Nacional. Y en el año 2000, cuando el arquitecto Rafael Moneo hizo la ampliación del Museo, el Claustro de los Jerónimos fue desmontado, piedra a piedra, se numeraron, se limpiaron, se restauraron y se colocaron en su sitio... hasta ahora.
Imagínatelo, querido Diario... el claustro tiene casi tres mil bloques de piedras y menos mal que cuando lo montaron no sobró ninguno, jejeje.
Y como lo prometido es deuda, el 8 de agosto te dije que iba a hablar de la otra estatua de cuerpo entero que María de Hungría, la hermana de del emperador Carlos V, mandó hacer a Leone Leoni en 1549, aparte de la de su sobrino. Bueno, le mando hacer diez, pero solo hizo dos... la de Felipe II y ésta, María de Hungría.
El destino de estas estatuas era la galería dinástica que María había proyectado en el Palacio de Binche, en Bélgica. Pero Leone Leoni demoró un poquiiiito su realización... por lo menos hasta 1553. Al final, el escultor entregó a María de Hungría su estatua en 1556, dos años después de que las tropas francesas arrasaran Binche. Ya ves, querido Diario, nunca llegó a ocupar el lugar para el que había sido diseñada.
Pero la historia no termina ahí. Sigo...
Ese mismo año, 1556, María se trasladó a España, y las esculturas siguieron el mismo camino, acompañadas por Pompeo Leoni, el hijo de Leone, que se trasladó a Madrid para completarlas... en 1564, ocho años después, realizando la basa, incluyendo en ésta la inscripción...
"Maria Austria Regina Ludovici Ungariae Regis" Reina María de Austria [esposa] del rey Luis de Hungría).
Y como nuestra María de Hungría falleció en Cigales, cerca de Valladolid, en 1558, dos años después de su llegada a España, nunca vio terminada su estatua.
En fin, la escultura de María de Hungría es de broce y mide 175 centímetros de alto. Supongo que sería la altura real de la hermana del rey Carlos I de España, viuda del rey Luis II de Hungría y gobernadora de los Países Bajos, o sea, María de Habsburgo, también conocida por María de Austria o María de Hungría.
En su condición de viuda, la estatua de María no podía llevar la vestimenta con mucha decoración. Y hay que reconocer que esta limitación fue positiva, ya que Leone tuvo que jugar con los pliegues de la ropa para darle el dinamismo y la majestuosidad que tiene la escultura.
¿Qué es lo que vemos? Pues a nuestra María de pie, vestida como te he dicho antes, de viuda. Tiene las manos juntas, sosteniendo un misal. En la cabeza lleva una toca que parece una monja.
¿No te has dado cuenta, querido Diario, que en el cuadro Las Meninas, detrás de Isabel de Velasco hay una monja? Pues no es una monja, sino una viuda. Es que en aquella época, las viudas se vestían con una toca en la cabeza, como las monjas.
Ah, por cierto, la viuda de Las Meninas se llamaba Marcela de Ulloa y era una dama de honor de la infanta Margarita.
Siguiendo con la estatua de María de Hungría, si te fijas bien, querido Diario, verás que lleva por el cuello una estola, que es una especie de bufanda que le llega casi hasta los tobillos. La verdad, esa estola era un tema que me "rallaba"...
-¿Cómo una viuda lleva una estola sacerdotal?
Es que la estola es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos en la administración de los sacramentos. Es una prenda de tela que se pone alrededor del cuello. Los diáconos se la colocan en el hombro izquierdo y se la cruzan por el pecho y la espalda, ajustándola en el lado derecho de la cintura. Y los sacerdotes se la ponen en el cuello y los lados cuelgan sobre el pecho, por delante.
Entonces, si es una prenda litúrgica que utilizan los sacerdotes o los diáconos, ¿cómo es que la lleva nuestra María?
Tiene su explicación, y es que como la estatua se ve de abajo a arriba no se aprecia bien... la toca tiene unos extremos muy largos. Están anudados sobre la nuca, cosa que no se ve desde abajo, cayendo hacia delante, y están rematados con unas cruces, formando una especie de estola.
¡¡¡Bien!!! ¡¡¡Está solucionado!!! No es que sea una estola, sino los extremos de la toca que caen en forma de estola. Y se trata de una indumentaria que, según su biógrafo Alessandro Nogarola, se ponía cuando iba a la iglesia o cuando se presentaba como majestad.
Mañana me fijaré bien, a ver si se aprecia el nudo de la toca en la nuca, y te lo cuento después, querido Diario.
Ah, ¿sabes? Para realizar esta estatua, Leone Leoni partió de un busto que había hecho en terracota durante su primer encuentro que tuvo con María de Hungría en Bruselas, en el año 1549. Este busto sirvió también para otro busto que hicieron los Leoni, padre e hijo, de nuestra María, pero esta vez en mármol y que también lo conserva el Museo del Prado, aunque a día de hoy no está expuesto. Y lo realizaron entre los años 1553 y 1555.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía de la estatua en bronce María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que se puede contemplar en el Claustro de Jerónimos; escultura en mármol María de Hungría - 1553-1564 -, de Leone Leoni y Pompeo Leoni, que a día de hoy no está expuesta; y detalle del cuadro Las meninas - 1656 -, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, que se puede contemplar en la sala 12).
viernes, 27 de julio de 2018
Querido Diario, 27 de julio de 2018
Querido Diario:
Ya he vuelto al Museo después de las vacaciones. ¿Y a que no sabes qué sala he tenido que vigilar el primer día? ¡¡¡Bien!!! Has acertado... la sala 12, la de Las Meninas. Hacía mucho que no me mandaban allí.
Y después de las vacaciones, me he sentido como en casa...
Primero, porque he vuelto al trabajo, a ese trabajo que no me pesa. Es cierto que no se produce, pero me llena y me enorgullece saber que estoy cuidando un poco, o un mucho, de arte y que entre mis manos hay mucha historia y muchas historias.
Segundo, porque he vuelto a vigilar la sala 12, que es una de mis preferidas. Sé que es una de las salas menos deseadas por los vigilantes, pero debo ser masoquista... a mí me gusta. Si no fuera por la gente que se empeña en no respetar las normas del Museo, sea cual sea, aunque en este caso me refiero a la normativa de no hacer fotografías, sería la sala perfecta para vigilar.
Y tercero, porque he visto a un joven de unos 14 años bailando. Me explico, jejeje...
Me he pasado todas las vacaciones viendo como mi hijo jugaba a Fortnite. Este es un juego "de matar", como todos los famosos últimamente entre la juventud, por desgracia. Pero, bueno, quiero pensar que solo es un juego. Pues bien, en este juego, mientras se espera a que empiece la partida, ya que se tienen que unir cien jugadores, los personajes que ya se han apuntado al juego están juntos en un paisaje y cada uno hace lo que quiere. Unos se entrenan disparando, otros pintan graffitis en el suelo,... y mi hijo se suele poner delante de otro jugador y se pone a bailar... el personaje, no él, claro, jejeje. Y lo gracioso es ver a cuatro o cinco jugadores vestidos de soldados, bailando. Y hay varias clases de baile, como el Swish Swish, que es el baile de los jóvenes que se ha puesto de moda actualmente, o el Justicia Naranja, que no sabría como explicártelo, querido Diario,... pero el que más me gusta es el baile por defecto del juego, que es el que suele hacer el personaje de mi hijo.
Y todo este rollo para decirte que un joven de unos 14 años se ha puesto a bailar, en la misma sala 12, delante de un cuadro, ese Baile por defecto. Me he quedado de piedra, pues lo he reconocido al instante. Y me ha recordado a mi hijo... como si estuviera en casa.
Y, cambiando de tema, ha pasado una cosa muy curiosa. Delante de Las Meninas estaban dos orientales, uno de unos cuarenta años y otro más joven, de unos treinta. Y el mayor le estaba explicando el cuadro al otro. Y no sé qué le habrá dicho, que el joven, de golpe y porrazo, se ha puesto a llorar... no sé si de emoción o de qué, pues, lógicamente, no entendía que le estaba contando. Y cuando más le hablaba, más lloraba. Luego se ha calmado y se han ido a otra sala.
Pero la historia no termina ahí, pues después del desalojo se lo he comentado a una compañera y me ha dicho que también se ha puesto a llorar delante de El lavatorio, de Tintoretto, del que te hablé el 6 de diciembre.
La verdad, no sé qué le contaría, pero puedo asegurar que el joven, de lágrima fácil, sí que era.
En fin, estando en la sala me he acordado de una anécdota que le pasó a un compañero, Jesús, y que me ha dado permiso para contártela, querido Diario.
Y es que él estaba vigilando la sala 12 cuando se le acercó una mujer y le dijo...
-¿Ese cuadro tiene sangre?
Imagínate el bote que pegó Jesús al oír a la mujer. Salió corriendo a comprobar el cuadro... pero no vio nada.
-Perdone, pero no veo ninguna gota de sangre en el cuadro.
-Sí, ahí, en el cuello del caballo.
-Me parece que eso no es sangre, sino pintura marrón rojiza.
-¡¡¡Ah!!! Es que como pone ahí que Velázquez se quedó con la cabeza, pensé que él quiso representarlo así, con sangre.
-¿¿¿Ehhhh???
Bueno, bueno, bueno. Verdaderamente para comprender esto, querido Diario, antes de nada tienes que leer lo que pone en la cartela. Dice así...
"... en su ejecución Velázquez se reservó zonas como la cabeza del caballo y se sirvió de ayudantes para pintar el vestido y algunas partes del paisaje".
Lógicamente la buena señora no entendió bien el texto. Si bien entendimos tanto mi compañero Jesús como yo, ella interpretó que Velázquez cortó la cabeza al caballo y se la quedó pare él. Y luego dejó el resto del cuerpo a sus ayudantes. Si fuese así... ¡¡¡Será bestia este Velázquez!!!
Si bien creo, la cartela pone claramente que Velázquez pintó la cabeza del caballo y, como era mucho trabajo, las demás partes del caballo las pintaron sus ayudantes.
Velázquez podría ser un hombre con una personalidad fuerte, pero no macabro... ¿o sí? Juzga tú el cuadro, querido Diario. Bueno, tú y todos los cotillas que te leen a hurtadillas... Lo que tiene el caballo en el cuello, ¿es sangre o pintura?
Anda, que no te he dicho qué cuadro era... se titula La reina Isabel de Borbón, a caballo, y lo pintó Diego Rodríguez de Silva y Velázquez hacia el año 1635.
Isabel de Borbón fue la primera mujer del rey Felipe IV, y llevaban veinte años casados cuando Velázquez pintó este cuadro más su compañero, el retrato ecuestre de Felipe IV, a caballo.
En el cuadro que nos ocupa hoy, se ve, querido Diario, a la reina Isabel de Borbón sobre un caballo blanco, dejándose llevar por el paso tranquilo del animal.
Y ahora la pregunta del millón... ¿cómo se sabe que fueron dos o más pintores los que trabajaron en este cuadro? Pues muy sencillo, querido Diario. El estilo que se le ha caracterizado a Velázquez es que pintaba con mano suelta, mal llamada por mi parte, lo reconozco, "a brochazos". Y esa era la grandiosidad de este pintor... para contemplar su obra hay que acercarse, para estudiar su técnica de pincelada, y alejarse, para maravillarse con su obra.
Pues se observa que la cabeza del caballo, el pecho del animal y los correajes que lo adornan son de la mano de Velázquez, con el trazo suelto. Pero el traje de la reina... eso ya es otra historia. Si te fijas bien, querido Diario, es un trabajo muy minucioso. Y no me imagino a Velázquez con el pincelito dibujando uno a uno todos los detalles repetitivos del vestido y de la gualdrapa que protege al caballo. Por eso se sabe que estos fragmentos textiles fueron ejecutados por una mano diferente a la de Velázquez.
Observa el vestido... verás que está compuesto por varios escudos y por el anagrama del nombre de la reina, una "I" envuelta con una "S" y una "B", todas mayúsculas, debajo de una corona real... Isabel de Borbón.
Otra pregunta... ¿en qué lugar estaba la reina? No se sabe, pero si se puede decir que estaba en la costa. Fíjate en el paisaje de delante del caballo... verás un camino que serpentea y llega a una población con una torre cuadrada en el lado derecho. Y detrás se vislumbra el mar.
¡Ah! Cambiando de tema, si te fijas bien, en la pata izquierda del caballo verás... ¿dos patas casi juntas? No, son los famosos "arrepentimientos" de Velázquez, es decir, las modificaciones que hacía cuando lo que había pintado no te gustaba. Bueno, esto no lo hacía Velázquez solamente, sino todos los pintores. Normalmente tapaban los "errores" con una capa de pintura gruesa y no se notaban, pero Velázquez los cubría con "veladuras", que eran capas muy delgadas de pintura, que con el tiempo han perdido fuerza y se han ido transparentado, mostrando así los arrepentimientos. Por eso nuestro caballo tiene dos cuartos delanteros izquierdos.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro La reina Isabel de Borbón, a caballo - hacia 1635 -, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, y otros, que se puede contemplar en la sala 12).
Ya he vuelto al Museo después de las vacaciones. ¿Y a que no sabes qué sala he tenido que vigilar el primer día? ¡¡¡Bien!!! Has acertado... la sala 12, la de Las Meninas. Hacía mucho que no me mandaban allí.
Y después de las vacaciones, me he sentido como en casa...
Primero, porque he vuelto al trabajo, a ese trabajo que no me pesa. Es cierto que no se produce, pero me llena y me enorgullece saber que estoy cuidando un poco, o un mucho, de arte y que entre mis manos hay mucha historia y muchas historias.
Segundo, porque he vuelto a vigilar la sala 12, que es una de mis preferidas. Sé que es una de las salas menos deseadas por los vigilantes, pero debo ser masoquista... a mí me gusta. Si no fuera por la gente que se empeña en no respetar las normas del Museo, sea cual sea, aunque en este caso me refiero a la normativa de no hacer fotografías, sería la sala perfecta para vigilar.
Y tercero, porque he visto a un joven de unos 14 años bailando. Me explico, jejeje...
Me he pasado todas las vacaciones viendo como mi hijo jugaba a Fortnite. Este es un juego "de matar", como todos los famosos últimamente entre la juventud, por desgracia. Pero, bueno, quiero pensar que solo es un juego. Pues bien, en este juego, mientras se espera a que empiece la partida, ya que se tienen que unir cien jugadores, los personajes que ya se han apuntado al juego están juntos en un paisaje y cada uno hace lo que quiere. Unos se entrenan disparando, otros pintan graffitis en el suelo,... y mi hijo se suele poner delante de otro jugador y se pone a bailar... el personaje, no él, claro, jejeje. Y lo gracioso es ver a cuatro o cinco jugadores vestidos de soldados, bailando. Y hay varias clases de baile, como el Swish Swish, que es el baile de los jóvenes que se ha puesto de moda actualmente, o el Justicia Naranja, que no sabría como explicártelo, querido Diario,... pero el que más me gusta es el baile por defecto del juego, que es el que suele hacer el personaje de mi hijo.
Y todo este rollo para decirte que un joven de unos 14 años se ha puesto a bailar, en la misma sala 12, delante de un cuadro, ese Baile por defecto. Me he quedado de piedra, pues lo he reconocido al instante. Y me ha recordado a mi hijo... como si estuviera en casa.
Y, cambiando de tema, ha pasado una cosa muy curiosa. Delante de Las Meninas estaban dos orientales, uno de unos cuarenta años y otro más joven, de unos treinta. Y el mayor le estaba explicando el cuadro al otro. Y no sé qué le habrá dicho, que el joven, de golpe y porrazo, se ha puesto a llorar... no sé si de emoción o de qué, pues, lógicamente, no entendía que le estaba contando. Y cuando más le hablaba, más lloraba. Luego se ha calmado y se han ido a otra sala.
Pero la historia no termina ahí, pues después del desalojo se lo he comentado a una compañera y me ha dicho que también se ha puesto a llorar delante de El lavatorio, de Tintoretto, del que te hablé el 6 de diciembre.
La verdad, no sé qué le contaría, pero puedo asegurar que el joven, de lágrima fácil, sí que era.
En fin, estando en la sala me he acordado de una anécdota que le pasó a un compañero, Jesús, y que me ha dado permiso para contártela, querido Diario.
Y es que él estaba vigilando la sala 12 cuando se le acercó una mujer y le dijo...
-¿Ese cuadro tiene sangre?
Imagínate el bote que pegó Jesús al oír a la mujer. Salió corriendo a comprobar el cuadro... pero no vio nada.
-Perdone, pero no veo ninguna gota de sangre en el cuadro.
-Sí, ahí, en el cuello del caballo.
-Me parece que eso no es sangre, sino pintura marrón rojiza.
-¡¡¡Ah!!! Es que como pone ahí que Velázquez se quedó con la cabeza, pensé que él quiso representarlo así, con sangre.
-¿¿¿Ehhhh???
Bueno, bueno, bueno. Verdaderamente para comprender esto, querido Diario, antes de nada tienes que leer lo que pone en la cartela. Dice así...
"... en su ejecución Velázquez se reservó zonas como la cabeza del caballo y se sirvió de ayudantes para pintar el vestido y algunas partes del paisaje".
Lógicamente la buena señora no entendió bien el texto. Si bien entendimos tanto mi compañero Jesús como yo, ella interpretó que Velázquez cortó la cabeza al caballo y se la quedó pare él. Y luego dejó el resto del cuerpo a sus ayudantes. Si fuese así... ¡¡¡Será bestia este Velázquez!!!
Si bien creo, la cartela pone claramente que Velázquez pintó la cabeza del caballo y, como era mucho trabajo, las demás partes del caballo las pintaron sus ayudantes.
Velázquez podría ser un hombre con una personalidad fuerte, pero no macabro... ¿o sí? Juzga tú el cuadro, querido Diario. Bueno, tú y todos los cotillas que te leen a hurtadillas... Lo que tiene el caballo en el cuello, ¿es sangre o pintura?
Anda, que no te he dicho qué cuadro era... se titula La reina Isabel de Borbón, a caballo, y lo pintó Diego Rodríguez de Silva y Velázquez hacia el año 1635.
Isabel de Borbón fue la primera mujer del rey Felipe IV, y llevaban veinte años casados cuando Velázquez pintó este cuadro más su compañero, el retrato ecuestre de Felipe IV, a caballo.
En el cuadro que nos ocupa hoy, se ve, querido Diario, a la reina Isabel de Borbón sobre un caballo blanco, dejándose llevar por el paso tranquilo del animal.
Y ahora la pregunta del millón... ¿cómo se sabe que fueron dos o más pintores los que trabajaron en este cuadro? Pues muy sencillo, querido Diario. El estilo que se le ha caracterizado a Velázquez es que pintaba con mano suelta, mal llamada por mi parte, lo reconozco, "a brochazos". Y esa era la grandiosidad de este pintor... para contemplar su obra hay que acercarse, para estudiar su técnica de pincelada, y alejarse, para maravillarse con su obra.
Pues se observa que la cabeza del caballo, el pecho del animal y los correajes que lo adornan son de la mano de Velázquez, con el trazo suelto. Pero el traje de la reina... eso ya es otra historia. Si te fijas bien, querido Diario, es un trabajo muy minucioso. Y no me imagino a Velázquez con el pincelito dibujando uno a uno todos los detalles repetitivos del vestido y de la gualdrapa que protege al caballo. Por eso se sabe que estos fragmentos textiles fueron ejecutados por una mano diferente a la de Velázquez.
Observa el vestido... verás que está compuesto por varios escudos y por el anagrama del nombre de la reina, una "I" envuelta con una "S" y una "B", todas mayúsculas, debajo de una corona real... Isabel de Borbón.
Otra pregunta... ¿en qué lugar estaba la reina? No se sabe, pero si se puede decir que estaba en la costa. Fíjate en el paisaje de delante del caballo... verás un camino que serpentea y llega a una población con una torre cuadrada en el lado derecho. Y detrás se vislumbra el mar.
¡Ah! Cambiando de tema, si te fijas bien, en la pata izquierda del caballo verás... ¿dos patas casi juntas? No, son los famosos "arrepentimientos" de Velázquez, es decir, las modificaciones que hacía cuando lo que había pintado no te gustaba. Bueno, esto no lo hacía Velázquez solamente, sino todos los pintores. Normalmente tapaban los "errores" con una capa de pintura gruesa y no se notaban, pero Velázquez los cubría con "veladuras", que eran capas muy delgadas de pintura, que con el tiempo han perdido fuerza y se han ido transparentado, mostrando así los arrepentimientos. Por eso nuestro caballo tiene dos cuartos delanteros izquierdos.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro La reina Isabel de Borbón, a caballo - hacia 1635 -, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, y otros, que se puede contemplar en la sala 12).
jueves, 5 de julio de 2018
Querido Diario, 5 de julio de 2018
Querido Diario:
Hoy ha sido un día tranquilo y me ha dado por pensar más de lo normal... me ha dado por filosofar.
Primeramente te tengo que decir que este trabajo no es tan fácil como la gente se cree. Estar un montón de horas de pie, observando a la gente, sin hablar excepto cuando te preguntan... parece sencillo. Físicamente lo es, pero no lo es tanto psíquicamente. Te pasas mucho tiempo pensando, dándole vueltas al cerebro para que los minutos pasen lo más rápido posible... y si no tienes la cabeza "bien amueblada", malo... muy muy muy malo. Porque piensas de todo, tanto cosas buenas como cosas malas. Yo, por suerte, te tengo a ti, querido Diario, y me dedico a pensar qué contarte y, de vez en cuando, saco el papel que llevo en el bolsillo de la chaqueta y escribo alguna que otra frase para luego comentártela.
Pero hay días que se me "va la pinza".
Hoy, por ejemplo, me ha dado por filosofar sobre nuestro trabajo. Y el tema sobre mi "comedura de coco" ha sido... Verdaderamente, ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
Buena pregunta, ¿verdad, querido Diario? Pues todo ha empezado porque ayer una compañera y amiga, Marina, descubrió una página web que hablaba de ti, con lo que te escribí el día 3 de julio. Y ella me buscó para comentármelo.
Y en los comentarios que hacían los usuarios de esa página sobre lo que te había escrito, había de todo, cosas buenas y cosas malas. Pero se me quedaron grabadas algunas, desgraciadamente las menos positivas... y hoy me he puesto a pensar y a filosofar sobre ellas.
Por ejemplo, sobre lo que te dije de una chica que se estaba poniéndo una rebeca al lado de un cuadro y que casi lo toca, y yo le dije que se separase, un usuario dijo que la culpa era mía porque no me paré a explicarle por qué se tenía que separar.
Uhm... vale, es cierto que en ese caso no se lo expliqué. Pero sí es cierto que la jornada la empiezas con ganas de comerte el mundo, de ser el mejor vigilante de salas del Museo, pero cuando has dicho veintiocho veces que no se pueden hacer fotografías y treinta y tres veces que no se pueden acercar tanto a los cuadros, todo esto en la primera media hora, pues tu ilusión por ser el mejor vigilante se va apagando y ya no reparas en ese pequeño matiz de que también debes explicar a la gente el por qué de las normas del Museo. Y esto me llevó a pensar... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
También, sobre la reacción cortante de la madre cuando le dije a su hija que tuviera cuidado porque se podría caer sobre un cuadro, otro usuario de esa página web dijo que el error era del "segurata quejica, vago y mediocre", o sea, el error era mío, ya que, según su criterio, tenía que dedicarle diez segundos a contarle educadamente a la familia por qué deben comportarse impecablemente en un museo en lugar de ir poniendo cara de perro a cada respuesta incorrecta de un visitante.
Es cierto, tiene razón, una de las recomendaciones del Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público del Vigilante de salas, para ser más exacto la novena, dice...
Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad.
... y seguramente yo, como vigilante de salas, debería explicar a todo los visitantes que hacen una infracción de la normativa, y, sobre todo, el por qué de ella. Tiene razón. Pero... y esto no es una justificación... invito a todas las personas que piensan igual que estén un día como vigilante de un museo como es el Museo del Prado y verán que el desgaste psíquico es muy grande, si se quiere hacer bien el trabajo, claro, y muchas veces cometemos el error de no explicar el por qué de la normativa. Además, intenté cumplir la normativa al darme la vuelta y decidir no decir nada...
Nunca discutir con el visitante...
Y esto me llevó a pensar... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
Es más, cuando vemos que una persona pone los pies en los bancos de sentarse... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Cuando vemos que un visitante está apoyado en la pared y pone la suela del zapato en la pared... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Y cuando vemos a una persona tumbada en el suelo, como la normativa no dice nada al respecto... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Mi respuesta es "sí" y debemos decirles que están haciendo mal, aunque no podamos explicar el por qué de esa norma, pues no es específica del Museo, sino que es de urbanidad.
Y creo que estoy utilizando bien el verbo "deber"... he puesto "debemos". No he utilizado el verbo "tener", ya que no "tenemos" la obligación de explicar la normativa, solo hacerla cumplir, aunque muchas veces "debamos" explicarla.
En fin, me tienes que disculpar, querido Diario, porque hoy no es uno de mis mejores días... me he puesto a filosofar y, a veces, eso no es bueno, porque puede salir el lado negativo que hay en mí... y creo que hoy, desgraciadamente, lo he conseguido.
Ah, también quiero decirte que no todos los comentarios de los usuarios de esa página web han sido negativos, también ha habido muchos positivos o por lo menos neutros, la mayoría positivos, pero, no sé por qué, me he fijado más en los negativos... ¿seré masoquista?
Y aunque reconozco que algún que otro usuario de esa página me ha "tocado las narices", tengo que dar las gracias a la persona que ha puesto el enlace... ha hecho que más gente te conozca, querido Diario. Y eso me alegra. Por tanto... gracias.
Pero, bueno, ahora quiero cambiar de tercio, y me apetece más explicarte un cuadro, pero, ¿cual?
En un principio se me ha ocurrido la Pintura negra Duelo a garrotazos, que pintó Francisco de Goya y Lucientes en una pared de la Quinta del Sordo entre los años 1820 y 1823. Pero, no... buceando por la página web del Museo del Prado he descubierto un cuadro que no conocía y que me ha parecido más "gracioso" para el tema de hoy.
Se titula Zitto, silenzio, che passa la ronda, y lo pintó Jose Luis Pellicer Feñe en el año 1869.
El título de este cuadro está tomado del primer verso del estribillo de una canción militar italiana, La Ronda, compuesta en 1848 por Teobaldo Ciconi.
Como curiosidad, el estribillo dice así...
Zitti, silenzio! Chi passa là?
Passa la ronda. Viva la ronda:
Viva l’Italia, la libertà!
Que traducido dice, más o menos...
¡Calla, silencio! ¿Quién pasa allí?
Pasa la patrulla (la ronda). Viva la patrulla:
¡Viva Italia, la libertad!
Bueno, y aparte de la temática, me ha llamado la atención por el colorido... oscuro, azul y negro, pero atrayente. Está atardeciendo en la rivera de un río. En el horizonte se ve la luz que deja el sol, detrás de la arboleda. La gente va de un lado a otro, a la vez que pasan seis soldados en su ronda... una escena de un atardecer cualquiera junto al río Tiber, me imagino, ya que este cuadro lo pintó Pellicer cuando estaba en Roma ampliando su formación artística.
Soy así de simple, pero lo que más me ha atraído ha sido el farol encendido... es un punto de luz entre la penumbra del cielo azul oscuro. No sé por qué, no tiene explicación, pero me atrae, cual mosquito, jejeje.
¡Ah! Este cuadro participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes del año 1871, y obtuvo la Tercera medalla.
En fin, poco más te puedo decir de este cuadro... bueno, sí, que si vais al Museo, no te lo digo a ti, querido Diario, que no tienes piernas, sino a los cotillas que te leen a hurtadillas, no busquéis esta obra de arte por las salas, ya que no está en Madrid. Está prestado, lo que nosotros llamamos "en depósito" en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Zitto, silenzio, che passa la ronda - 1869 -, de José Luis Pellicer Feñe, que se puede contemplar en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona).
Hoy ha sido un día tranquilo y me ha dado por pensar más de lo normal... me ha dado por filosofar.
Primeramente te tengo que decir que este trabajo no es tan fácil como la gente se cree. Estar un montón de horas de pie, observando a la gente, sin hablar excepto cuando te preguntan... parece sencillo. Físicamente lo es, pero no lo es tanto psíquicamente. Te pasas mucho tiempo pensando, dándole vueltas al cerebro para que los minutos pasen lo más rápido posible... y si no tienes la cabeza "bien amueblada", malo... muy muy muy malo. Porque piensas de todo, tanto cosas buenas como cosas malas. Yo, por suerte, te tengo a ti, querido Diario, y me dedico a pensar qué contarte y, de vez en cuando, saco el papel que llevo en el bolsillo de la chaqueta y escribo alguna que otra frase para luego comentártela.
Pero hay días que se me "va la pinza".
Hoy, por ejemplo, me ha dado por filosofar sobre nuestro trabajo. Y el tema sobre mi "comedura de coco" ha sido... Verdaderamente, ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
Buena pregunta, ¿verdad, querido Diario? Pues todo ha empezado porque ayer una compañera y amiga, Marina, descubrió una página web que hablaba de ti, con lo que te escribí el día 3 de julio. Y ella me buscó para comentármelo.
Y en los comentarios que hacían los usuarios de esa página sobre lo que te había escrito, había de todo, cosas buenas y cosas malas. Pero se me quedaron grabadas algunas, desgraciadamente las menos positivas... y hoy me he puesto a pensar y a filosofar sobre ellas.
Por ejemplo, sobre lo que te dije de una chica que se estaba poniéndo una rebeca al lado de un cuadro y que casi lo toca, y yo le dije que se separase, un usuario dijo que la culpa era mía porque no me paré a explicarle por qué se tenía que separar.
Uhm... vale, es cierto que en ese caso no se lo expliqué. Pero sí es cierto que la jornada la empiezas con ganas de comerte el mundo, de ser el mejor vigilante de salas del Museo, pero cuando has dicho veintiocho veces que no se pueden hacer fotografías y treinta y tres veces que no se pueden acercar tanto a los cuadros, todo esto en la primera media hora, pues tu ilusión por ser el mejor vigilante se va apagando y ya no reparas en ese pequeño matiz de que también debes explicar a la gente el por qué de las normas del Museo. Y esto me llevó a pensar... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
También, sobre la reacción cortante de la madre cuando le dije a su hija que tuviera cuidado porque se podría caer sobre un cuadro, otro usuario de esa página web dijo que el error era del "segurata quejica, vago y mediocre", o sea, el error era mío, ya que, según su criterio, tenía que dedicarle diez segundos a contarle educadamente a la familia por qué deben comportarse impecablemente en un museo en lugar de ir poniendo cara de perro a cada respuesta incorrecta de un visitante.
Es cierto, tiene razón, una de las recomendaciones del Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público del Vigilante de salas, para ser más exacto la novena, dice...
Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad.
... y seguramente yo, como vigilante de salas, debería explicar a todo los visitantes que hacen una infracción de la normativa, y, sobre todo, el por qué de ella. Tiene razón. Pero... y esto no es una justificación... invito a todas las personas que piensan igual que estén un día como vigilante de un museo como es el Museo del Prado y verán que el desgaste psíquico es muy grande, si se quiere hacer bien el trabajo, claro, y muchas veces cometemos el error de no explicar el por qué de la normativa. Además, intenté cumplir la normativa al darme la vuelta y decidir no decir nada...
Nunca discutir con el visitante...
Y esto me llevó a pensar... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes o ellos tienen que venir ya educados de casa?
Es más, cuando vemos que una persona pone los pies en los bancos de sentarse... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Cuando vemos que un visitante está apoyado en la pared y pone la suela del zapato en la pared... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Y cuando vemos a una persona tumbada en el suelo, como la normativa no dice nada al respecto... ¿los vigilantes de salas tenemos que educar a los visitantes?
Mi respuesta es "sí" y debemos decirles que están haciendo mal, aunque no podamos explicar el por qué de esa norma, pues no es específica del Museo, sino que es de urbanidad.
Y creo que estoy utilizando bien el verbo "deber"... he puesto "debemos". No he utilizado el verbo "tener", ya que no "tenemos" la obligación de explicar la normativa, solo hacerla cumplir, aunque muchas veces "debamos" explicarla.
En fin, me tienes que disculpar, querido Diario, porque hoy no es uno de mis mejores días... me he puesto a filosofar y, a veces, eso no es bueno, porque puede salir el lado negativo que hay en mí... y creo que hoy, desgraciadamente, lo he conseguido.
Ah, también quiero decirte que no todos los comentarios de los usuarios de esa página web han sido negativos, también ha habido muchos positivos o por lo menos neutros, la mayoría positivos, pero, no sé por qué, me he fijado más en los negativos... ¿seré masoquista?
Y aunque reconozco que algún que otro usuario de esa página me ha "tocado las narices", tengo que dar las gracias a la persona que ha puesto el enlace... ha hecho que más gente te conozca, querido Diario. Y eso me alegra. Por tanto... gracias.
Pero, bueno, ahora quiero cambiar de tercio, y me apetece más explicarte un cuadro, pero, ¿cual?
En un principio se me ha ocurrido la Pintura negra Duelo a garrotazos, que pintó Francisco de Goya y Lucientes en una pared de la Quinta del Sordo entre los años 1820 y 1823. Pero, no... buceando por la página web del Museo del Prado he descubierto un cuadro que no conocía y que me ha parecido más "gracioso" para el tema de hoy.
Se titula Zitto, silenzio, che passa la ronda, y lo pintó Jose Luis Pellicer Feñe en el año 1869.
El título de este cuadro está tomado del primer verso del estribillo de una canción militar italiana, La Ronda, compuesta en 1848 por Teobaldo Ciconi.
Como curiosidad, el estribillo dice así...
Zitti, silenzio! Chi passa là?
Passa la ronda. Viva la ronda:
Viva l’Italia, la libertà!
Que traducido dice, más o menos...
¡Calla, silencio! ¿Quién pasa allí?
Pasa la patrulla (la ronda). Viva la patrulla:
¡Viva Italia, la libertad!
Bueno, y aparte de la temática, me ha llamado la atención por el colorido... oscuro, azul y negro, pero atrayente. Está atardeciendo en la rivera de un río. En el horizonte se ve la luz que deja el sol, detrás de la arboleda. La gente va de un lado a otro, a la vez que pasan seis soldados en su ronda... una escena de un atardecer cualquiera junto al río Tiber, me imagino, ya que este cuadro lo pintó Pellicer cuando estaba en Roma ampliando su formación artística.
Soy así de simple, pero lo que más me ha atraído ha sido el farol encendido... es un punto de luz entre la penumbra del cielo azul oscuro. No sé por qué, no tiene explicación, pero me atrae, cual mosquito, jejeje.
¡Ah! Este cuadro participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes del año 1871, y obtuvo la Tercera medalla.
En fin, poco más te puedo decir de este cuadro... bueno, sí, que si vais al Museo, no te lo digo a ti, querido Diario, que no tienes piernas, sino a los cotillas que te leen a hurtadillas, no busquéis esta obra de arte por las salas, ya que no está en Madrid. Está prestado, lo que nosotros llamamos "en depósito" en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Zitto, silenzio, che passa la ronda - 1869 -, de José Luis Pellicer Feñe, que se puede contemplar en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona).
martes, 3 de julio de 2018
Querido Diario, 3 de julio de 2018
Querido Diario:
Cada día que pasa estoy más convencido que la inconsciencia de los visitantes de museos aumenta por momentos. Me explico... al hablar de inconsciencia quiero decir que las personas no son conscientes de sus actos respecto a la seguridad de las obras de arte, sin maldad, claro.
Por ejemplo, hoy una chica de unos veinte años estaba enfrente de un cuadro, tocando la cuerda de la catenaria con las rodillas, para más inri forzándola, a la vez que se estaba poniendo una rebeca. En un principio, ponerse una rebeca no es motivo de alarmarse, pero sí cuando ves que está moviendo los brazos sin control a diez centímetros del cuadro. Y cuando le he dicho...
-Por favor, apártese del cuadro para ponerse la rebeca.
... ella me ha mirado con cara de...
-Y, ¿por qué?
En fin, que con la mirada me ha perdonado la vida por momentos.
Pero esa persona no ha sido la única. Entiendo que una niña no tenga esa consciencia, pero los adultos... debería tenerla, digo yo.
Estando vigilando en una sala, ha entrado una familia que constaba de un padre que iba con la audio-guía a lo suyo. Me he dado cuenta que iba con la familia porque al final de la historia se han puesto a hablar. Sigo, la familia constaba también de una madre hablando con la abuela, sin estar pendientes de los cuadros, llevando un carrito de niño, con uno de unos tres años. Y remataba la familia una niña de unos nueve o diez años que, pasando de los cuadros, como su madre y su abuela, se ha puesto a hacer baile clásico en mitad de la sala. Lo cierto que lo hacía muy bien. Supongo que dentro de unos cinco o seis años será una muy buena bailarina de clásico. En un principio, como había muy poca gente en la sala, no he dicho nada, pero, claro, cuando cerca de un cuadro ha levantado una pierna hacia atrás y la suela la ha puesto encima del moño... oñe, qué flexibilidad... pero, qué peligro. En ese momento se ha desequilibrado y ha tenido que dar tres saltitos para estabilizase y no caerse mientras bajaba la pierna...
-Tenga cuidado, a ver si se va a caer encima de un cuadro.
En el Museo, yo siempre hablo de usted a todos los visitantes, aunque sean unos niños. Entonces la madre se ha girado y me ha dicho...
-¿La niña? Ella siempre tiene cuidado.
La he mirado con cara de pocos amigos y me he dado media vuelta para no contestarle...
-Señora, ya sabemos que su hija es perfecta, pero el Museo no es el mejor sitio para que se ponga a bailar. Váyanse al parque y ahí que dé todos los saltitos que quiera.
Pero, claro, si dices eso en voz alta, tienes una reclamación segura.
Pero no hay un dos sin tres...
Esto que te voy a contar, querido Diario, pasa mucho. En este caso era un joven de unos dieciséis años, pero me ha pasado con gente de todas las edades. Pues simplemente que llevaba colgada la audio-guía al cuello, como deber ser, pero en vez de escucharla, estaba balanceándola bruscamente de un lado a otro... inconscientemente. Eso, sí, solamente me he acercado y he puesto la palma de la mano en señal de "stop", lo ha entendido y ha parado... hasta otro momento de inconsciencia, claro.
Pero, bueno, cambiando de tema... andá, llevo un buen rato escribiéndote y no te he dicho qué salas me ha tocado vigilar. Pues hoy han sido desde la 7A a la 10A. ¿Que cuáles son? Pues son de Pintura Española del siglo XVII... Ribalta, mi querido Maíno, Zurbarán, Naturalezas muertas de ese siglo y los cuadros del Salón de Reinos antiguo Palacio del Buen Retiro.
¿Sabes, querido Diario? Hacía mucho tiempo que no me acercaba por esas salas y he descubierto un par de cuadros nuevos, ya que los han cambiado. Y uno de ellos es uno de mi pintor preferido... sí, has acertado... de Fray Juan Bautista Maíno.
Se titula San Juan Bautista, y lo pintó antes del año 1613, seguramente sobre el año 1610. ¿Que por qué saben la fecha, sin ser exacta? Pues por dos motivos.
El primero es porque está firmado por Juan Bautista Maíno, sin el "Fray" característico suyo. Eso significa que lo pintó antes de 1613 que es cuando ingresó como dominico en el Convento de San Pedro Mártir de Toledo. A partir de ese momento firmó con el "Fray" delante del nombre.
Y, segundo, seguramente lo pintó en el año 1610 porque es cuando volvió de su viaje a Roma al concluir su decisiva formación y la pintura tiene rasgos de este aprendizaje.
El cuadro es pequeño, pero no quita para ser impresionante... claro, es de Maíno, jejeje.
Bueno, solo mide 14,4 x 19,3 centímetros y está pintado sobre una plancha de cobre bañada en plata. Es que los cuadro sobre cobre de pequeñas dimensiones y muy bien ejecutados fueron muy demandados por algunos coleccionistas italianos de la primera mitad de ese siglo XVII. Según dicen los historiadores, estos coleccionistas disfrutaban de esos "caprichos de gabinete", ya que eran obras que requerían una atención detallada y, sobre todo, certera.
Te he dicho antes, querido Diario, que en la pintura se aprecia su aprendizaje de Roma. Pues no te he mentido... fíjate en san Juan Bautista. Si le observas bien, se nota que Maíno absorbió el arte del claroscuro de Caravaggio y lo plasmó en este mini cuadro.
Pero hay que decir que el estilo claro de Maíno se aprecia muy bien, que es el detalle minucioso de la pincelada. Yo siempre he dicho que muchos cuadros hay que verlos de lejos, porque de cerca solo se ven brochazos, bien dados, claro, pero brochazos... bueno, pinceladas. Con los cuadro de Maíno, eso no hace falta hacerlo... se ven igual de bien de cerca que de lejos. Eso es lo que me encanta de "mi" fraile pintor. Pero, claro, para gustos están los colores... y las pinceladas.
Fíjate en la cara de san Juan. Desde la barbilla al arranque del flequillo mide solamente 11 milímetros, poco más de un centímetro... y se aprecia perfectamente hasta las pestañas del santo. El ciervo que está bebiendo agua en el río mide seis milímetros de alto... y se distinguen perfectamente todas sus partes. Si se aprecia hasta la roña que tiene las uñas de los pies de san Juan Bautista... ¡¡¡IMPRESIONANTE!!! Y no es porque sea de fray Juan Bautista Maíno, sino porque es un muy buen pintor detallista. Si solo tienes que fijarte en el paisaje que está muy completo y que está lleno de muchos detalles realizados con una minuciosidad admirable, para quitarse el sombrero.
¡Ah! Que se me olvidaba... te voy a poner a prueba a ti, querido Diario, y a todos los cotillas que te leen a hurtadillas... Pregunto, ¿dónde está la firma? Pista... se ve perfectamente.
Venga, después de un tiempo prudencial, te lo digo... está en la piedra en la que se apoya san Juan, debajo de su brazo derecho.
Y, otra curiosidad, aunque pintó más, fray Juan Bautista Maíno solo plasmó su firma en cinco obras... una es ellas es ésta.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro San Juan Bautista - Antes de 1613 -, de Juan Bautista Maíno, que se puede contemplar en la sala 7A).
Cada día que pasa estoy más convencido que la inconsciencia de los visitantes de museos aumenta por momentos. Me explico... al hablar de inconsciencia quiero decir que las personas no son conscientes de sus actos respecto a la seguridad de las obras de arte, sin maldad, claro.
Por ejemplo, hoy una chica de unos veinte años estaba enfrente de un cuadro, tocando la cuerda de la catenaria con las rodillas, para más inri forzándola, a la vez que se estaba poniendo una rebeca. En un principio, ponerse una rebeca no es motivo de alarmarse, pero sí cuando ves que está moviendo los brazos sin control a diez centímetros del cuadro. Y cuando le he dicho...
-Por favor, apártese del cuadro para ponerse la rebeca.
... ella me ha mirado con cara de...
-Y, ¿por qué?
En fin, que con la mirada me ha perdonado la vida por momentos.
Pero esa persona no ha sido la única. Entiendo que una niña no tenga esa consciencia, pero los adultos... debería tenerla, digo yo.
Estando vigilando en una sala, ha entrado una familia que constaba de un padre que iba con la audio-guía a lo suyo. Me he dado cuenta que iba con la familia porque al final de la historia se han puesto a hablar. Sigo, la familia constaba también de una madre hablando con la abuela, sin estar pendientes de los cuadros, llevando un carrito de niño, con uno de unos tres años. Y remataba la familia una niña de unos nueve o diez años que, pasando de los cuadros, como su madre y su abuela, se ha puesto a hacer baile clásico en mitad de la sala. Lo cierto que lo hacía muy bien. Supongo que dentro de unos cinco o seis años será una muy buena bailarina de clásico. En un principio, como había muy poca gente en la sala, no he dicho nada, pero, claro, cuando cerca de un cuadro ha levantado una pierna hacia atrás y la suela la ha puesto encima del moño... oñe, qué flexibilidad... pero, qué peligro. En ese momento se ha desequilibrado y ha tenido que dar tres saltitos para estabilizase y no caerse mientras bajaba la pierna...
-Tenga cuidado, a ver si se va a caer encima de un cuadro.
En el Museo, yo siempre hablo de usted a todos los visitantes, aunque sean unos niños. Entonces la madre se ha girado y me ha dicho...
-¿La niña? Ella siempre tiene cuidado.
La he mirado con cara de pocos amigos y me he dado media vuelta para no contestarle...
-Señora, ya sabemos que su hija es perfecta, pero el Museo no es el mejor sitio para que se ponga a bailar. Váyanse al parque y ahí que dé todos los saltitos que quiera.
Pero, claro, si dices eso en voz alta, tienes una reclamación segura.
Pero no hay un dos sin tres...
Esto que te voy a contar, querido Diario, pasa mucho. En este caso era un joven de unos dieciséis años, pero me ha pasado con gente de todas las edades. Pues simplemente que llevaba colgada la audio-guía al cuello, como deber ser, pero en vez de escucharla, estaba balanceándola bruscamente de un lado a otro... inconscientemente. Eso, sí, solamente me he acercado y he puesto la palma de la mano en señal de "stop", lo ha entendido y ha parado... hasta otro momento de inconsciencia, claro.
Pero, bueno, cambiando de tema... andá, llevo un buen rato escribiéndote y no te he dicho qué salas me ha tocado vigilar. Pues hoy han sido desde la 7A a la 10A. ¿Que cuáles son? Pues son de Pintura Española del siglo XVII... Ribalta, mi querido Maíno, Zurbarán, Naturalezas muertas de ese siglo y los cuadros del Salón de Reinos antiguo Palacio del Buen Retiro.
¿Sabes, querido Diario? Hacía mucho tiempo que no me acercaba por esas salas y he descubierto un par de cuadros nuevos, ya que los han cambiado. Y uno de ellos es uno de mi pintor preferido... sí, has acertado... de Fray Juan Bautista Maíno.
Se titula San Juan Bautista, y lo pintó antes del año 1613, seguramente sobre el año 1610. ¿Que por qué saben la fecha, sin ser exacta? Pues por dos motivos.
El primero es porque está firmado por Juan Bautista Maíno, sin el "Fray" característico suyo. Eso significa que lo pintó antes de 1613 que es cuando ingresó como dominico en el Convento de San Pedro Mártir de Toledo. A partir de ese momento firmó con el "Fray" delante del nombre.
Y, segundo, seguramente lo pintó en el año 1610 porque es cuando volvió de su viaje a Roma al concluir su decisiva formación y la pintura tiene rasgos de este aprendizaje.
El cuadro es pequeño, pero no quita para ser impresionante... claro, es de Maíno, jejeje.
Bueno, solo mide 14,4 x 19,3 centímetros y está pintado sobre una plancha de cobre bañada en plata. Es que los cuadro sobre cobre de pequeñas dimensiones y muy bien ejecutados fueron muy demandados por algunos coleccionistas italianos de la primera mitad de ese siglo XVII. Según dicen los historiadores, estos coleccionistas disfrutaban de esos "caprichos de gabinete", ya que eran obras que requerían una atención detallada y, sobre todo, certera.
Te he dicho antes, querido Diario, que en la pintura se aprecia su aprendizaje de Roma. Pues no te he mentido... fíjate en san Juan Bautista. Si le observas bien, se nota que Maíno absorbió el arte del claroscuro de Caravaggio y lo plasmó en este mini cuadro.
Pero hay que decir que el estilo claro de Maíno se aprecia muy bien, que es el detalle minucioso de la pincelada. Yo siempre he dicho que muchos cuadros hay que verlos de lejos, porque de cerca solo se ven brochazos, bien dados, claro, pero brochazos... bueno, pinceladas. Con los cuadro de Maíno, eso no hace falta hacerlo... se ven igual de bien de cerca que de lejos. Eso es lo que me encanta de "mi" fraile pintor. Pero, claro, para gustos están los colores... y las pinceladas.
Fíjate en la cara de san Juan. Desde la barbilla al arranque del flequillo mide solamente 11 milímetros, poco más de un centímetro... y se aprecia perfectamente hasta las pestañas del santo. El ciervo que está bebiendo agua en el río mide seis milímetros de alto... y se distinguen perfectamente todas sus partes. Si se aprecia hasta la roña que tiene las uñas de los pies de san Juan Bautista... ¡¡¡IMPRESIONANTE!!! Y no es porque sea de fray Juan Bautista Maíno, sino porque es un muy buen pintor detallista. Si solo tienes que fijarte en el paisaje que está muy completo y que está lleno de muchos detalles realizados con una minuciosidad admirable, para quitarse el sombrero.
¡Ah! Que se me olvidaba... te voy a poner a prueba a ti, querido Diario, y a todos los cotillas que te leen a hurtadillas... Pregunto, ¿dónde está la firma? Pista... se ve perfectamente.
Venga, después de un tiempo prudencial, te lo digo... está en la piedra en la que se apoya san Juan, debajo de su brazo derecho.
Y, otra curiosidad, aunque pintó más, fray Juan Bautista Maíno solo plasmó su firma en cinco obras... una es ellas es ésta.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro San Juan Bautista - Antes de 1613 -, de Juan Bautista Maíno, que se puede contemplar en la sala 7A).
viernes, 22 de junio de 2018
Querido Diario, 22 de junio de 2018
Querido Diario:
¿Sabes? Los vigilantes de salas tenemos un "Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público". Es un listado de diez recomendaciones que, la verdad, algunas son fáciles de cumplir, como el de mantener una actitud positiva y cuidar la apariencia; o el de saludar y despedirse con un “Buenos días”, “Buenas tardes”, “Adiós” o “Muchas gracias”; o el de mostrar disponibilidad por atender y ayudar al visitante;...
Pero no todas son fáciles de realizar... hay dos de estas diez prácticas que a veces nos cuesta. Bueno, no sé si a mis compañeros les cuesta, pero a mí, muchas veces, sí, aunque intento cumplirlas. Una de estas dos recomendaciones "difíciles" es la quinta, que dice...
"Ser amable con todos y cada uno de los visitantes del Museo del Prado y en cualquier circunstancia, incluso cuando el visitante no lo sea".
Y la otra es la novena...
"Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad".
Cuesta cumplirlas. Es lógico que intentemos ser amables con todos los visitantes y que debemos mantener la calma y actuar con serenidad, pero muchas veces ellos mismos no lo ponen muy muy muy difícil.
Y muchas veces nos cuesta cumplir estas dos normas porque no siempre nos tratan con el respeto que nos merecemos. Un día unas mujeres de unos sesenta años, estando ellas sentadas en un banco de una de las salas, me llamaron a gritos...
-Eh, jefe...
¿Yo, jefe? ¿De quién? Pero, claro, hay que responder con una sonrisa de oreja a oreja... aunque cueste.
Y otra vez a mi compañero Álvaro, que para entenderlo hay que decir que tiene treinta años y mide 1,96 metros de altura... un tiparraco de hombre que nos mira desde su altiplano, allá por las alturas... pues una vez un señor le llamó, también a gritos...
-Ey, chico...
¿Cómo que "ey, chico"? ¿Qué te crees que soy: el chaval de los recados? Álvaro quiere pensar que se lo dijo porque se creyó que era más joven de lo que es... pero él mismo reconoce que aparenta su edad. Aun así, no creo que sea lógico que nos llamen jefe, chico, amigo, oye tú,...
Recuerdo que una vez, estando yo en la sala 16B, que es donde está el único cuadro de Rembrandt que tiene el Museo, que por cierto te hablé de él el 14 de marzo, se me acercó un matrimonio que tenían pinta de ser rusos, o por lo menos del Este de Europa, y vi que el hombre, que me sacaba dos cabezas de altura, tenía el móvil encendido en la opción de cámara enganchado en un palo selfie.
Ah, querido Diario. Te tengo que decir que los palos selfie están prohibidos en el Museo. Tienen que estar recogidos y guardados en el bolso, bolsa, bolsillo,... pero nunca llevarlos en la mano. Simplemente por seguridad, por si a alguien le da por clavarlo en un cuadro.
Pues, como te iba contando, se me acercó el hombre, que como te he dicho me sacaba dos cabezas, con cara de pocos amigos me preguntó...
-¿Rembrandt?
Yo, con la mejor de mis sonrisas, le dije...
-Primeramente, tiene que guardar el palo selfie. No están permitidos en el Museo, ni el palo selfie ni hacer fotografías.
Y él insistiendo...
-No. ¿Rembrandt?
Y yo, señalando la cámara enganchada en el palo...
-Creo que no me ha entendido. No están permitidos ni el palo selfie ni hacer fotografías. Tiene que guardar las dos cosas.
Y mientras yo le señalaba la cámara, él intentó darme un manotazo a mi mano. Menos mal que tuve reflejos y la aparté corriendo, que si no, me da... y entonces tendríamos un problema mayor...
Entonce él me gritó...
-¡¡¡NO!!! ¿¿¿REMBRANDT???
En ese momento usé, por primera vez y única, mi arma secreta... cogí el walkie, se lo enseñé y le dije...
-¿Quiere que llame a Seguridad?
Fue mano de santo. Fue oir la palabra "Seguridad" y, en ese momento, rápidamente, la mujer le cogió el palo selfie, desmontó el móvil y guardó las dos cosas en su bolso...
-Bien. Ahora le informo... el cuadro de Rembrandt está ahí. Solo tenemos uno.
Y se lo señalé. Es más, les acompañé y me puse delante de él para que no hubiera confusión.
Después me quedé temblando, con un mal cuerpo que ni te lo imaginas, querido Diario. Era la primera vez que me ponía nervioso delante de unos visitantes.
Pero la experiencia te da fuerzas. Y es cierto. Te cuento...
Hace un par de meses, cuando me tocó vigilar durante todo el mes las salas 61B-63B, que son del siglo XIX, Rosales, Casado de Alisal, Federico de Madrazo, entre otros, estando por allí se me acercó un señor de unos cuarenta y cinco años, que por cierto llevaba un plano del Museo en la mano, y me preguntó...
-¿El cuadro del niño herido?
-Ehhh... buenas tardes... perdone, en estos momentos no sé a qué cuadro se refiere.
-Sí, hombre, el cuadro del niño herido, que me han dicho que está por aquí...
-Lo siento. No caigo en estos momentos...
-Venga. No pasa nada.
Se dio media vuelta y se marchó.
Luego, al cabo de unos veinte o treinta minutos llegó a mis salas otra vez el hombre, se puso delante de mí y me empezó a dar golpecitos en el hombro izquierdo con el plano que llevaba en la mano, a la vez que me decía con golpes rítmicos de voz y de plano...
-El cuadro / del niño / herido / es / de Sorolla / dicen / que el pescado / es caro.
Ocho golpes de plano que me dio. Ya solo le faltó decirme...
-Que / no / te enteras, / chaval.
... y entonces me hubiera dado cuatro golpes más.
Yo, con la tranquilidad del mundo, cuando terminó de flagelarme con el plano, me miré el hombro izquierdo y luego, mirándole a los ojos fijamente, serio, muy serio, me "limpié" el hombro como si tuviese una pelusa, y después de unos segundos de tensión, le dije sin soltarle la mirada...
-Me alegro que lo haya encontrado.
No sé si se dio cuenta de su error, pero bajó la mirada al suelo y se marcho sin decir nada más.
Pero, claro, en esos momentos te entran ganas de ponerte como un basilisco y escupir por tu boca todas las barbaridades que te sabes, y más, a la vez. Por eso es bueno recordar de vez en cuando la novena recomendación del "Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público"...
"Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad".
En fin, cambiando de tercio, ¿de qué cuadro piensas que te voy a hablar hoy? Pues sí, has acertado, querido Diario. Pero, bueno, al final el flagelador rítmico no se aprendió bien el título del cuadro. Verdaderamente se llama ¡Aún dicen que el pescado es caro! y lo pintó Joaquín Sorolla y Bastida en el año 1894.
Yo creo que es el cuadro más famoso de los pintados por Sorolla... en su juventud, ya que tenía solo veintiún añitos cuando lo pintó... un chaval, jejeje.
Y nos muestra el interior de una bodega de un barco de pesca. En el centro hay un marinero joven, apenas un muchacho... un niño, según mi flagelador... tendido en el suelo después de sufrir un accidente durante la faena. En el torso desnudo le cuelga una medalla. Está atendido cuidadosamente por dos compañeros más adultos... mi flagelador hubiese dicho que más viejos...
Uno de ellos, calvo, le sujeta por los hombros a la vez que está mirando cómo el otro compañero, que por cierto está cubierto por una barretina, le aplica una compresa en la herida que acaba de mojar en el perol de agua que, si te fijas bien, querido Diario, se ve perfectamente en primer plano.
Me llama la atención, a la vez que "me quito el sombrero", metafóricamente hablando, como los dos adultos están concentrados, con el semblante serio, atendido a su compañero de labor. Qué bien supo plasmar Sorolla la psicología de los personajes. Por eso dicen que este cuadro representa una de las escenas más emocionantes de la pintura española del realismo social de fin de siglo XIX.
Fíjate bien, querido Diario... veras que, alrededor de los tres marineros, pueden verse diversos aperos de trabajo y, al fondo a la izquierda, detrás de la viga de madera, hay un montón de pescados, los que fueron apresados durante la accidentada jornada.
Y lo que más me llama la atención de este cuadro es la iluminación. Aunque hay un farol enganchado en el pilar de madera, está apagado. La luz les llega de una supuesta ventana que está fuera del cuadro, en el lado izquierdo, iluminando desde allí la oscura estancia.
¿Y sabes, querido Diario? Este cuadro lo presentó Sorolla en la Exposición Nacional de Pintura en el año 1895 y ganó la primera medalla del certamen. Y no fue la primera "primera medalla" que había ganado en su vida. Tres años antes, en 1892, ya la ganó con la obra ¡¡Otra Margarita!!
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro ¡Aún dicen que el pescado es caro! - 1894 -, de Joaquín Sorolla y Bastida, que se puede contemplar en la sala 62A).
¿Sabes? Los vigilantes de salas tenemos un "Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público". Es un listado de diez recomendaciones que, la verdad, algunas son fáciles de cumplir, como el de mantener una actitud positiva y cuidar la apariencia; o el de saludar y despedirse con un “Buenos días”, “Buenas tardes”, “Adiós” o “Muchas gracias”; o el de mostrar disponibilidad por atender y ayudar al visitante;...
Pero no todas son fáciles de realizar... hay dos de estas diez prácticas que a veces nos cuesta. Bueno, no sé si a mis compañeros les cuesta, pero a mí, muchas veces, sí, aunque intento cumplirlas. Una de estas dos recomendaciones "difíciles" es la quinta, que dice...
"Ser amable con todos y cada uno de los visitantes del Museo del Prado y en cualquier circunstancia, incluso cuando el visitante no lo sea".
Y la otra es la novena...
"Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad".
Cuesta cumplirlas. Es lógico que intentemos ser amables con todos los visitantes y que debemos mantener la calma y actuar con serenidad, pero muchas veces ellos mismos no lo ponen muy muy muy difícil.
Y muchas veces nos cuesta cumplir estas dos normas porque no siempre nos tratan con el respeto que nos merecemos. Un día unas mujeres de unos sesenta años, estando ellas sentadas en un banco de una de las salas, me llamaron a gritos...
-Eh, jefe...
¿Yo, jefe? ¿De quién? Pero, claro, hay que responder con una sonrisa de oreja a oreja... aunque cueste.
Y otra vez a mi compañero Álvaro, que para entenderlo hay que decir que tiene treinta años y mide 1,96 metros de altura... un tiparraco de hombre que nos mira desde su altiplano, allá por las alturas... pues una vez un señor le llamó, también a gritos...
-Ey, chico...
¿Cómo que "ey, chico"? ¿Qué te crees que soy: el chaval de los recados? Álvaro quiere pensar que se lo dijo porque se creyó que era más joven de lo que es... pero él mismo reconoce que aparenta su edad. Aun así, no creo que sea lógico que nos llamen jefe, chico, amigo, oye tú,...
Recuerdo que una vez, estando yo en la sala 16B, que es donde está el único cuadro de Rembrandt que tiene el Museo, que por cierto te hablé de él el 14 de marzo, se me acercó un matrimonio que tenían pinta de ser rusos, o por lo menos del Este de Europa, y vi que el hombre, que me sacaba dos cabezas de altura, tenía el móvil encendido en la opción de cámara enganchado en un palo selfie.
Ah, querido Diario. Te tengo que decir que los palos selfie están prohibidos en el Museo. Tienen que estar recogidos y guardados en el bolso, bolsa, bolsillo,... pero nunca llevarlos en la mano. Simplemente por seguridad, por si a alguien le da por clavarlo en un cuadro.
Pues, como te iba contando, se me acercó el hombre, que como te he dicho me sacaba dos cabezas, con cara de pocos amigos me preguntó...
-¿Rembrandt?
Yo, con la mejor de mis sonrisas, le dije...
-Primeramente, tiene que guardar el palo selfie. No están permitidos en el Museo, ni el palo selfie ni hacer fotografías.
Y él insistiendo...
-No. ¿Rembrandt?
Y yo, señalando la cámara enganchada en el palo...
-Creo que no me ha entendido. No están permitidos ni el palo selfie ni hacer fotografías. Tiene que guardar las dos cosas.
Y mientras yo le señalaba la cámara, él intentó darme un manotazo a mi mano. Menos mal que tuve reflejos y la aparté corriendo, que si no, me da... y entonces tendríamos un problema mayor...
Entonce él me gritó...
-¡¡¡NO!!! ¿¿¿REMBRANDT???
En ese momento usé, por primera vez y única, mi arma secreta... cogí el walkie, se lo enseñé y le dije...
-¿Quiere que llame a Seguridad?
Fue mano de santo. Fue oir la palabra "Seguridad" y, en ese momento, rápidamente, la mujer le cogió el palo selfie, desmontó el móvil y guardó las dos cosas en su bolso...
-Bien. Ahora le informo... el cuadro de Rembrandt está ahí. Solo tenemos uno.
Y se lo señalé. Es más, les acompañé y me puse delante de él para que no hubiera confusión.
Después me quedé temblando, con un mal cuerpo que ni te lo imaginas, querido Diario. Era la primera vez que me ponía nervioso delante de unos visitantes.
Pero la experiencia te da fuerzas. Y es cierto. Te cuento...
Hace un par de meses, cuando me tocó vigilar durante todo el mes las salas 61B-63B, que son del siglo XIX, Rosales, Casado de Alisal, Federico de Madrazo, entre otros, estando por allí se me acercó un señor de unos cuarenta y cinco años, que por cierto llevaba un plano del Museo en la mano, y me preguntó...
-¿El cuadro del niño herido?
-Ehhh... buenas tardes... perdone, en estos momentos no sé a qué cuadro se refiere.
-Sí, hombre, el cuadro del niño herido, que me han dicho que está por aquí...
-Lo siento. No caigo en estos momentos...
-Venga. No pasa nada.
Se dio media vuelta y se marchó.
Luego, al cabo de unos veinte o treinta minutos llegó a mis salas otra vez el hombre, se puso delante de mí y me empezó a dar golpecitos en el hombro izquierdo con el plano que llevaba en la mano, a la vez que me decía con golpes rítmicos de voz y de plano...
-El cuadro / del niño / herido / es / de Sorolla / dicen / que el pescado / es caro.
Ocho golpes de plano que me dio. Ya solo le faltó decirme...
-Que / no / te enteras, / chaval.
... y entonces me hubiera dado cuatro golpes más.
Yo, con la tranquilidad del mundo, cuando terminó de flagelarme con el plano, me miré el hombro izquierdo y luego, mirándole a los ojos fijamente, serio, muy serio, me "limpié" el hombro como si tuviese una pelusa, y después de unos segundos de tensión, le dije sin soltarle la mirada...
-Me alegro que lo haya encontrado.
No sé si se dio cuenta de su error, pero bajó la mirada al suelo y se marcho sin decir nada más.
Pero, claro, en esos momentos te entran ganas de ponerte como un basilisco y escupir por tu boca todas las barbaridades que te sabes, y más, a la vez. Por eso es bueno recordar de vez en cuando la novena recomendación del "Decálogo de buenas prácticas en la atención y trato con el público"...
"Mantener la calma en situaciones difíciles, nunca discutir con el visitante, actuando con serenidad".
En fin, cambiando de tercio, ¿de qué cuadro piensas que te voy a hablar hoy? Pues sí, has acertado, querido Diario. Pero, bueno, al final el flagelador rítmico no se aprendió bien el título del cuadro. Verdaderamente se llama ¡Aún dicen que el pescado es caro! y lo pintó Joaquín Sorolla y Bastida en el año 1894.
Yo creo que es el cuadro más famoso de los pintados por Sorolla... en su juventud, ya que tenía solo veintiún añitos cuando lo pintó... un chaval, jejeje.
Y nos muestra el interior de una bodega de un barco de pesca. En el centro hay un marinero joven, apenas un muchacho... un niño, según mi flagelador... tendido en el suelo después de sufrir un accidente durante la faena. En el torso desnudo le cuelga una medalla. Está atendido cuidadosamente por dos compañeros más adultos... mi flagelador hubiese dicho que más viejos...
Uno de ellos, calvo, le sujeta por los hombros a la vez que está mirando cómo el otro compañero, que por cierto está cubierto por una barretina, le aplica una compresa en la herida que acaba de mojar en el perol de agua que, si te fijas bien, querido Diario, se ve perfectamente en primer plano.
Me llama la atención, a la vez que "me quito el sombrero", metafóricamente hablando, como los dos adultos están concentrados, con el semblante serio, atendido a su compañero de labor. Qué bien supo plasmar Sorolla la psicología de los personajes. Por eso dicen que este cuadro representa una de las escenas más emocionantes de la pintura española del realismo social de fin de siglo XIX.
Fíjate bien, querido Diario... veras que, alrededor de los tres marineros, pueden verse diversos aperos de trabajo y, al fondo a la izquierda, detrás de la viga de madera, hay un montón de pescados, los que fueron apresados durante la accidentada jornada.
Y lo que más me llama la atención de este cuadro es la iluminación. Aunque hay un farol enganchado en el pilar de madera, está apagado. La luz les llega de una supuesta ventana que está fuera del cuadro, en el lado izquierdo, iluminando desde allí la oscura estancia.
¿Y sabes, querido Diario? Este cuadro lo presentó Sorolla en la Exposición Nacional de Pintura en el año 1895 y ganó la primera medalla del certamen. Y no fue la primera "primera medalla" que había ganado en su vida. Tres años antes, en 1892, ya la ganó con la obra ¡¡Otra Margarita!!
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro ¡Aún dicen que el pescado es caro! - 1894 -, de Joaquín Sorolla y Bastida, que se puede contemplar en la sala 62A).
jueves, 21 de junio de 2018
Querido Diario, 21 de junio de 2018
Querido Diario:
Hoy he tenido que vigilar algunas salas de Velázquez y de Murillo, entre otros autores. Y eso me ha recordado una anécdota que me contó ayer mismo mi compañera Gema sobre un cuadro de estas salas. Te cuento...
Estaba Gema vigilando las salas cuando, delante de un cuadro, un grupo de cuatro personas de raza negra se le acercaron y uno le dijo, señalando al cuadro...
-¿Cuánto?
-Perdone, ¿¿¿???...
-¿Cuanto?
-Disculpe, pero no sé qué quiere decir.
-¿Cuánto? Comprar.
... y según me contó mi compañera, en ese momento llegó otra persona más al grupo y, en perfecto inglés, les dijo...
-Aquí no se compra. Esto es un museo.
Yo me imagino que pensarían que el Museo del Prado es una galería de arte, digo yo. Porque si no, no se entiende el afán de saber cuánto costaba el cuadro.
Y esto me hace recapacitar sobre lo que tenemos entre nuestras manos. Los vigilantes de salas, como estamos tan acostumbrados a estar entre estas obras de arte, no las valoramos... y no valoramos nuestro trabajo. Qué importante es nuestro día a día... y qué importante es la labor que nos encomiendan. Si lo piensas bien, querido Diario, da vértigo. Saber que en nuestras manos está la seguridad de miles... no... millones de euros. ¡¡¡Qué orgullo y a la vez qué responsabilidad!!! Me siento el rey del mundo, orgulloso de mí mismo, y a la vez me siento insignificante... si solo vigilo. ¡Qué paradoja!
En fin, dejemos de ponernos metafísicos, querido Diario, y vayamos a lo nuestro, que es hablarte de un cuadro... ¿Que cuál? Pues el que querían comprar estas personas.
Se titula Vista de Zaragoza, y lo pintó Juan Bautista Martínez del Mazo en el año 1647.
No, si el buen hombre no tenía mal ojo para elegir un cuadro para comprarlo. Es hermoso, sobre todo en proporciones. Mide, si bien recuerdo, 331 x 181 centímetros... más de tres metros de ancho por casi dos de alto. ¡¡¡Hermosote!!!
Y como su propio nombre indica, es una vista de la ciudad de Zaragoza desde la orilla opuesta del río Ebro. Pero no representa un día cualquiera, sino uno de los días en que entró el rey Felipe IV a la ciudad. Si te fijas bien, querido Diario, se ve la comitiva, muy diminuta, al otro lado del río, en el centro del cuadro. Verdaderamente ese acontecimiento es una simple y llana excusa para crear esta magnífica vista de la ciudad que, sobre todo, los protagonistas son el río, el cielo y los distintos grupos de personas.
¿Sabes? Juan Bautista Martínez del Mazo era el yerno de Velázquez ya que éste se casó en 1633 con Francisca Velázquez, hija del pintor sevillano. Y según los expertos, solo Juan Bautista supo asimilar muy bien el estilo de su suegro, ya que estaba dotado de grandes recursos técnicos.
Es más, en este cuadro, en la esquina inferior derecha hay una inscripción en la que se aclara la autoría por parte de Martínez del Mazo, pero a pesar de esto, durante muchísimos años se consideró que este cuadro lo habían pintado los dos en colaboración. Según se creía, al yerno le correspondía la parte urbana y al suegro el primer plano con los grupos de figuras. Se ha estudiado a fondo y a día de hoy nadie pone en duda que la obra es íntegramente de Juan Bautista Martínez del Mazo.
¿Quieres que te cuente un secreto que muy pocos conocen? Escucha, escucha...
Durante uno de los estudios técnicos y proceso de limpieza y restauración de la obra, se comprobó que debajo de los barnices y de unos repintes hay tres motivos ocultos en la parte superior del cuadro, en el cielo. A la izquierda está el escudo de la Corona de Aragón. En el centro, la imagen de la Virgen del Pilar y a la derecha el escudo de la ciudad de Zaragoza. Según me han dicho, los escudos están rodeados por una corona de laurel, cada uno, claro, y la Virgen lleva un manto que cubre gran parte de su cuerpo y deja ver la parte inferior de la columna... del pilar.
¿Que quién los tapó y por qué? Según dijeron los restauradores, los escudos fueron suprimidos a base de un lijado de la pintura y luego se hizo el repinte del cielo. No saben en qué momento se hizo, pero lo que sí saben seguro es que esas modificaciones formaron parte del cuadro final. Es decir, que las hizo el propio Martínez del Mazo.
Mas, mas... te cuento más... según dicen los que analizaron el cuadro, estos escudos y la Virgen fueron acabados por completo. No fueron simples bocetos que luego el pintor rectificó y los borró. No. Estaban terminados. Y lo más curioso es que trabajó mucho en su elaboración. Incluso los restauradores pudieron ver las huellas que hizo el compás que utilizó Martínez del Mazo para hacer el trazado de la corona y del círculo de ángeles que rodeaban la cabeza de la Virgen.
Entonces, ¿por qué ocultó estos escudos y la Virgen? La verdad... pues no se sabe qué cosas pasaron por la cabeza del pintor para ocultar estos detalles. Se cree, y te repito, querido Diario... los expertos creen que fue por razones de composición y de descripción, ya que los escudos y la Virgen eran de un tamaño considerable, casi llenando todo el cielo, y dejaban a toda la composición inferior muy empequeñecida. Al final lo que quiso resaltar fue solamente el ciudad de Zaragoza, sin añadidos superiores. Pero, claro, es una suposición de los expertos.
¿Que por qué ocultó estos escudos y la Virgen? La verdad... a saber.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Vista de Zaragoza - 1647 -, de Juan Bautista Martínez del Mazo, que se puede contemplar en la sala 15).
Hoy he tenido que vigilar algunas salas de Velázquez y de Murillo, entre otros autores. Y eso me ha recordado una anécdota que me contó ayer mismo mi compañera Gema sobre un cuadro de estas salas. Te cuento...
Estaba Gema vigilando las salas cuando, delante de un cuadro, un grupo de cuatro personas de raza negra se le acercaron y uno le dijo, señalando al cuadro...
-¿Cuánto?
-Perdone, ¿¿¿???...
-¿Cuanto?
-Disculpe, pero no sé qué quiere decir.
-¿Cuánto? Comprar.
... y según me contó mi compañera, en ese momento llegó otra persona más al grupo y, en perfecto inglés, les dijo...
-Aquí no se compra. Esto es un museo.
Yo me imagino que pensarían que el Museo del Prado es una galería de arte, digo yo. Porque si no, no se entiende el afán de saber cuánto costaba el cuadro.
Y esto me hace recapacitar sobre lo que tenemos entre nuestras manos. Los vigilantes de salas, como estamos tan acostumbrados a estar entre estas obras de arte, no las valoramos... y no valoramos nuestro trabajo. Qué importante es nuestro día a día... y qué importante es la labor que nos encomiendan. Si lo piensas bien, querido Diario, da vértigo. Saber que en nuestras manos está la seguridad de miles... no... millones de euros. ¡¡¡Qué orgullo y a la vez qué responsabilidad!!! Me siento el rey del mundo, orgulloso de mí mismo, y a la vez me siento insignificante... si solo vigilo. ¡Qué paradoja!
En fin, dejemos de ponernos metafísicos, querido Diario, y vayamos a lo nuestro, que es hablarte de un cuadro... ¿Que cuál? Pues el que querían comprar estas personas.
Se titula Vista de Zaragoza, y lo pintó Juan Bautista Martínez del Mazo en el año 1647.
No, si el buen hombre no tenía mal ojo para elegir un cuadro para comprarlo. Es hermoso, sobre todo en proporciones. Mide, si bien recuerdo, 331 x 181 centímetros... más de tres metros de ancho por casi dos de alto. ¡¡¡Hermosote!!!
Y como su propio nombre indica, es una vista de la ciudad de Zaragoza desde la orilla opuesta del río Ebro. Pero no representa un día cualquiera, sino uno de los días en que entró el rey Felipe IV a la ciudad. Si te fijas bien, querido Diario, se ve la comitiva, muy diminuta, al otro lado del río, en el centro del cuadro. Verdaderamente ese acontecimiento es una simple y llana excusa para crear esta magnífica vista de la ciudad que, sobre todo, los protagonistas son el río, el cielo y los distintos grupos de personas.
¿Sabes? Juan Bautista Martínez del Mazo era el yerno de Velázquez ya que éste se casó en 1633 con Francisca Velázquez, hija del pintor sevillano. Y según los expertos, solo Juan Bautista supo asimilar muy bien el estilo de su suegro, ya que estaba dotado de grandes recursos técnicos.
Es más, en este cuadro, en la esquina inferior derecha hay una inscripción en la que se aclara la autoría por parte de Martínez del Mazo, pero a pesar de esto, durante muchísimos años se consideró que este cuadro lo habían pintado los dos en colaboración. Según se creía, al yerno le correspondía la parte urbana y al suegro el primer plano con los grupos de figuras. Se ha estudiado a fondo y a día de hoy nadie pone en duda que la obra es íntegramente de Juan Bautista Martínez del Mazo.
¿Quieres que te cuente un secreto que muy pocos conocen? Escucha, escucha...
Durante uno de los estudios técnicos y proceso de limpieza y restauración de la obra, se comprobó que debajo de los barnices y de unos repintes hay tres motivos ocultos en la parte superior del cuadro, en el cielo. A la izquierda está el escudo de la Corona de Aragón. En el centro, la imagen de la Virgen del Pilar y a la derecha el escudo de la ciudad de Zaragoza. Según me han dicho, los escudos están rodeados por una corona de laurel, cada uno, claro, y la Virgen lleva un manto que cubre gran parte de su cuerpo y deja ver la parte inferior de la columna... del pilar.
¿Que quién los tapó y por qué? Según dijeron los restauradores, los escudos fueron suprimidos a base de un lijado de la pintura y luego se hizo el repinte del cielo. No saben en qué momento se hizo, pero lo que sí saben seguro es que esas modificaciones formaron parte del cuadro final. Es decir, que las hizo el propio Martínez del Mazo.
Mas, mas... te cuento más... según dicen los que analizaron el cuadro, estos escudos y la Virgen fueron acabados por completo. No fueron simples bocetos que luego el pintor rectificó y los borró. No. Estaban terminados. Y lo más curioso es que trabajó mucho en su elaboración. Incluso los restauradores pudieron ver las huellas que hizo el compás que utilizó Martínez del Mazo para hacer el trazado de la corona y del círculo de ángeles que rodeaban la cabeza de la Virgen.
Entonces, ¿por qué ocultó estos escudos y la Virgen? La verdad... pues no se sabe qué cosas pasaron por la cabeza del pintor para ocultar estos detalles. Se cree, y te repito, querido Diario... los expertos creen que fue por razones de composición y de descripción, ya que los escudos y la Virgen eran de un tamaño considerable, casi llenando todo el cielo, y dejaban a toda la composición inferior muy empequeñecida. Al final lo que quiso resaltar fue solamente el ciudad de Zaragoza, sin añadidos superiores. Pero, claro, es una suposición de los expertos.
¿Que por qué ocultó estos escudos y la Virgen? La verdad... a saber.
Ahí lo dejo, querido Diario.
(Fotografía del cuadro Vista de Zaragoza - 1647 -, de Juan Bautista Martínez del Mazo, que se puede contemplar en la sala 15).
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