Querido Diario, 4 de octubre de 2018

Querido Diario:

Mes nuevo, salas fijas nuevas. Este mes me toca vigilar las salas 74 y 75, que son las que explican el origen del Museo y el Neoclasicismo.

Sí, querido Diario, sí... son las mismas que tuve en enero de este año, pero, qué más da. Son salas a vigilar igualmente.

¿Sabes? Hoy me ha pasado una cosa muy curiosa...

Yendo a trabajar, en el tren estábamos mi compañera María y yo hablando, y en un momento ella me ha dicho...

-¿Por qué no hablas en tu Diario de "tal" cuadro? Seguro que a muchos cotilla que leemos tu Diario a hurtadillas nos gustará, sobre todo a los que hicimos el examen de la oposición.

Lo de "tal" es para darte más emoción, querido Diario, jejeje.

Y ya sabes que cuando hablo de una obra de arte me gusta hilarlo con algo que me ha sucedido en sala. Pues me he pasado buena tarde dándole vueltas, buscando un hilo conductor para hablarte de ese cuadro, cuando sin más, en el descanso, otra compañera me ha comentado un suceso que le pasó a ella hace muchos años... unos treinta años. ¡Ah! Te tengo que decir que esta compañera fue una de las primeras mujeres vigilantes de salas del Museo. Y me contó...

"Estaba vigilando una sala, no me acuerdo cuál, cuando se me acercó una mujer de mediana edad y me dijo...

-¿Me puede decir dónde están los animales?

Y yo la contesté...

-Los cuadros con animales están repartidos por todas las salas. Está la Cabeza de vendado, de Velázquez, la Riña de gatos, de Goya,...

Me cortó y me dijo...

-No, no. Yo quiero ver los animales de verdad.

Se pensaría que aparte de museo ésto también era un zoo. Pero, bueno, eran otros tiempos".

Y esto me ha servido y me sirve para hablarte, querido Diario, de "tal" cuadro... No quería ver animales, pues toma éste.

Se titula Abril (Tauro), y lo pintó Francesco Bassano. No se sabe la fecha de cuándo lo hizo, pero como nuestro Francesco nació en Bassano del Grappa, en la región de Véneto, en 1549 y falleció en Venecia en 1592, se sabe y se dice que se pintó en el siglo XVI... ¡¡¡Guau, qué deducción más bien estructurada!!!

En fin, el cuadro es de un tamaño mediano. Mide 248 x 153 centímetros... casi dos metros y medio de ancho por metro y medio de alto.

Se cree que la idea de pintar los doce meses del año unidos a los signos del zodiaco fue de Jacopo Bassano, y que tanto él como sus hijos Leandro y nuestro Francesco ejecutaron tres series distintas... una serie pintada por Jacopo, el padre, para el emperador Rodolfo II, a quien agradaron tanto que ofreció al artista el puesto de pintor de corte. La de Leandro está repartida entre Praga y Viena. Y la serie firmada por Francesco está en Museo del Prado, aunque solo quedan siete cuadros de los doce.

Al analizar los cuadros de los hermanos, éstos delatan que varios meses de ambas series tienen una idea común... unos bocetos que se encontraron en a la muerte de Jacopo.

Se sabe, porque hay documentos que lo acreditan, que esta serie de cuadros de Francesco Bassano llegó a la corte española en el año 1591, como regalo de Ferdinando I de Medici al rey español Felipe II.

Sobre el cuadro te puedo decir, querido Diario, que se ve una escena de unos ganaderos sacrificando corderos. La verdad es que está muy bien ejecutada ya que, aunque el tema no es muy atrayente, no hay ningún detalle desagradable.

Y lo curioso, lo que más me ha llamado la atención del cuadro ha sido la vaca en la nube. Lógicamente no es un error del pintor, sino que es la representación de la constelación de Tauro, porque si hubiese pintado solo las estrellas, el que viera el cuadro y no tuviese nociones de astronomía, no sabría que es Tauro.

¡Ah! Me acabo de enterar... aunque Tauro, para los profanos en esta materia, es la unión de catorce estrellas, verdaderamente es la unión de doscientas veintitrés. Lo que pasa que las más brillantes ocultan a las otras.

En fin, ¿sabes, querido Diario? En el examen de oposición que hice para poder seguir trabajando de vigilante de salas del Museo, y por tanto para poder seguir escribiéndote, preguntaron por el autor de este cuadro. Responder bien fue complicado, pues hay que reconocer que no es un cuadro conocido.

¡Ah! Si vais al Museo, no te lo digo a ti, querido Diario, que no tienes piernas, sino a los cotillas que te leen a hurtadillas, no busquéis esta obra de arte por las salas, ya que no está allí. Está prestado, lo que nosotros llamamos "en depósito" en la Real Sociedad Económica Matritense, en Madrid.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro Abril (Tauro) - siglo XVI -, de Francesco Bassano, que se puede contemplar en la Real Sociedad Económica Matritense, en Madrid).

Querido Diario, 25 de septiembre de 2018

Querido Diario:

Hace casi un mes que no te escribo, pero es que mi vida no llegaba a todo... estudiar la oposición, trabajar, estar con la familia, que lo necesitábamos, dormir, aunque poco,... Menos mal que ya ha pasado el día del examen y ya ese tiempo de estudio lo puedo dedicar a las tareas que tuve que aparcar.

Los exámenes de la oposición, porque eran dos el mismo día, me han salido bien. El problemilla es que a muchos opositores también les salieron bien. Me imagino que esteremos todos muy igualados y la diferencia serán décimas de puntos. Seguro que se decidirá con las respuestas erróneas, que descontaban. Bueno, ya está hecho. Y ahora, a esperar.

Cambiando de tema, te quiero contar, querido Diario, que en la sala de descanso de los vigilantes... bueno, de los vigilantes y de todo el personal del Museo, he puesto un cuaderno en blanco para que mis compañeros escriban anécdotas del trabajo para luego contártelas.

Y hoy, a la vez que agradezco sus aportaciones, quiero leerte el primer comentario que escribieron...

"Un día, estando en la sala de las Pinturas Negras, me preguntaron:

-¿Cómo puedo llegar a Caravaggio sin tener que caminar por todo el museo?"

Bueno, para entender este comentario hay que conocer el Museo. Las Pinturas Negras están en la última sala de la zona sur, en la planta baja, y la sala de Caravaggio está en la primera planta, en la zona norte, casi llegando al final. O sea, hay que atravesar "todo" el Museo para llegar allí.

No sé qué contestó mi compañero o compañera, pues no puso su nombre, pero yo, con paciencia le hubiese contestado...

-Lo tiene complicado si no quiere caminar por todo el museo. Tiene dos opciones: puede ir por estas tres salas de Goya, atravesar otras tres salas de pintura del siglo XIX, una más con una exposición temporal, y al llegar a la librería gire a la izquierda donde encontrará una escalera, suba al primer piso, y, entrando en la galería principal, gire a la derecha, parará por la salas de Rubens, Tiziano, Tintoretto, después tendrá que girar a la derecha y entrar a las salas de El Greco, atravesando dos de ellas, gire a la izquierda, pasará dos salas de pintura del siglo XVII, y la siguiente sala es donde está Caravaggio. La otra opción es que en la siguiente sala, gire a la derecha y atraviese el pasillo que le llevará a dos salas de pintura del siglo XIX, las atraviesa junto a otra con esculturas de ese mismo siglo, y antes de llegar a al sala de Rafael, gire a la derecha donde encontrará los ascensores, suba al primer piso y gire a la izquierda, tendrá que atravesar dos salas de Velázquez, la sala de Ribera, las otras dos salas de pintura del siglo XVII, y finalmente llegará a la sala es donde está Caravaggio... pero no se preocupe que no tendrá que atravesar "todo" el museo.

Aunque también hubiese contestado...

-En la siguiente sala, a la izquierda, hay una escalera, suba al primer piso y pregunte a mis compañeros... para no liarle.

Aun así, tendrá que atravesar "casi todo" el museo.

Y además, todo esto para ver un cuadro de Michelangelo Merisi Caravaggio... porque el Museo solo tiene un cuadro de este pintor.

Y esto me viene a la memoria que, un día que estaba vigilando la sala donde está este cuadro, un señor me preguntó...

-Siendo tan importante el Museo del Prado, ¿por qué solo tiene un cuadro de Caravaggio?

No recuerdo qué le respondí, pero, conociéndome, seguro que me vendría para arriba y me explayaría.

Pero la respuesta que te doy a ti, querido Diario, es que el Museo Nacional del Prado no es un museo al uso. Me explico...

Muchos visitantes se creen que este Museo es "normal", es decir, que tiene representaciones de todas las épocas de la historia de la pintura y de todas sus vertientes, con más o menos cuadros.

Pero se equivocan.

Este Museo no es el más grandioso ni el más completo, pero tiene un "algo" que lo hace distinto, y a la vez grandioso, a los demás... y es que fue creado para sacar a la luz los tesoros artísticos que habían ido consiguiendo durante varios siglos los reyes españoles, y que hasta ese momento solo eran conocidos y disfrutados por un grupo pequeño de personas.

Por tanto, este Museo nació del amor por el arte, por el afán coleccionista y por el gusto particular de los monarcas que reinaron en España desde el siglo XV.

Y hablando del cuadro que tiene el Museo de Michelangelo Merisi Caravaggio, se titula David vencedor de Goliat, y lo pintó hacia el año 1600.

Entonces, analicemos la situación... Caravaggio vivió entre los años 1571 y 1610. En ese periodo de tiempo reinaron dos monarcas en España. Por un lado, Felipe II, que se inclinó por adquirir obras del arte flamenco y por sus retratistas de corte, que fueron el holandés Antonio Moro y el español Sánchez Coello. Por tanto no se inclinó por la pintura italiana.

Y por otro lado, reinó en España en la época de Caravaggio Felipe III que no heredó el afán pictórico de su padre, aunque tuvo como retratista del reinado a Juan Pantoja de la Cruz. Y también poseyó cuadros del flamenco Pedro Pablo Rubens.

Por tanto la pintura italiana no fue muy admirada por estos monarcas y nuestro Caravaggio fue un pintor desconocido para ellos.

De todas formas, aunque Caravaggio fuese conocido por nuestros reyes, éste provocaba cierto rechazo entre las personas que le podían encargar trabajos, por su estilo de pintura, que ahora se llama "tenebrismo", ya que utilizaba la luz para aislar las figuras y no crear ni paisajes ni atmósfera. Y seguro que también provocaría rechazo a nuestros monarcas.

Volviendo a nuestro cuadro, la primera mención de esta pintura fue en el inventario que se hizo de las obras de arte del palacio del Buen Retiro de Madrid en 1794, ya en el reinado de Carlos IV.

Es más, a día de hoy se ignora su historia anterior. Se ha supuesto que pudiese proceder de la colección de Juan Bautista Crescenzi, que llegó a Madrid en 1617 y que falleció en 1635, y se sabe que tenía predilección por coleccionar cuadros los artistas "modernos", es decir, los de su época.

Y también se supone que pudiera proceder de la colección del conde de Villamediana, que estuvo en Italia entre los años 1611 y 1615 y que, según dicen las crónicas de la época, poseyó "un David" de Caravaggio.

Pero a ciencia cierta, no se sabe cómo apareció en el Palacio del Buen Retiro.

Y todavía hay más... durante el siglo XIX se creyó que este cuadro no era de Caravaggio sino de alguien de su escuela, pensando que podría ser una copia antigua de un original perdido. Pero se confirmó que su autor fue Caravaggio cuando se hizo una radiografía. En ésta se descubrió una primera versión de la cabeza del gigante con una expresión dramática, con los ojos desorbitados y la boca abierta en un gesto espantoso, igual al cuadro de Medusa, que está en la Galleria degli Uffizi de Florencia, o al de Holofernes, que está en la Galleria Nazionale d`Arte Antica de Roma, y que sí se sabe que son de Caravaggio.

Se cree que el cambio de expresión fue porque el que encargó el cuadro consideró que el gesto original era demasiado violento y por eso se modificó. Eso sí, no hay duda que la radiografía certifica que el lienzo es original de Caravaggio.

¿Sabes, querido Diario? Se dice, pero no se puede confirmar cien por cien, que la cabeza de Goliat era un autorretrato. Pero, repito, no se puede confirmar.

¡Ah! No te he contado nada sobre la historia que narra el cuadro... es la de David y Goliat, que está en el Antiguo Testamento, en el primer libro de Samuel, en el capítulo 17. Narra el intento de conquista del pueblo de los Filisteos sobre los de Israel. En las huestes filisteas estaba Goliat, que medía tres metros. Entonces...

"Goliat se puso en pie y gritó a los escuadrones de Israel: «¿Por qué salís en orden de batalla? ¿No soy yo un filisteo y vosotros servidores de Saúl? Escoged a uno de vosotros para bajar contra mí. Si puede conmigo en el combate y me mata, seremos vuestros esclavos. Pero, si yo puedo con él y lo mato, seréis nuestros esclavos y nos serviréis». Y añadió: «Hoy he avergonzado a los batallones de Israel con mi desafío. Dadme un hombre, para luchar cuerpo a cuerpo»". (1 Samuel 17, 8-10)

David, que era un joven pastor israelita, quiso luchar contra Goliat, y aunque sus hermanos mayores intentaron persuadirle, el jefe de los israelitas, Saúl, lo aceptó. Así, David...

"Agarró el bastón, se escogió cinco piedras lisas del torrente y las puso en su zurrón de pastor y en el morral, y avanzó hacia el filisteo con la honda en mano. El filisteo se fue acercando a David, precedido de su escudero. Fijó su mirada en David y lo despreció, viendo que era un muchacho, rubio y de hermoso aspecto. El filisteo le dijo: «¿Me has tomado por un perro, para que vengas a mí con palos?». Y maldijo a David por sus dioses". (1 Samuel 17, 40-43)

Y después de una "conversación" entre David y Goliat...

"Cuando el filisteo se puso en marcha, avanzando hacia David, este corrió veloz a la línea de combate frente a él. David metió su mano en el zurrón, cogió una piedra, la lanzó con la honda e hirió al filisteo en la frente. La piedra se le clavó en la frente y cayó de bruces en tierra. Así venció David al filisteo con una honda y una piedra. Le golpeó y le mató sin espada en la mano. David echó a correr y se detuvo junto al filisteo. Cogió su espada, la sacó de la vaina y le remató con ella, cortándole la cabeza. Los filisteos huyeron, al ver muerto a su campeón". (1 Samuel 17, 48-51)

Y si te fijas bien, querido Diario, Caravaggio representó en su cuadro justamente la continuación de la historia... es cuando David, una vez cortada la cabeza de Goliat, ata los cabellos del gigante para poder llevar y mostrar el "trofeo" a las tropas de Israel.

Y el relato termina...

"Cuando David volvió de matar al filisteo, lo tomó Abner y lo condujo ante Saúl. Traía en su mano la cabeza del filisteo. Saúl le preguntó: «Muchacho, ¿de quién eres hijo?». David respondió: «Soy hijo de tu siervo Jesé, el de Belén»". (1 Samuel 17, 57-58)

Aunque este cuadro es una muestra más de la originalidad de Caravaggio y de su independencia... ¡¡¡qué romántico, nuestro Caravaggio!!!

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro David vencedor de Goliat - hacia 1600 -, de Michelangelo Merisi Caravaggio, que se puede contemplar en la sala 6).

Querido Diario, 11 de julio de 2018

Querido Diario:

Voy a estar unos días de vacaciones, pero eso no quita para que te escriba sobre notas que tengo en mis papeles de cosas que me pasaron en otro momento, o sobre lo que se me ocurra, relacionada con el Museo, claro.

¿Y sabes, querido Diario? Aunque esté de vacaciones, mi puesto en las salas está asegurado porque el Museo prevé estos días de descanso y nos sustituyen otras personas. Ahí entra las personas que estamos en la bolsa. Y a mí me sustituye en estos días mi compañera Pilar.

Y hoy me tocaría vigilar la sala 39... es una sala de Pintura Francesa que suele ser muy muy muy tranquila, porque está en medio de la nada. Y suele ser una de las salas preferidas por los vigilantes de sala para descansar después de una jornada anterior ajetreada... bueno, creo que ya te hablé de ella el 26 de octubre.

Y pensando sobre esta sala, me acuerdo una discusión, sin sangre, claro, con un compañero, Jaime, sobre qué cuadro expuesto es el más largo. Yo decía que era el cuadro Alegoría de la donación del Casino a la reina Isabel de Braganza por el Ayuntamiento de Madrid, que pintó Vicente López Portaña en el año 1818, que está en la sala 39. Y él decía que era el cuadro Degollación de San Juan Bautista y banquete de Herodes, que pintó Bartholomäus Strobel el Joven entre los años 1630 y 1633, y que se puede contemplar en una sala que no tiene numeración oficial, pero que por su ubicación sería la 11B. Es la sala donde están los ascensores centrales, en la primera planta.

¿Que quién tenía razón? Buena pregunta, querido Diario. Tengo que reconocer que, en un principio, él tenía la razón... ¡¡¡Ohhh!!!

La pregunta era ¿qué cuadro expuesto es el "más largo"? Y la respuesta es Degollación de San Juan Bautista y banquete de Herodes... pero por poco.

Mi cuadro, Alegoría de la donación del Casino a la reina Isabel de Braganza por el Ayuntamiento de Madrid mide de largo 950 centímetros... nueve metros y medio de largo... casi "ná".

Y su cuadro, Degollación de San Juan Bautista y banquete de Herodes, mide 952 centímetros... dos centímetros más que mi cuadro. ¡¡¡Me cachis!!!

Eso sí, si la pregunta fuese ¿que cuadro es el "más grande"? Ahí nos referiríamos a la extensión, no solo a la longitud. Entonces en ese caso ganaría yo. Mi cuadro, la Alegoría, mide 620 centímetros de largo x 950 de alto. En total son 58,9 metros cuadrados. Y su cuadro, la Degollación de San Juan Bautista, mide 952 centímetros de largo x 280 de alto... total, 26,66 metros cuadrados... ¡¡¡Ganaría yo!!!

Pero, claro, soy como soy y, lo siento, no puedo dar mi brazo a torcer, metafóricamente hablando... la pregunta era ¿qué cuadro "expuesto" es el más largo? No dijimos dónde tenía que estar expuesto. Vale, el cuadro tenía que pertenecer al Museo del Prado, eso está claro, pero no especificamos en qué edificio del Museo... podría estar en el edificio Villanueva, que es la parte del edificio más antigua, o en el edificio Jerónimos, que es la parte moderna... o podría estar en otro edificio del Museo, exento al Museo...

Y todo este rollo para decir que "ni pá ti ni pá mí"... el cuadro más largo del Museo no es ninguno de esos dos, de los que te hablé antes, querido Diario, sino que es la Bóveda con la Alegoría del Toisón o Apoteosis de la Monarquía Española, que pintó Luca Giordano hacia el año 1697. Y no está en el edificio que se conoce como Museo del Prado, sino que está en otro edificio, aunque perteneciente al Museo del Prado... en resumen, está en la bóveda del antiguo Salón de Embajadores del Palacio del Buen Retiro... lo que nosotros llamamos con el nombre del Casón del Buen Retiro. Es una pintura al fresco, por lo que no se puede mover de ahí... pero pertenece al Museo del Prado.

Este fresco mide, ni más ni menos, que 21 metros de largo x 14 de ancho... indiscutiblemente es la pintura más larga que tiene el Museo.

En fin, que ni mi compañero Jaime ni yo habíamos acertado.

¿Qué dices, querido Diario? ¿Que te estoy liando? ¿Palacio del Buen Retiro, Casón del Buen Retiro,...? Que quieres que te lo explique. Pues, empecemos...

Entre los años 1556 y 1559, el rey Felipe II pidió al arquitecto Luis de Vega que creara un "cuarto real" en torno a la iglesia de San Jerónimo, para que él, el monarca, pudiera retirarse durante los periodos de Cuaresma, penitencia o luto.

Unos setenta años después de la construcción de este Cuarto Real, en 1629, el rey Felipe IV, por sugerencia del Conde-Duque de Olivares, que era su Valido, decidió ampliarlo, utilizando los terrenos que le cedió el propio Valido junto al Convento de San Jerónimo.

Las obras comenzaron en 1630 bajo la supervisión del arquitecto Alonso Carbonell. En un principio solo se iba a dotar el Cuarto Real de habitaciones para la reina, pero en 1632 se decidió construir un gran palacio que sirviera de lugar de descanso y entretenimiento de los reyes, para que, según palabras del propio Felipe IV, "yo y mis sucesores pudiésemos, sin salir de esta corte, tener alivio y recreación".

Cuando se terminó de construir este palacio, este real sitio cambió su nombre... de Cuarto Real de San Jerónimo pasó a llamarse Casa Real del Buen Retiro.

Al final, el conjunto arquitectónico contó con más de veinte edificios, con jardines, estanques y fuentes.

Entre las distintas estancias de este palacio, las más significativas fueron la planta principal de la antigua ala norte, en donde se ubicaba el Salón de Reinos, el salón de baile o Casón y el teatro o Coliseo, que era de planta ovalada.

Esta Casa Real del Buen Retiro sirvió como residencia de recreo, o retiro, de ahí su nombre, de los reyes Felipe IV y Carlos II. Los dos primeros soberanos de la familia Borbón, es decir, Felipe V y Fernando VI, lo usaron como residencia oficial. Pero bajo los reinados de Carlos III y Carlos IV el palacio fue perdiendo importancia.

Durante la Guerra de la Independencia fue seriamente dañado, y en tiempos de Fernando VII casi todo el complejo palaciego fue demolido, quedando en pie solamente el Casón y el ala donde se ubicaba el Salón de Reinos. Así, el palacio del Retiro perdió su carácter de residencia regia, y sus terrenos se convirtieron en amplios jardines, que sirvieron de lugar de experimentación para los arquitectos que pudieron trabajar sobre ellos.

Finalmente, en 1868 un Decreto del Gobierno provisional transfirió el Real Sitio del Buen Retiro al Ayuntamiento. De todas formas, ya solo quedaban los jardines, muy modificados por los arquitectos experimentadores, el Casón y el ala del edificio que alberga el Salón de Reinos.

Y todo este rollazo, querido Diario, es solo para comentarte que la pintura al fresco de Luca Giordano está en la bóveda del antiguo Salón de Embajadores del Casón del Buen Retiro. Actualmente en este edificio se ubica la biblioteca del Museo del Prado, y en el Salón de Embajadores está la sala de lectura... impresionante.

Merece la pena ir a leer algo, aunque sea simplemente para ver la bóveda. Reconozco, querido Diario, que solo he ido una vez allí, a estudiar,... pero estudié poco... me quedé anonadado, y con tortícolis, mirando hacia arriba, hacia el techo, observando la preciosidad de obra de Giordano.

Sobre la decoración de la bóveda, te puedo decir que representa la apoteosis de la monarquía española.

Luca Giordano utilizó una iconografía repleta de símbolos, personajes históricos y mitológicos, todos relacionados con la monarquía hispánica. Quería mostrar así su antigüedad, su potencia militar y su primacía entre las casas reales europeas.

La escena más conocida es la que da nombre al conjunto. Si miras a la fotografía que te he puesto, querido Diario, está en el centro, abajo del todo... se ve a Hércules entregando el vellocino al Duque de Borgoña, Felipe el Bueno, para que lo coloque en el collar de la orden.

Esta escena se completa en su parte superior con un grupo de personas que representan el escudo de los territorios sometidos a la Casa de Austria: los reinos de Castilla y León, Aragón, Sicilia y Granada y, más abajo, Austria, Borgoña (antigua y moderna), Brabante, Flandes y Tirol.

Y si te fijas bien, querido Diario, encima de este grupo-escudo hay una especie de arco... representa la Corona Real, que acoge al sol en su interior. Y a ambos lados de esta corona, hay dos ninfas, una, la de la derecha, portando una diadema, que simboliza la Realeza, y la otra lleva una rama de olivo, que representa la Paz.

Encima de esta "corona" se ve un círculo, que representa la bóveda celeste, en la que se aprecian varias constelaciones: Géminis, Argos, Tauro, Leo, Draco,...

A continuación, se ve el Parnaso con los dioses del Olimpo, presididos por Júpiter. Y sobre él vuela un águila, que es el símbolo con el que se asocia.

Ahora, querido Diario, tendrías que dar la vuelta a la fotografía para ver bien lo que te voy a explicar. ¿Ya lo has hecho? ¡Bien! Continuo...

Luca Giordano representó a España a través de una figura femenina que tiene en su mano derecha los cuatro cetros de sus reinos. A sus pies, a la derecha, se ven unos señores con las manos atadas en la espalda... representan los pueblos de diversos orígenes y religiones que se someten "mansamente" a la autoridad de España.

Y aunque no se aprecian bien en la fotografía, la herejía, representada por un dragón, el poder temporal, por un león con cetro, los reinos sometidos, representados por armiños y coronas, y las riquezas ganadas en las campañas militares, por monedas, joyas y objetos de oro y plata, también están a los pies de España.

Y si te fijas bien, querido Diario, a la derecha de España hay un angelote que tiene una cartela entre sus manos. En ella se puede leer OMNIBUS UNUS, que quiere decir en español Uno para todos.

En fin, solo te he explicado la zona central, pero esta bóveda tiene muchos más detalles para comentar, pero creo que ya es suficiente por hoy. Espero que no te hayas mareado con tanta vuelta de fotografía.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de la Bóveda con la Alegoría del Toisón o Apoteosis de la Monarquía Española - hacia 1697 -, de Luca Giordano, que se puede contemplar en la Sala Luca Giordano del Casón del Buen Retiro).

Querido Diario, 11 de mayo de 2018

Querido Diario:

Si hoy no me ha dado un infarto, ya no me da. Te cuento...

Es curioso, pero la gente cuando habla por teléfono sube el volumen de la voz... hasta incluso llegar a gritar. No toda, es cierto, pero muchísima gente, sí.

Dicho esto, estaba vigilando mis salas cuando un señor se ha puesto a hablar por teléfono a gritos. Y como la norma del Museo dice que "se ruega a todos los visitantes no utilizar el teléfono móvil durante la visita. En caso de necesidad, llevarlo en modo silencio y evitar molestar al resto del público", me he acercado a él y le he dicho...

-Por favor, para hablar por teléfono le ruego que se dirija al pasillo.

Y le he indicado con gestos dónde estaba el más cercano. Y en su "huida", como había gente que le obstaculizaba, se ha metido por dentro de la catenaria de seguridad, por dentro de la cuerda de separación.

¡¡¡Ha sido peor el remedio que la enfermedad!!!

No ha tocado los cuadros que estaban por donde ha pasado de milagro. Podría haber hecho un estropicio de campenato, pues, al llevar el móvil en ese lado de la cabeza, el codo del brazo que cogía el aparato sobresalía y podría haber dado a los cuadros con él.

Pero, bueno, por suerte solo fue un susto. Yo siempre he dicho que el Museo tiene un Ángel de la Guarda que le protege, que si no...

En fin, cambiando de tema, en el capítulo de "Preguntas absurdas vs. respuestas más absurdas todavía", una mujer de unos cuarenta años que iba con su familia me ha preguntado...

-Si vamos por ahí, ¿vamos bien?

-Ehhh???... síííí... y si van por allí, también van bien...

-Es que ya hemos visto todo esto y es para subir.

-Ah, vale. El Museo tiene varias escaleras y, sí, por ahí hay una. Vayan por esta sala y giren...

Luego apareció otra mujer, pero esta más mayor, de unos sesenta años...

-Los cuadros de Sorolla, ¿sabe dónde se encuentran, más o menos?

-Más o menos, no. Tengo que saberlo...

-Ya me lo imaginaba.

Así sucedió, así te lo cuento, querido Diario.

Y cambiando otra vez de tema, desgraciadamente tengo que volver al de las fotografías... la verdad es que me siento muy cansino, que no muy cansado, de hablar de este tema, pero es "el pan nuestro de cada día".

Hoy, estando en mis salas, en concreto en la sala 61B, que es donde están los cuadros de Eduardo Rosales, ha entrado una chica de unos dieciséis o diecisiete años, a toda prisa, con la cámara del móvil encendida, directa a un cuadro. Y antes que llegase al cuadro...

-Buenas tardes, le informo que no se pueden hacer fotografías en el Museo.

-Vale.

Y se dio media vuelta y se marchó.

¡¡¡Oñe!!! Si te ha gustado tanto el cuadro como para tener la necesidad de hacerle una fotografía, disfrútalo, quédate un rato observando el original. No te conformes con mirar tu fotografía en casa. Disfruta del arte en directo y no de la fotografía en diferido... digo yo.

¿Y sabes, querido Diario, qué cuadro fue a hacer la foto? Pues uno que me encanta. Es de la temática de Pintura de historia y se titula Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V, en Yuste, y lo pintó Eduardo Rosales Gallinas en 1869.

Tras el éxito que tuvo su cuadro Doña Isabel la Católica dictando su testamento, el que te comenté el 6 de mayo, Rosales volvió a trabajar sobre la pintura de historia, pero quiso cambiar de registro, cambiando la moda de los grandes formatos impuesta en los certámenes oficiales para adaptarlos a lo que pedían los clientes. Y es que este cuadro es "relativamente" pequeño, ya que solo mide 123,5 x 76,5 centímetros... un poco más de un metro de largo.

El cuadro representa el momento en que el joven Juan de Austria, que era el hijo natural del viudo rey Carlos I... el emperador Carlos V, y Bárbara Blomberg, es conducido a presencia de su padre, que ya es anciano y está enfermo, en su retiro, en el Monasterio de Yuste. La identidad de este hijo fue mantenida en secreto durante muchos años, y en los últimos años el rey ideó muchas excusas para verle con frecuencia.

¿Y qué ves en el cuadro, querido Diario? Pues a la izquierda vemos al rey Carlos I sentado junto a un gran ventanal, delante de una chimenea. Se aprecia que el rey está enfermo, con ataques de gota, por lo que lleva las piernas cubiertas con una manta y reposa los pies sobre un cojín. Al lado está su perro mastín y dos frailes jerónimos del Monasterio.

Y en el extremo opuesto de la sala, es decir, a la derecha del cuadro, y ante los nobles de su corte, está el tímido "Jeromín", que es como se le llamaba familiarmente a Juan de Austria. Está vestido con ropas de un azul muy intenso. Vemos que su tutor, don Luis de Quijada, le está indicando que se acerque al rey, cuya imponente presencia parece que intimida al joven, ignorante de su parentesco con el monarca.

¿Sabes, querido Diario? El pintor Rosales intentó, y lo consiguió, dar verosimilitud a la escena, ya que estudió, entre otras cosas, la indumentaria de los personajes.

Este cuadro lo empezó a pintar en Roma y desde allí escribió varias cartas a su amigo Gabriel Maureta para preguntarle, por ejemplo, si los frailes jerónimos de Yuste "llevaban o no capucha, y si ésta estaba en la capa o en la sotana; si llevaban cerquillo o no"...

Es más, esta obsesión que tenía para que fuese todo fiel se nota en la decoración de la estancia. Primeramente pintó dos estudios al oleo, la Antecámara del Palazzo Chigi, en Arizzia, que estaba en los alrededores de Roma, y el Estudio de chimenea. Luego refundió estos dos bocetos para crear la cámara del rey del Monasterio de Yuste en este nuestro cuadro.

Pero aun hay más... para conseguir la veracidad de la escena, pintó algo más... Si te fijas bien, querido Diario, en la pared del fondo se ve un tríptico gótico, ¿verdad? Pues a los lados hay dos cuadros más. Son el Ecce Homo, que pintó Tiziano en 1547 y La Dolorosa con las manos abiertas, también de Tiziano que pintó esta vez en 1555. ¿Y por qué Rosales eligió estos dos cuadro para ponerlos en este cuadro, en la sala regia? Pues porque, efectivamente, el rey Carlos I se llevó con él estos dos cuadros a su retiro en el Monasterio de Yuste y, por qué no, podrían estar en la cámara del rey en ese momento.

¡Ah! Estos dos cuadros, el Ecce Homo y la Dolorosa, están actualmente en el Museo del Prado.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Presentación de don Juan de Austria al emperador Carlos V, en Yuste - 1869 -, de Eduardo Rosales Gallinas, que se puede contemplar en la sala 61B; Ecce Homo - 1547 -, y La Dolorosa con las manos abiertas - 1555 -, ambos de Vecellio di Gregorio Tiziano, que a día de hoy se pueden contemplar en la sala D).

Querido Diario, 16 de abril de 2018

Querido Diario:

Hoy he librado, pero me acuerdo un par de anécdotas que me pasaron en el mismo día, hace una semana, más o menos...

Me tocaba vigilar las salas donde están los cuadros de Rafael. Bueno, en el Museo tenemos mucha confianza con él y le llamamos simplemente por su nombre, pero en los demás lugares de la tierra se le conoce por Rafael Sanzio y también como Rafael de Urbino. Pero nosotros somos más chulos que nadie y le llamamos simplemente por su nombre, Rafael.

En fin, estaba vigilando esas salas cuando se me acercó una joven de unos diecinueve o veinte años, un poco alterada, y me preguntó...

-¿Me puede decir dónde está el cuadro Sagrada Familia del Cordero de Rafael? Es que he venido varias veces al Museo del Prado buscando este cuadro, me han dicho que está aquí pero no lo encuentro.

-Es ese cuadro.

-¡Ah, claro! Es que me lo imaginaba más grande. Muchas gracias.

Y es que es verdad, querido Diario. La Sagrada Familia del Cordero es un cuadro muy pequeño y pasa desapercibido si no estás muy atento. Solo mide 21,5 x 28 centímetros... más pequeño que un folio. Eso sí, es precioso.

¿Sabes? Este cuadrito lo pintó Rafael en el año 1507 y está inspirado en un dibujo preparatorio de Leonardo da Vinci para el altar mayor de la Annunciata de Florencia. Y aunque el dibujo de Leonardo se ha perdido y el altar nunca se llegó a realizar, se sabe, por una copia que está en una colección privada, que mostraba a santa Ana sujetando a la Virgen, quien a su vez trataba de impedir que su hijo abrazase al cordero.

Si te fijas bien, querido Diario, la tabla de Rafael, porque este cuadrito está pintado al óleo sobre una tabla, muestra a la Virgen María, al Niño y al cordero, pero santa Ana ha sido sustituida por san José. Además Rafael modifica un poco la escena... la Virgen está ayudando al su Hijo a abrazar al cordero mientras que san José les mira atento y reflexivo.

En fin, volviendo al día que estaba vigilando la sala de Rafael, después del episodio de la joven "buscadora y no encontradora", vi a unos padres con su hija de unos seis o siete años. La madre le preguntó a la niña...

-De todos estos cuadros, ¿cuál te gustaría llevarte a casa?

Y el padre le saltó sin pensárselo...

-Hipotéticamente hablando, ¿verdad?

A lo que la madre le contestó...

-Si, sí, claro. Si empezamos a comprarlos, ya sabes que no pararíamos.

Quiero pensar que estaban irónicamente hablando, porque cada cuadro de estos deben valer muchos millones de euros. Pero, ¿quién sabe? A lo mejor eran unos millonarios que no saben qué hacer con el dinero y si la niña dice que le gusta un cuadro, van a por él.

Al final, después de que la niña recorriera toda la sala con la mirada, señaló uno...

-Éste.

Y señaló ni más ni menos que la Sagrada Familia, llamada la Perla, que pintó Rafael Sanzio, bueno... Rafael, que estamos en el Museo y hay que llamarle así, y que pintó hacia el año 1518.

Ah, ¿sabes por qué se llama así este cuadro, querido Diario? Ya me imaginaba que no... yo tampoco lo sabía. Y me acuerdo que una semana antes, casualidades de la vida, volvíamos a casa en tren un compañero y amigo, Tomás, y yo, y empezamos a hablar de esa sala. A él le tocaba vigilarla todo el mes. Y empezamos a recordar los cuadros de la "Sagrada Familia" que tenía Rafael en el Museo, hasta que llegó el tema de esta Sagrada Familia, llamada la Perla...

-¿Sabes por qué se llama la Perla, Tomás?

-Pues será porque tiene una perla dibujada, como el cuadro de la Sagrada Familia con Rafael, Tobías y San Jerónimo, que se le conoce más por la Virgen del pez porque Tobías tiene un pez en la mano... vamos a investigarlo por internet.

Y sacó su móvil y se puso a buscar el cuadro de La Perla en la página web del Museo del Prado. Y empezamos a rebuscar por todos los lados la famosa perla y... nada. No la encontrábamos.

-Mira la explicación del cuadro, que a lo mejor ahí lo pone.

Efectivamente, querido Diario. Ahí estaba escrito el misterio. ¿Sabes? Se llama así, no porque haya una perla dibujada, sino porque cuando se lo regalaron al rey Felipe IV, éste al verla exclamó...

-He aquí la perla de mis cuadros.

Y de ahí el sobrenombre de "La Perla". Por cierto, desde entonces se le denomina así en varios inventarios.

En este cuadro vemos a la Virgen María, al Niño Jesús, a san Juan Bautista, aunque todo el mundo le dice "san Juanito", a santa Ana, la madre de la Virgen, y a san José.

Y vemos que el Niño Jesús está sentado en las rodillas de su Madre y apoya el pie izquierdo sobre una cuna de mimbre. San Juanito está de pie frente a Jesús y le ofrece unas frutas que tiene dentro de su pelliza. Santa Ana está arrodillada detrás de su nieto, con los ojos cerrados en actitud de meditación, arropada por el abrazo de su hija. Al fondo, al lado derecho, entre unos edificios en ruinas y un puente, tras el vano de una ventana está san José.

Y si te fijas bien, querido Diario, en primer plano, debajo del pie izquierdo de san Juanito, junto a una piedra más o menos grande, hay una concha marina... pero sin perla.

Y después de todo este rollo, me gustaría preguntarte sobre una duda razonable que siempre, siempre, siempre, me ha llamado la atención. Y es... si la Virgen María, san José y santa Ana están vestidos hasta la cabeza, ¿por qué pintan al Niño Jesús solo con unos pañales? Vale que en el Evangelio de san Lucas pone...

"Y sucedió que, mientras estaban allí, le llegó a ella el tiempo del parto y dio a luz a su hijo primogénito , lo envolvió en pañales y lo recostó en un pesebre, porque no había sitio para ellos en la posada". (Lc 2, 6-7)

Pero no me imagino a la Virgen María ser tan mala madre que SOLO le tapase con un pañal. Supongo que tendrá que tener un significado iconográfico. Me imagino que quiere decir que Jesús, el Dios Hijo, se hizo hombre... con toda la sencillez, humildad y pobreza del hombre. Por eso solo fue envuelto con unos simples pañales.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografías de los cuadros Sagrada Familia del Cordero - 1507 - y Sagrada Familia, llamada la Perla - hacia 1518 -, los dos de Rafael, que se pueden contemplar en la sala 49).

Querido Diario, 25 de febrero de 2018

Querido Diario:

Nunca he entendido por qué la gente se empeña en ser "trabajadores" nuestros. Y encima, eso lo llevo muy mal. Te lo explico...

En una de las salas que me tocó vigilar ayer estaban sentadas en uno de los bancos centrales que hay para que descanses los visitantes, un par de señoras de unos sesenta y cinco años cada una. Una tenía una muleta y otra un bastón. Esto de la muleta y del bastón es intrascendente en la historia, pero me llamó la atención y por eso te lo comento. Y una me dijo...

-Jefe, que si se sale por aquí.

... señalándome a una dirección. Yo, lo de "jefe", lo llevo muy mal, lo reconozco. Es más, lo odio. Sé que no me tendría que preocupar, que me tendría que resbalar, pero no puedo con ello. Soy así. Pero hice como si me hubiesen llamado "queridísimo y bien ponderado señor vigilante" y les contesté...

-No, señoras. La salida está en la otra dirección. Nada más salir de esta sala, giren a la izquierda y al final del pasillo está la salida.

-Vale.

-Uhm... De nada.

Bueno, esto último lo pensé. Lógicamente, no lo dije en alto. No fuese que se diesen por aludidas y que después me dieran las gracias. Ni mucho menos. Faltaría más.

Pero, eso sí, me encanta ayudar a los orientales. Por lo menos no me llaman "jefe" y siempre se despiden rompiéndose el espinazo al inclinarse hacia delante...

-"Gacha-a".

-De nada.

Esto sí que lo digo en voz alta, he incluso me inclino yo también. Es que hay que ser agradecido siempre... creo. Por lo menos, así me educaron mis padres.

Bueno, cambiando de tema, ayer me "pillaron" en un renuncio...

Estaba vigilando en las salas de Rafael Sanzio, también conocido por Rafael de Urbino, aunque en el Museo se le conoce por Rafael, así, a secas. Y una señora que estaba mirando un cuadro me preguntó...

-Este es una copia. Pero, ¿dónde está el original de Rafael?

-Pues, la verdad... no lo sé. No tengo ni idea.

Es que estaba viendo el cuadro de la Transfiguración del Señor, pintado por Giovanni Francesco Penni entre los años 1520 y 1528, sobre una copia de un cuadro de Rafael. Entonces, lísto yo, me acerqué a la cartela, le eché un ojo con disimulo y...

-Uhm... está en la Catedral de Narbona.

-Ah, gracias.

Y luego, buscando en internet... ¡¡¡Megggg!!! ¡¡¡Error!!! ¡¡¡Horror!!! ¡¡¡No acerté!!!... actualmente está en los Museos Vaticanos. Me gustaría decir que el error fue de la persona que escribió la cartela, pero no es cierto. En ella ponía...

"La obra original fue encargada en 1516 por el cardenal Giulio de Medici para la catedral de Narbona...".

Solo ponía para dónde estaba encargada. No decía nada dónde estaba actualmente. Por tanto el error fue mio, por "listillo".

Pues sí, querido Diario. La obra original fue encargada a Rafael por el cardenal Giulio de Medici, futuro papa Clemente VII, en 1516 para la Catedral de San Justo de Narbona, en Francia. La obra no fue enviada a Francia, ya que tras la muerte prematura de Rafael, en 1520, el cardenal se quedó con ella, regalándola más tarde a la iglesia de San Pietro in Montorio (San Pedro en el Monte de oro), de Roma.

En 1797, a raíz del Tratado de Tolentino, esta obra de Rafael fue llevada a París y devuelta en 1816, tras la caída de Napoleón. Fue entonces cuando entró a formar parte de la Pinacoteca del papa Pío VII. Por eso, a día de hoy se encuentra en los Museos Vaticanos.

Y tras la muerte de Rafael, el cardenal encargó una copia de este cuadro a Giovanni Francesco Penni, quien la llevó a Nápoles. Y que actualmente es la que contemplamos en nuestro Museo.

¿Sabes, querido Diario? Giovanni Francesco Penni ejerció las funciones de secretario de Rafael, por eso tiene el sobrenombre de il fattorino di Raffaelo (el ayudante de Rafael).

Sobre el cuadro, te tengo que decir, querido Diario, que se describen dos episodios del Evangelio de San Mateo, que están escritos uno detrás del otro, y que en este cuadro da la impresión que es una misma escena... pero no.

Por una lado está arriba la Transfiguración, con el Cristo en Gloria entre los profetas Moisés y Elías.

Y abajo, en primer plano, se ve el encuentro de los apóstoles con el niño endemoniado, que sería curado milagrosamente por Cristo tras su regreso del Monte Tabor.

También te tengo que decir que esta copia tiene algunas diferencias con el original. Por ejemplo, Cristo, Moisés y Elías aparecen rodeados en una aureola que el original no tiene. Además, Penni hizo desaparecer los árboles del paisaje del fondo. Aparte, Rafael utilizaba mucho el claroscuro, y Giovanni Francesco Penni lo atenuó un poco... bueno, para mi gusto, un mucho.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Transfiguración del Señor - 1516-1520 -, de Rafael Sanzio, que está en los Museos Vaticanos, y Transfiguración del Señor - 1520-1528 -, de Giovanni Francesco Penni que se puede contemplar en la sala 49 del Museo Nacional del Prado).

Querido Diario, 5 de enero de 2018

Querido Diario:

Cada vigilante tiene sus preferencias con respecto a las salas del Museo. Unos prefieren las más tranquilas y otros las que tienen más jaleo de gente. Por ejemplo, mi preferida es la sala 12, la de Las Meninas.

Y también tenemos salas que detestamos. Y cada uno tiene sus motivos. A mí, las que menos me gustan son las salas 74 y 75, que son las que explican el origen del Museo y el Neoclasicismo. La verdad es que no sé por qué motivo no me gustan. Simplemente me siento incómodo en ellas. Mis compañeros a los que se lo he comentado, todos dicen que son unas salas "buenas" para vigilar. Si eso no lo discuto, pero no sé, no me gustan. Me siento raro en ellas...

¿Y a que no sabes, querido Diario, qué salas me han tocado vigilar todo este mes?

¡¡¡BINGO!!! Has acertado... las salas 74 y 75.

Y digo yo, a lo mejor hay un fantasma por esas salas y por eso me siento incómodo. No sé, no creo en fantasmas, pero, como las meigas, "haberlos, hailos", jejeje.

Pero, no. Hablando en serio, no hay fantasmas en el Museo. Es cierto que han fallecido varias personas, visitantes y trabajadores, dentro del edificio, pero no por eso tiene que haber fantasmas.

Bueno... sí... hay dos fantasmas. Pero no son como tú te piensas, querido Diario. No son seres que se aparecen a los vigilantes de noche, ni hacen ruidos de cadenas por el suelo, ni ululan cuando se está en silencio,... sino que están presentes en todo momento, quietecitos, sin hacer ruido. Y están en la sala 56B.

Sí, claro, has acertado, querido Diario. Son pinturas expuestas. Son, para ser más exactos, tres cuadros, aunque la colección completa sería de cuatro. El título de estos cuadros es Escenas de La historia de Nastagio degli Onesti, que los pintó Sandro Botticelli en el 1483.

Esta historia de Nastagio degli Onesti es la octava novela de la quinta jornada del libro El Decamerón de Giovanni Boccaccio, escrito entre los años 1351 y 1353. Y narra la historia de Nastagio, que era un joven adinerado de Rávena y que, al ser rechazado por la hija de Paolo Traversari, abandonó la ciudad y se instaló a las afueras.

El protagonista de esta historia, Nastagio degli Onesti, en estas tablas va vestido, para que se le identifique bien, con un jubón gris, unas calzas rojas y unas botas amarillas. Y en la primera pintura aparece en tres ocasiones.

¿Que si este es el fantasma? No, querido Diario. Esa técnica de dibujar varias escenas en un mismo cuadro era muy típica en aquella época. A día de hoy lo llamaríamos, más o menos, un cómic, con varias "viñetas" en cada página, en este caso, en cada cuadro.

A lo que iba, que me distraigo y no avanzo... Como ya te he dicho antes, nuestro protagonista era un joven enamorado de la hija de Paolo Traversari y esta rechazó su amor. Desesperado ante esta negativa, decidió refugiarse en un bosque. Y vemos en la parte de la izquierda de este primer cuadro, al fondo, a Nastagio despidiéndose de sus compañeros delante de una tienda de campaña. Se adentró en el bosque, meditabundo, mirando hacia abajo, con la intención de suicidarse. Lo vemos perfectamente entre dos árboles. Y de repente apareció un jinete sobre un caballo blanco persiguiendo a una muchacha pelirroja que huía de él desesperada. Entonces nuestro Nastagio cogió una rama del suelo para defender a la dama...

-Nastagio, no te molestes, deja hacer a los perros y a mí lo que esta mala mujer ha merecido.

-No sé quién eres tú que así me conoces, pero sólo te digo que gran vileza es para un caballero armado querer matar a una mujer desnuda y haberle echado los perros detrás como si fuese una bestia salvaje. Ciertamente la defenderé cuanto pueda.

-Nastagio, yo fui de la ciudad que tú, que fui llamado micer Guido de los Anastagi, estaba mucho más enamorado de ésta que lo estás tú ahora de la de los Traversari. Y con este estoque que me ves en la mano, desesperado me maté, y estoy condenado a las penas eternas. Y no había pasado mucho tiempo cuando ésta, que con mi muerte se había alegrado desmesuradamente, murió. Y por el pecado de su crueldad y la alegría que sintió con mis tormentos no arrepintiéndose, del mismo modo está condenada a las penas del infierno. En el cual tal fue el castigo dado a ella y a mí: que ella huyera delante, y a mí, que la amé tanto, seguirla como a mortal enemiga. Y cuantas veces la alcanzo, tantas con este estoque con el que me maté, la mato a ella y le abro la espalda, y aquel corazón duro y frío junto con las demás entrañas le arranco del cuerpo y se las doy a comer a estos perros. Y no pasa mucho tiempo hasta que ella, resurge y de nuevo empieza la dolorosa fuga, y los perros y yo a seguirla, y sucede que todos los viernes hacia esta hora la alcanzo aquí. Y aquí hago el destrozo que verás. Y los otros días no creas que reposamos sino que la alcanzo en otros lugares donde ella cruelmente contra mí pensó y obró; y habiéndome de amante convertido en su enemigo, como ves, tengo que seguirla de esta guisa cuantos meses fue ella cruel enemigo. Así pues, déjame poner en ejecución la justicia divina, y no quieras oponerte a lo que no podrías vencer.

Resumiendo, los dos fantasmas del Museo son Guido degli Anastagi y su amada degli Traversari, es decir, de los Traversari.

En la segunda pintura, en primer plano se ve a Nastagio que huye asustado al presenciar la escena de Guido que...

... con el estoque en mano se le echó encima a la joven que, arrodillada, y sujetada fuertemente por los dos mastines, le pedía piedad. Y con todas sus fuerzas le dio en medio del pecho y la atravesó hasta la otra parte.

Cuando la joven hubo recibido este golpe cayó boca abajo, siempre llorando y gritando.Y el caballero, echando mano al cuchillo, le abrió los costados y sacándole fuera el corazón y todas las demás cosas de alrededor, a los dos mastines las arrojó. Los cuales, hambrientísimos, las comieron.

Y no pasó mucho hasta que la joven, como si ninguna de estas cosas hubiesen pasado, súbitamente se levantó y empezó a huir hacia el mar, y los perros siempre tras ella hiriéndola, y el caballero volviendo a montar a caballo y cogiendo de nuevo su estoque, comenzó a seguirla.

Y al fondo de la pintura se ve la reiniciada persecución de los amantes fantasmas.

Luego cuenta la historia que nuestro protagonista humano Nastagio...

... volvió con sus criados y luego, cuando le pareció, mandando a por muchos de sus parientes y amigos, les dijo:

-Muchas veces me habéis animado a que deje de amar a esta enemiga mía y ponga fin a mis gastos. Y estoy presto a hacerlo si me conseguís una gracia, la cual es ésta: que el viernes que viene hagáis que micer Paolo Traversari y su mujer y su hija y todas las damas parientes suyas, y otras que os parezca, vengan aquí a almorzar conmigo.

En la tercera pintura se ve que, estando en el almuerzo, aparecieron los fantasmas amantes en su eterna persecución y se aprecia la reacción de los invitados ante esa escena... la amada de Nastagio, que va de blanco, y sus damas de compañía vuelcan la mesa muertas de miedo, a la vez que los hombre miran sorprendidos a los fantasmas.

Casi en el centro, en primer término, está Nastagio explicando a su amada todo lo que sabe de los amantes aparecidos, y se entiende que la hija de los Traversari comprende la moraleja de ese incidente. Por eso, en el lado derecho, en segundo plano se ve a nuestro protagonista hablando con una criada de su amada, que le está diciendo que su señora le acepta en matrimonio.

Como ya te dije, querido Diario, hay una cuarta pintura que representa el banquete nupcial, que se encuentra en el palacio veneciano de los Pucci, la familia que encargó estas tablas a Sandro Botticelli.

Es que Antonio Pucci pidió a Botticelli que las pintara para el  matrimonio de su hijo Giannozzo con Lucrezia Bini. En el tercer panel se aprecian perfectamente los escudos de las familias, colgados de los árboles... a la izquierda, encima de la amada de Nastagio, está el blasón de los Pucci. En el centro está el escudo de los Médicis, que eran los señores de la ciudad. Y a la derecha está el de los Bini.

Bueno, querido Diario. Hoy te he escrito más que nunca. Espero no haberte cansado.

¡Ah! Se me olvidaba... antes de acabar, una curiosidad muy curiosa... ¿Sabes que el pintor Sandro Botticelli tuvo una taberna con Leonardo da Vinci? Pues sí. Se llamaba Los Tres Caracoles, y estaba situado junto al Ponte Vecchio de Florencia.

Pero tuvo muy poco éxito, pues intentaron cambiar el concepto de la cocina, sustituyendo la cantidad de la comida, que era lo importante en aquella época, por la originalidad, la variedad y la presentación, es decir, por lo que actualmente llamamos el "emplatado".

Ya, sí. Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de las tablas de las Escenas de La historia de Nastagio degli Onesti - 1483 -, de Sandro Botticelli, que se puede contemplar en la sala 56B).

Querido Diario, 6 de diciembre de 2017

Querido Diario:

Hoy como ha sido el día de la Constitución, fiesta nacional, el día en el Museo ha sido largo. Y me ha tocado vigilar parte de la galería principal de la planta primera, donde están los cuadros de, entre otros, Tintoretto.

Pero lo más sangrante en el día de hoy no han sido los cuadros. Ha sido la mesa.

¿Que de qué mesa te hablo?

Te cuento... en medio de la sala 26 hay un tablero de mesa de don Rodrigo Calderón, del año 1600, hecho de paragone con incrustaciones de alabastro, mármol africano, mármol blanco, mármol polícromo y lapislázuli, soportado por cuadro leones de bronce dorado. Es lo que se llamamos una mesa de piedras duras, aunque, verdaderamente, la única piedra dura de la composición es el lapislázuli.

¿Que por qué es tan importante esta mesa de don Rodrigo Calderón? Bueno, simplemente porque este buen hombre fue el gran favorito del Valido del rey Felipe III, el todopoderoso Duque de Lerma. Algo de importancia tendrá, entonces, su mesa. Digo yo.

¿Que por qué ha sido sangrante el día de hoy con la mesa? Pues simplemente porque no me acordaba que tenía tanto éxito... era como un imán de manos. Aun teniendo una catenaria alrededor, es decir, una cuerda que separa la mesa del visitante, un hombre se ha apoyado con las dos manos para estirarse más sobre la mesa, para ver mejor el centro. Otro se ha puesto a tamborilear con las dos manos encima de la mesa.

-No tocar, por favor. Don't touch, please.

-Perdón, perdón. Es que estaba muy distraido.

-No hace falta que me lo jure. Distraído, un rato.

Bueno, esto último no se lo he dicho, solo lo he pensado, pero ganas de decírselo... un rato.

En fin, como te he dicho al principio, querido Diario, el día ha sido largo, y muy cansado. Creo que ya te dije que tenemos unas sillas para que los vigilantes nos sentemos, pero a mí no me gusta hacerlo. Me siento raro. De todas formas, cada vez que me siento se aplica la Ley de Murphy.

Hoy me he sentado por primera vez sobre las tres y media de la tarde, más o menos, porque no había nadie en la sala. Y cuando digo nadie, es nadie. Pues me siento y, Ley de Murphy, a los treinta segundos una señora pasa al lado de la famosa mesa de don Rodrigo Calderón arrastrando la mano encima del tablero. Rápidamente uno se levanta para "informarle" que no se puede tocar la mesa. Y ya que estás de pie... ya no te sientas.

Al poco tiempo me he sentado una segunda vez y, Ley de Murphy, a los treinta segundos veo a una pareja de dos chicas jóvenes, una de ellas haciendo una foto a la otra. Y como era una panorámica de toda la galería, yo iba a salir en ella... sentado. Y, claro, no es lo suyo. Pues levántate y vete e informarles que no se pueden hacer fotos en el Museo. Y ya que estás de pie... ya no te sientas.

Pero como estaba cansado, me he sentado una tercera vez y, Ley de Murphy, a los treinta segundos un señor que sale de otra sala se dirige directamente a mí y me pregunta.

-Por favor, el aseo más cercano.

Lógicamente uno, por educación, se levanta y contesta.

-Están cerca. Al pasar las columnas, a la izquierda hay una escalera. Bajando dos tramos están los aseos más cercanos.

-Gracias.

Y se va hacia el otro lado.

-Pues no tendrá muchas ganas de mear.

Lo siento, me ha salido del alma. Y esto sí lo he dicho, pero en voz baja. Aunque lo hubiese dicho en voz alta no hubiera pasado nada porque no había nadie. Y como ya estás de pie... ya no te sientas.

Pero decir cansado es poco. Estaba incluso más, y me he sentado por cuarta vez y, Ley de Murphy, a los treinta segundos una pareja me ha preguntado.

-Perdone, ¿la segunda puerta?

Y yo me he quedado a cuadros...

-Una y dos... esa.

-Es la de los ascensores.

-Ah, entonces es aquella... la tercera.

Eso, sí, no me he levantado. Sé que lo he hecho mal, pero era un reto que tenía contra Murphy.

Aunque de poco me ha servido porque cuando estoy sentado me siento incómodo. Ver pasar a la gente mientras tú estás sentado no me convence. Y me he levantado. Y como ya estás de pie... ya no me he sentado más.

Bueno, de pintura todavía no te he hablado, querido Diario. Pues de todos los cuadros que tienen estas salas que me han tocado vigilar hoy, el que tiene más éxito es El lavatorio, pintado por Jacopo Robusti Tintoretto entre los años 1548 y 1549.

Representa el pasaje del Evangelio de San Juan (Jn 13, 12-15) en donde Jesús lavó los pies a sus apóstoles antes de la Última Cena.

Pero en el centro de la escena, donde se suele pintar lo más importante, está un perro. ¿Eso es lo más importante?, te preguntarás, querido Diario. Pues claro que no. Lo que pasa es que Tintoretto puso a los personajes pensando en el punto de vista del espectador.

Me explico... este cuadro estaba pensado para colocarlo en el lado del Evangelio del altar mayor de la iglesia de San Marcuola, en Venecia. Es decir, el lado del Evangelio es el lado izquierdo según se mira al altar. Eso significa que la mejor vista no era de frente al cuadro sino desde el altar. Por tanto como mejor se veía, y se ve actualmente, es desde su lado derecho. Por eso, si el cuadro se ve desde ese ángulo, pasan dos cosas. La primera es que se ordenan los personajes, pues al primero que se ve es a Jesús lavando los pies a Simón Pedro ayudado por el discípulo amado, es decir, Juan el evangelista. Y por detrás se ven los demás apóstoles.

Pero te he dicho que pasan dos cosas si se ve desde la derecha. Pues la segunda es que se ve, por la perspectiva del suelo, una habitación muy larga, con la arcada del fondo, muy lejos.

Y lo curioso es que se ve el cuadro desde la izquierda, lo primero que se ve es a un apóstol quitándose las cintas de las sandalias, y lo segundo es que se ve, por la perspectiva, una sala mucho más pequeña.

No sé si mirando desde un lado y del otro de la pantalla del ordenador se apreciará igual que con el original, querido Diario... Solución: tienes que venir al Museo del Prado para verlo "in situ". Te espero. Bueno, a ti no, querido Diario, pero a los cotillas que te leen, sí los espero.

¡Ah! Se me olvidaba. En la puerta del Museo hay unos guías, que por cierto no pertenecen al Museo, sino que son autónomos y el Prado les deja hacer su oficio...

Como te iba diciendo, que me pierdo, en la puerta del Museo hay unos guías que enseñan las obras más importantes y, lógicamente, llevan a los visitantes que le han contratado a ver este cuadro de El lavatorio. Y les cuenta otro detalle. Yo a este detalle le llamo "el paseillo". Y es porque les comentan que si van andando de un lado al otro del cuadro, mirando a la mesa, se ve como "se mueve", siguiendo al espectador. Y entonces ves al grupito de visitantes andando delante del cuadro. Chin, chin, chin, chin,...

-¡Anda! Pues es verdad. Se mueve.

En fin, verdaderamente no se mueve, so... visitantes engañados. La pintura está más quieta que una lagartija en una tapia en pleno agosto. Es un efecto óptico y parece que se mueve. Pero eso sucede, no solo en este cuadro, sino en cualquier cuadro en el que el personaje te esté mirando directamente, que parece que te sigue con la mirada. Es igual que con el cuadro del Retrato ecuestre del duque de Lerma, de Rubens, que parece que el caballo gira siguiéndote la mirada.

Ese efecto óptico sucede en el cuadro de El lavatorio y en muchos más.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro El lavatorio - 1548-1549 -, de Jacopo Robusti Tintoretto, que se puede contemplar en la sala 25).

Querido Diario, 1 de noviembre de 2017

Querido Diario:

Hoy es la festividad de Todos los Santos, por tanto es un día festivo... y he librado. Es que trabajamos un festivo cada tres. Por eso no te puedo contar "batallitas" nuevas, sino que voy a recordar algo que escribí en mi anterior "cuaderno".

Y es que hace un mes, más o menos, estuve vigilando, entre otras, la sala donde está la copia de la Mona Lisa. Qué impresionante es este cuadro, querido Diario, aun sabiendo que es una copia... pero no es una copia cualquiera.

Me explico... El Museo del Prado tenía "una Mona Lisa" medio arrinconada pues pensaba que era una más de las muchas versiones existentes del cuadro de Leonardo da Vinci, ya que tenía el fondo negro y no tenía el característico "sfumato" leonardesco.

Pero en el año 2012, ante una exposición que se iba a realizar en el Museo del Louvre sobre las distintas versiones existentes de ese cuadro, se restauró la copia que tenía el Museo del Prado y se descubrieron cosas muy curiosas, hasta el punto de revelarnos que se trata de la copia de la Gioconda más temprana conocida hasta el momento y uno de los testimonios más significativos de los procedimientos del taller de Leonardo.

Con las reflectografías infrarrojas y las radiografías descubrieron que debajo de la mancha negra existía un paisaje. Como los análisis posteriores detectaron que el repinte oscuro era posterior a 1750, decidieron quitarlo para sacar a la luz el paisaje oculto.

Pero la prueba más fehaciente de que las dos obras fueron realizadas al mismo tiempo es que cada una de las correcciones del dibujo original se repite en la versión que tiene el Museo del Prado. Es decir, que Leonardo modificaba algo, pues el otro pintor hacía lo mismo en la copia.

Se cree que este cuadro lo pudo pintar Salai, discípulo y posible amante de Leonardo, u otro de sus discípulos, Francesco Melzi.

Sinceramente seguro que digo una bestialidad, querido Diario, pero es lo que siento: a mí me gusta más este cuadro que el del Louvre. Pero, claro, para gustos están los colores... y los cuadros.

Te dejo las fotografías de los dos cuadros, para que los compares, querido Diario, a ver cuál te gusta más a ti. Para ser justos te he de recordar que el del Prado está limpio porque se ha restaurado hace cinco años y que el del Louvre está bastante sucio, ya que con el tiempo se oxida el barniz protector y se vuelve amarillo verdoso.

Ah! Se me olvidaba. Esto es "pá mear y no echar gota", y perdona por la expresión. Estando en esa sala entraron una pareja de mujeres, de unos veintitantos años, para más inri, italianas, y señalando al cuadro una dijo:

-La Mona Lisa de Goya.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros “Mona Lisa” - 1503-1519 -, de autor anónimo -Taller de Leonardo da Vinci- y "Mona Lisa" - 1503-1519 -, del propio Leonardo da Vinci).