Querido Diario, 24 de agosto de 2018

Querido Diario:

Ya te comenté el 18 de agosto que el Museo ha puesto una pequeña cafetería en el Claustro de los Jerónimos. Y como no se puede comer ni beber en el Museo, lo tienen que consumir en las mesas que han colocado al lado de la barra. Además, el Museo ha puesto un cartel en la entrada del Claustro que dice...

"Prohibido el acceso a las salas con bebidas o consumiciones del Café. Gracias por su colaboración".

... en español y en inglés.

¡Bien! Pues estaba hoy vigilando mi "sala" y en un momento dado han llegado tres jóvenes, dos chicos y una chica, de unos dieciocho años. Una llevaba una botella de agua dentro de una bolsa de plástico trasparente... como debe ser. Y en el momento de entrar, lo hacen las dos personas que no llevaban nada en la mano, y la de la bolsa se ha parado debajo del dintel de la puesta, diciendo que no con la mano y señalando de cartel.

En un principio no la entendía, hasta que caí en la cuenta...

Prohibido el acceso a las salas "con bebidas" o consumiciones...

¡¡¡Claro!!! Ella iba a acceder a una sala con una bebida... pero en una bolsa. Bien por ella, pero no era el caso. Tuve que acercarme a ella y decirle...

-Puede pasar sin ningún problema. Ese cartel es para que no se saque bebidas de esta cafetería.

Y ella, roja como un tomate...

-Ah, vale. Gracias.

Ya ves, querido Diario, por fin conozco a alguien que quiere respetar las normas del Museo.

Pero eso no es lo más curioso que me ha pasado hoy. Nunca lo había visto en el Museo, pero me ha hecho gracia. Por eso te lo cuento, querido Diario...

Estaba dando vueltas por el Claustro cuando una pareja, madre e hijo, éste de unos veinticinco años, que estaban en una mesa de la cafetería tomándose algo, se han levantado y se han parado a mi lado. Llevaban en la mano La Guía del Prado, un libraco de cuatrocientas setenta páginas, y se han puesto a mirarlo. Yo, pensando que a lo mejor me querían preguntar algo, me paré y dijo el hijo a la madre...

-Y ahora, ¿a dónde vamos?

Como no era un tema para mí, seguí andando pero continué escuchando la conversación...

-A Goya, no.

-Ésta mujer es de las mías.

... pensé para mí. Ya lo sabes, querido Diario, Goya y yo somos incompatibles. Lo he reconocido, lo reconozco y lo reconoceré... Goya no me gusta. Lo valoro, cómo no, pero no me gusta cómo pintaba. Ya sé que muchos cotillas que te leen a hurtadillas se tirarían a degüello contra mí, pero, como siempre he dicho...

- Para gustos, los colores... y los pintores.

En fin, volviendo a la historia, veo que el chico se para, se pone el libro por detrás, en la espalda, y lo abre al azar. Mete un dedo entre las páginas por donde se ha abierto y se lo enseña a su madre...

¿A que no sabes, querido Diario, por dónde abrió la guía? No te lo vas a creer, jejeje... por el autorretrato de Goya.

-No. Repite.

... dijo la madre. Y la segunda vez salió otro cuadro... el de María Tudor.

-Vale, vamos a la sala... Perdone, ¿en qué sala está este cuadro?

Ya sabía yo que al final me iban a preguntar algo, jejeje.

-En la sala 56, en la planta baja.

-Gracias.

Pues ya ves, se fueron a ver el cuadro María Tudor, reina de Inglaterra, segunda mujer de Felipe II, que pintó el flamenco Antonio Moro en el año 1554.

¿Sabes? María Tudor era la hija única del rey Enrique VIII de Inglaterra y de su primera esposa, la alcalaína Catalina de Aragón... sí, querido Diario, tengo que hacer "patria". Catalina de Aragón nació en la misma ciudad que yo, en Alcalá de Henares, de la provincia de Madrid. Por tanto, somos paisanos, jejeje.

A lo que iba, que me enrollo tontamente... María Tudor era la hija única del rey Enrique VIII de Inglaterra y de su primera esposa, la alcalaína Catalina de Aragón, y fue declarada bastarda cuando su padre, el Rey, repudió a su madre.

Cuando en octubre de 1553 murió su hermanastro y entonces rey Eduardo VI, nuestra María fue proclamada Reina de Inglaterra. Bueno, no fue así exactamente... cuando murió Eduardo VI, su mujer, Juana Grey, se convirtió "de facto" en Reina de Inglaterra.

Ah, me lo imaginaba... no sabes qué es "de facto". ¡Bien! Significa "de hecho", sin reconocimiento jurídico, es decir, por la fuerza de los hechos.

Entonces, María reunió a sus seguidores y, nueve días después de la muerte de su hermanastro y del "reinado" de Juana I, la depuso del trono, proclamándose María I de Inglaterra.

Como su padre Enrique VIII, tras el repudio de su madre Catalina de Aragón, había roto con la Iglesia Católica Romana y establecido la Iglesia de Inglaterra, después llamada Iglesia Anglicana, nuestra protagonista, María I, restauró la fe católica en el país.

Ante las ventajas que tendría España con una unión con Inglaterra, cuando nuestra María tenía seis años de edad, se acordó el matrimonio con su primo hermano el rey español Carlos I, que tenía veintidós años. Pero algunos años después el rey Carlos rompió el compromiso. Entonces, María de Hungría, hermana del rey español y, por tanto, prima hermana de la ya María I de Inglaterra, la convenció para que se casara con su sobrino, el hijo de Carlos I, el príncipe Felipe, que años más tarde sería el rey Felipe II. Y en julio de 1554 se desposaron en Winchester, que es una ciudad situada al sur de Inglaterra. Pero cuatro años más tarde, en noviembre de 1558, cuando su esposo luchaba en Francia, falleció nuestra María Tudor, Reina de Inglaterra, segunda mujer del rey español Felipe II.

Volviendo al cuadro, el pintor flamenco Antonio Moro viajó a Londres en 1554, a petición del rey Carlos I, para hacer el retrato de la prometida de su hijo Felipe, María Tudor.

Como bien ves, querido Diario, observamos a la reina sentada en un sillón de terciopelo carmesí, que es el símbolo de la soberanía, con un bordado precioso. Por lo menos, a mí me gusta mucho. Para gustos...

Si te fijas, el sillón no está colocado de frente, sino en un plano oblicuo. Esto lo hizo Antonio Moro para así aumentar la profundidad espacial... en fin, visión de genio.

Nuestra María tiene en la mano derecha una rosa roja, que es el símbolo de los Tudor, y en la mano izquierda, unos guantes de pedrería.

Y lleva un traje rameado gris.

Sí, ya lo sé, querido Diario, eso de "rameado" a mí también me sonaba mal, pero no seas mal pensado, que quiere decir que tiene dibujados unos ramos.

Pero una de las cosas que más me atrae es el sobretodo morado, que es esa especie de abrigo ancho, con mangas cortas, que se solía llevar sobre el traje ordinario. No sé el por qué me atrae... debe ser porque parece que es de terciopelo.

Me encanta también las perlas y las piedras preciosas de los puños y el cinturón. Pero lo más llamativo de todo es la joya que lleva en el cuello, que fue un regaló que le hizo su prometido, el príncipe Felipe.

Eso sí, querido Diario, hay que decir que guapa, lo que se dice guapa, nuestra María no era, con esa actitud tensa y estirada. Pero, no sé, tiene algo que le resta fealdad al retrato. A lo mejor es ese aire de majestad que le da fortaleza de carácter, o, yo qué sé, la pincelada minuciosa, sobre todo en los detalles... no sé.

Pero como siempre he dicho...

-Para gustos, los colores, los pintores... y los detalles.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro María Tudor, reina de Inglaterra, segunda mujer de Felipe II - 1554 -, de Antonio Moro, y otros, que se puede contemplar en la sala 56).

Querido Diario, 30 de junio de 2018

Querido Diario:

Hoy me ha tocado hacer el relevo a los compañeros en las salas nuevas, las que te comenté el 26 de junio.

Pues estando en una de las salas, observé que allá a lo lejos estaban un abuelo con su nieta de unos diecisiete años mirando un cuadro cuando, de repente, la nieta alargó peligrosamente la mano señalando el cuadro, dejando el dedo a unos cinco centímetros del lienzo, más o menos. Mientras me acercaba lo más deprisa que podía, ella bajó la mano y en ese mismo momento su abuelo empezó a señalar el cuadro...

-Perdone, no puede pasar del límite.

... a la vez que le señala la cuerda de la catenaria.

-Abuelo, que te eches para atrás.

A lo que contesté...

-Y la nieta, que también ha acercado la mano.

Lo reconozco, no sé si es políticamente correcto en un vigilante, pero me salió del alma. En ese momento ella dio un paso hacia atrás...

-No, ustedes pueden estar junto a la cuerda, pero lo que no pueden es pasar la mano más allá del límite que marca la cuerda.

Es que siempre que digo que no acerquen la mano al cuadro, todos tiene la misma reacción... dar un paso atrás, pero siguen alargando el brazo, atravesando el límite, como no.

El dedo señalador me martiriza más que mil fotografías hechas a escondidas.

Pero, bueno, eso es lo único que pasó interesante que me pasó en este día. ¡¡¡No!!! Te he mentido, querido Diario, que se me olvidaba...

También estuvieron por las salas un grupo de filmación de una cadena de televisión que, la verdad, no sé muy bien qué están haciendo. Ya llevan varios días por las salas del Museo grabando, con autorización, claro.

Y ha sido muy gracioso porque han hecho varias tomas de las salas y por las salas, andando y grabando a la vez. Y eso parecía más bien una procesión... delante estaba el cámara con un estabilizador SteadyCam; detrás iba un señor que tenía pinta de ser el director que a la vez ayudaba al cámara para que no tropezara y se cayera; la tercera persona era un hombre que llevaba un especie de mesa de realización pequeñita donde se veía lo que grababa, aunque no estoy muy seguro si lo que veía era lo de la cámara o que ese aparato era una segunda cámara; detrás había una chica joven que llevaba un pie soporte que servía para colocar la cámara mientras no se grababa, pues debía pesar bastante. Y detrás de ellos... yo. Primero iba en la procesión para vigilarlos, para que no diesen ningún golpe a los cuadros, aunque ella me dijo que ya tenían estudiada la distancia. Pero mi trabajo es prevenir todo accidente y, la verdad, no me fiaba de ellos. Bueno, de ellos y de nadie.

Y el segundo motivo de estar detrás de ellos es para no salir en la grabación, aunque creo que me grabaron en un momento de "descuido" cuando filmaban en el Tesoro del Delfín.

Y hablando de procesiones, hoy he descubierto un cuadro nuevo del Museo. Bueno, no es nuevo porque se pintó en el año 1616 y procede de la Colección Real, pero el Museo no lo tenía expuesto últimamente. Pero, ahora, con la apertura de estas salas nuevas, lo han colocado en la sala 80.

Se titula Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de Nuestra Señora de Sablón, y lo pintó el flamenco Denis van Alsloot, como te he acabo de decir, en el año 1616.

La historia empezó en 1348 cuando la Virgen María pidió en sueños a la joven Beatrice Soetkens, esposa de un trabajador de la industria textil, que debía recuperar una imagen de Onze-Lieve-Vrouw op t Stocksken, que en español sería Nuestra Señora de la Rama, que se encontraba en Amberes, a donde había sido trasladada tras ser robada, y llevarla de vuelta a Bruselas, para colocarla en la capilla del Sablón, como patrona del gremio de ballesteros que había construido esa capilla en su honor.

Beatrice y su esposo llevaron la imagen de la Virgen en barco, pero su esposo se cansó de remar y milagrosamente la embarcación flotó, sin viento, hasta Bruselas y apareció justamente en el lugar donde los ballesteros estaban practicando tiro. Este milagro hizo que los ballesteros prometieran a la Virgen hacer una procesión anual para celebrar la llegada a Bruselas de su patrona: el Ommegang.

La procesión del Ommegang se realizaba tradicionalmente el domingo anterior a Pentecostés y era a la vez religiosa y popular, ya que la ciudad había contribuido generosamente a los gastos de edificación de la iglesia.

La fiesta tuvo un gran apogeo en el siglo XVI, especialmente con ocasión de la visita de Carlos V y su hijo Felipe.

¿Pero, sabes, querido Diario? El 15 de mayo de 1615, la archiduquesa Isabel Clara Eugenia, gobernadora de los Países Bajos españoles junto con su marido Alberto, participó en estos festejos, más concretamente en el campeonato anual de tiro del Grand Serment, y logró abatir el pájaro, que era un papagayo, que habían colocado sobre la aguja de la torre de Nuestra Señora de Sablón. Por eso fue proclamada como Reina de la Cofradía, y las fiestas continuaron durante varios días.

Y para dejar constancia de los sucedido se le encargó a Denis van Alsloot, que era uno de los  pintores de corte de los archiduques, la realización de ocho pinturas para recordar estas fiestas, seis de ellas dedicadas al Ommegang, una al tiro de la infanta al papagayo y otra a la fiesta de Nuestra Señora del Bosque.

Y de las ocho se conservan cinco:

• La primera es El desfile de los gremios en la Gran Plaza, que también se conserva en el Museo del Prado.
• La segunda es El desfile de los Serments.
• La quinta es El triunfo de Isabel.
• La sexta es La procesión de las órdenes religiosas y el clero, que actualmente tiene otro título y es de la que te estoy hablando... bueno, de la que te hablaré.
• Y la octava es Fiesta de Nuestra Señora del Bosque.

La séptima es La infanta Isabel abatiendo el pájaro en el tiro del Grand Serment, y solamente la conocemos por dos copias atribuidas a Antoon Sallaert y a su taller.

Bien, vamos al tajo sobre la obra... como te dije, actualmente se titula Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de Nuestra Señora de Sablón, y es muy curiosa, sobre todo por su tamaño. Mide 386 x 132 centímetros... casi cuatro metros de largo por casi un metro y medio de ancho.

Y representa a las diferentes órdenes religiosas y miembros de la Iglesia en procesión en la plaza del Sablón, donde cada uno de ellos ocupa una posición concreta.

Si te fijas bien, querido Diario, primero están los burgueses y la magistratura municipal, que se dirigen hacia una calle al fondo, a la derecha del cuadro. Y después están las órdenes religiosas. No lo tengo muy claro, pero creo reconocer que primero van los agustinos, que van vestidos completamente de negro; luego siguen los dominicos, con el hábito blanco y la capa con esclavina, es decir, con capucha, negras; después están los carmelitas, con el hábito marrón y la capa con esclavina blanca; y al final de las órdenes religiosas están los franciscanos, con el hábito marrón y el cordón blanco con los tres nudos característicos, que simbolizan sus tres votos: la pobreza, la obediencia y la castidad.

Y después van los diferentes miembros del clero de Santa Gúdula, los abades de Dileghem, Grimberghe y Ninove, clero de la Chapelle, de Santa Juliana de Nicomedes y clero de la Iglesia de los Juramentos.

Casi al final de la procesión va la imagen de la Virgen de Nuestras Señora de Sablón. Pero, si te fijas bien, querido Diario, delante de la Virgen hay otra imagen en andas. No es una imagen de la Virgen, sino un relicario, el de Santa Juliana de Nicomedes, cuyas reliquias reposaban en la iglesia del Grand Serment.

Este cuadro me ha hipnotizado, como otros muchos del Museo, lo reconozco. Pero esta vez me ha costado mucho el no pararme constantemente delante de la pintura, pues en el fondo estaba trabajando y mi misión no es "atontolinarme" delante de un cuadro. Pero es para quedarse así...

Si te fijas bien, tiene muchísimos detalles... primeramente, las casas adornadas con ramas de árboles, ya que la Virgen tiene por advocación Nuestra Señora de la Rama. Luego están los feligreses en las ventanas y balcones de las casas... curiosísimos todos.

Y las capas publiales de los sacerdotes, con sus bordados en oro. No se aprecia bien en la fotografía que te he puesto, pero en el cuadro se ven perfectamente los santos dibujados en las capas.

¡Ah! Una cosa curiosa... fíjate bien, querido Diario. Verás que el suelo por donde pasa la procesión está alfombrado con ramitas y hojas verdes. Pero hay "calvas", donde por lo menos dos mujeres están rellenando. ¿Que dónde están? Pues en la primera fila de la procesión, al fondo... primero están los burgueses y luego las órdenes religiosas. Pues entre la primera orden, que son los agustinos y la segunda, que son los dominicos, delante del tercer estandarte, está la primera mujer, vestida de azul con un gorro blanco. Y la segunda está en la curva de arriba, a la izquierda. Esta va vestida de rojo con el delantal blanco. El problemilla es que la tapa un poco el cuarto estandarte.

Pero lo que más me encanta son los monaguillos pequeños. Observa. Detrás de todas las órdenes religiosas va el clero de Santa Gúdula. Pues los primeros de todos son los monaguillos, que van vestidos con la sotana roja y el roquete blanco. Y si te fijas bien bien bien, los dos primeros de la fija de la izquierda son más pequeños... unos niños.

En fin, podía pasarme horas y horas sacando detalles de este cuadro. Pero no me quiero hipnotizar... aunque, sinceramente, lo consigue.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de Nuestra Señora de Sablón - 1616 -, de Denis van Alsloot, que se puede contemplar en la sala 80).

Querido Diario, 25 de marzo de 2018

Querido Diario:

Ciento veintiún peldaños tiene la escalera que va desde la planta baja del Museo a la segunda, donde están las salas de los cartones de Goya y pinturas de Paret, Mengs, Bayeu, Meléndez,... entre otros. Y hoy he contado estos escalones varias veces porque me ha tocado ser relevo en esas salas de la segunda planta.

Y aunque solo subía dos plantas, ciento veintiún escalones es como subir un edificio moderno de siete plantas. Qué tipito se me va a quedar si sigo así, jejeje.

Y pensando esta tarde qué contarte, querido Diario, he decidido proponerte un juego contigo y con los queridos cotillas que nos leen a hurtadillas. Y es el siguiente...

Os voy a poner dos cuadros y vosotros tenéis que encontrar las cinco diferencias.

Uno de los cuadros se titula Riña de gatos, y lo pintó Francisco de Goya y Lucientes en 1786. El otro se titula Pelea de gatos en una despensa, y lo pintó Paul de Vos entre los años 1630 y 1640.

Riña de gatos es un cartón encargado entre los años 1786 y 1787. El tapiz resultante formaba parte de los que iban a decorar el comedor de los Príncipes de Asturias, que eran el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma, en el palacio de El Pardo.

Por la forma del cartón, estrecho y alargado, y por su forzada perspectiva de abajo a arriba, se sabe que su destino era la decoración de una sobreventana. Formaba pareja con una escena con vuelos de pájaros. Ese segundo cartón se ha perdido y solo se conoce por el tapiz resultante.

La serie de tapices que iba a decorar ese comedor consistía en las Cuatro Estaciones y otras escenas campestres, descritas como "pinturas de asuntos jocosos y agradables".

Estos tapices no llegaron a colgarse en su destino porque en diciembre de 1788 murió el rey Carlos III, y su sucesor, su hijo Carlos IV no se interesó en decorar ese palacio.

Y sobre Pelea de gatos en una despensa os puedo decir, querido Diario y queridos cotillas, que las escenas de riñas de animales en interiores de las casas eran habituales en la pintura flamenca de mediados del siglo XVII.

Los estudiosos del tema dicen que "estas pinturas eran interpretadas como alusiones morales al abandono de las responsabilidades y la plasmación de sus consecuencias"... ahí lo dejo.

El flamenco Paul de Vos siguió la estela de su cuñado, el pintor Frans Snyders, y le copió varios cuadros de bodegones y de peleas de animales, repitiendo incluso las mismas estructuras en la composición y los modelos, pero con un resultado más delicado y con sombreados más cálidos.

Este cuadro de Pelea de gatos en una despensa se citó por primera vez en 1746 en la colección de la reina Isabel Farnesio.

Bueno, querido Diario y queridos cotillas, ¿habéis encontrado las cinco diferencias?

¿Cuál te gusta más... mejor dicho... cuál os gusta más? Yo no digo nada, que después todo se sabe.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Riña de gatos - 1786 -, de Francisco de Goya y Lucientes, que se puede contemplar en la sala 85 y Pelea de gatos en una despensa - 1630 y 1640 -, de Paul de Vos , que se puede contemplar en la sala 16B).

Querido Diario, 11 de febrero de 2018

Querido Diario:

No te lo vas a imaginar... ¿A que no sabes qué salas me han tocado vigilar hoy? ¡Ah! Pues sí, has acertado... unas salas de Goya. Ya te dije el 9 de febrero que este mes he debido coger un bono especial de vigilante de Goya. Pero, en fin, lo importante es trabajar. Y que no falte.

Hoy ha sido un caos. Muchísima gente, muchísimos grupos, muchísimos grupos de orientales, muchísimos fotógrafos "despistados" e "ignorantes" de la norma de no poder hacer fotos en el Museo, muchísimas manos con planos, bolígrafos y patillas de las gafas señalando los cuadros,... ¡¡¡Socorro!!!

Cuando han sonado los timbres para empezar el desalojo, mis salas parecían la calle Gran Vía de Madrid, en hora punta.

Pero no me puedo quejar, que me he pasado cinco minutos riéndome de lo que ha dicho con rotundidad una madre a su hijo al entrar en una de mis salas...

-Mira, esta es la "sala oscura".

Buena mujer, sala oscura, lo que se dice sala oscura, va a ser que no. Es cierto que hace tiempo tenía una iluminación más puntual sobre los cuadros y menos ambiental. Pero la modificaron y subieron de intensidad la de ambiente. Y ya no está tan "oscura".

¿No será, querida visitante madre, que te referías a que esa era la sala de las Pinturas Negras? Venga, vale, "oscura" y "negras" tienen algo de parecido, más o menos. A partir de ahora, denominaremos "sala oscura" a las Pinturas Negras de Goya, jejeje.

¿Y sabes, querido Diario, qué cuadro es el Top 10 de esta sala, el que tiene más éxito? Pues el que desgraciadamente tiene más éxito, porque es el más fotografiado, es Saturno, que pintó Goya entre 1820 y 1823 en la Quinta del Sordo, la casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, que adquirió en 1819.

Ah, ¿sabes que la Quinta del Sordo ya se llamaba así antes que Goya la comprase? Por tanto tengo que desmitificar el mito de que se llamaba así por Goya, que aunque sordo, el nombre de la quinta se referiría a otro sordo.

Y volviendo al cuadro, que me enrollo más que las persianas, sí, Saturno es más fotografiado que Antonio Banderas en un photocall.

¿Que cuál es la historia de Saturno y por qué es tan repugnante esa pintura? Te cuento... Ovidio la describe en los Fastos en el libro IV. Y dice que Saturno, queriendo saber la estabilidad de su Reino, tuvo por respuesta de un Oráculo que un hijo suyo le arrancaría el cetro. Y él, temeroso de su descendencia, la iba devorando según iba saliendo de las entrañas de su mujer Rea. Cuando nació Júpiter, una piedra que estaba oculta en la ropa de la madre penetró en la garganta del dios Saturno y éste se pensó que se había comido a un hijo más. Así fue burlado por el destino.

Una vez adulto, Júpiter hizo la guerra a su tío Titán, el hermano mayor de su padre Saturno, derrotándolo y devolvió el imperio del cielo a su padre. Entonces, Saturno trató de matar a su hijo Júpiter, pero este le venció y se apoderó del imperio del cielo.

Bueno, esta es la historia de Saturno, pero, volviendo al cuadro de Goya, recuerdo que ya te conté el 22 de octubre de 2017 que Goya pintó catorce escenas en las paredes de su Quinta. Y una de estas Pinturas Negras es nuestro Saturno.

Si bien recuerdo, nunca te he ocultado, querido Diario, que Goya no me gusta. Y esta pintura no iba a ser menos. Por eso te he pegado a un lado la fotografía de este cuadro y de otro, que me gusta más. Se titula Saturno devorando a un hijo, que se han roto la cabeza pensando en el título, y lo pintó Pedro Pablo Rubens entre los años 1636 y 1638.

Este es más realista... más sanguinario... más asqueroso... me gusta más, jajaja.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía de los cuadros Saturno - 1820-1823 -, de Francisco de Goya y Lucientes, que se puede contemplar en la sala 617; y Saturno devorando a un hijo - 1636-1638 -, de Pedro Pablo Rubens, que se puede contemplar en la sala 29).

Querido Diario, 21 de enero de 2018

Querido Diario:

Hoy es domingo y nos cambian de sala a los que tenemos sala fija. ¡¡¡Por fin!!! Es que, después de 20 días, por mucho que te gusten las salas que te han asignado, al cabo del tiempo pesan.

Me ha tocado vigilar salas con pintura española y flamenca de los siglos XV y XVI. Y ha sido un día entretenido, con muchos visitantes, pero no agobiante.

Eso sí, me han preguntado unas cien veces por dónde se va para ir ver a El Bosco, que está en una sala paralela a las mías. Y me han hecho una pregunta que me ha llamado la atención, pues yo cometía el mismo error...

-Estoy buscando la Anunciación de Fray Angélico, ¿sabe dónde está?

Bueno, la Anunciación no es de "Fray" Angélico, sino de Fra Angelico. Vale, Guido di Pietro profesó como dominico en el convento observante de Santo Domingo en Fiesole y tomó el nombre de Fra Giovanni da Fiesole. Pero el nombre de Fra Angelico, como ha pasado a la historia, apareció por primera vez catorce años después de su muerte en referencia a su profunda espiritualidad... Repito, Fra Angelico, sin "y" griega.

También me han hecho otra pregunta curiosa...

-Las Oscuras de Goya, ¿dónde están?

Venga, vale, aceptemos las "Oscuras" por Pinturas Negras.

Eso sí, no es sobre preguntas, pero te lo tengo que contar, querido Diario. Sé que si uno de los cotillas que leen este Diario, que siempre diré que es tuyo y mío, es uno de mis jefes, me echarán la bronca, pero no lo he podido remediar.

Estaban en una de mis salas unos señores mayores con una hija posando para que otra hija les hiciera una fotografía ante unos cuadros. Y me he venido abajo pues el señor, trajeado y encorbatado y con bigotito, me ha recordado a mi padre... me he puesto al lado de la fotógrafa y he esperado unos segundos a que hiciera la fotografía, y luego es cuando le he dicho...

-Una vez que ya la ha hecho, le tengo que decir que no se puede hacer fotografías. Esa, como no, de recuerdo.

Y me he dado media vuelta para que no me vieran que se me saltaban las lágrimas, recordando a mi padre, mientras ellos me daban las gracias una y otra vez.

Que conserven a esos padres muchos años y que se lleven ese bonito recuerdo del Museo.

Oñe, que se me están saltando las lágrimas ahora... seré tonto.

Bueno, cambiando de tema, lo que te voy a contar ahora, querido Diario, no me ha pasado a mí, sino que me lo contó un compañero, en referencia a una sala que me ha tocado vigilar hoy. Y es que un día le preguntaron...

-Perdone, ¿dónde está la sala de Darth Vader?

La verdad es que yo le hubiese soltado una chorrada sobre la Guerra de las Galaxias, pero mi compañero, como buen profesional que es, se mordió la lengua y le contestó...

-Se referirá a Van der Weyden, a Rogier van der Weyden, ¿verdad?

-Uhm... me imagino que sí.

-Pues está en la sala 58. Vaya por esa galería...

Y es que en esa sala hay varios cuadros de Rogier van der Weyden, pintor flamenco del siglo XV. Su obra más famosa es El Descendimiento, pintada antes de 1443.

¿Te has fijado en la forma tan peculiar que tiene este cuadro, querido Diario? Pues es la forma habitual del elemento central de un retablo con varias alas, en Brabante, esa región repartida entre Bélgica y los Países Bajos. Seguramente que en los "huecos´" de la parte superior habría unas "alas" que sirviesen de cierre protector de la parte de arriba. Y que el resto estuviese protegido por dos cierres rectangulares, posiblemente sin imágenes.

¿Sabes? El rey Felipe II, en 1566, encargó a Navarrete el Mudo unas tablas nuevas como cierres. Pero, como las originales, desaparecieron y nadie sabe dónde pueden estar... si es que todavía están en algún sitio, claro.

Con tu permiso, querido Diario, voy a analizar el cuadro...

En el centro vemos a Jesucristo muerto, todavía con la corona de espinas, y no se aprecian en él las huellas de la flagelación. Y si te fijas bien, como cosa curiosa, verás que no tiene la barba que nos tiene acostumbrados, sino una incipiente barba que se entiende como que le ha crecido un poco durante los últimos días. De la herido del costado, le mana agua y sangre, como dice el Evangelio de Juan...

... al llegar a Jesús, viendo que ya había muerto, no le quebraron las piernas, sino que uno de los soldados, con la lanza, le traspasó el costado, y al punto salió sangre y agua. (Jn 19, 33-34)

El paño de pureza, que podría ser uno de los velos de la Virgen, ya que verdaderamente Jesús murió completamente desnudo, es tan transparente que se ve con claridad la sangre que fluye por debajo y que, sin embargo, no llega a mancharlo.

Bueno, vemos que le están bajando tres hombres... El de más edad, con barba blanca, es Nicodemo, fariseo y jefe judío, pero seguidor de Jesucristo. El hombre que le sujeta los pies y que viste de dorado es José de Arimatea, el hombre rico que consiguió que le entregasen el cuerpo de Cristo y lo enterró en un sepulcro nuevo que reservaba para sí. Y el más joven, el que está subido a la escalera y tiene los clavos de la pasión en la mano, debe ser un criado.

La mujer que está a la derecha del todo y que tiene una postura muy forzada, es María Magdalena. Y el hombre que está vestido de verde, detrás de José de Arimatea, debe ser otro criado. Se ve que tiene en las manos un tarro, que debe ser el que contendría el perfume de nardo para limpiar el cuerpo de Cristo una vez en el sepulcro.

Vemos a la izquierda a la Virgen María, vestida de azul, desvanecida en el suelo, con una postura paralela a la del cuerpo de su Hijo Jesucristo.

Le sujeta san Juan Evangelista, que está vestido de rojo. Le ayuda una mujer que está vestida de verde y que podría ser María Salomé, la madre de Juan. Y la otra mujer que está llorando, detrás de san Juan, puede ser María Cleofás.

Podría hablar mucho más sobre este cuadro, pero ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro El Descendimiento - antes de 1443 -, de Rogier van der Weyden, que se puede contemplar en la sala 58).

Querido Diario, 6 de enero de 2018

Querido Diario:

Hoy es 6 de enero, el día más importante para los niños pues esta noche Sus Majestades los Reyes Magos de Oriente han repartido regalos en las casas de todos los niños.

Y aunque hoy no he trabajado, no puedo dejar pasar la oportunidad de hablarte de algunas anécdotas y curiosidades que he tenido con esos "monstruitos", dicho con todo el cariño del mundo.

Primero te tengo que recordar, querido Diario, que los vigilantes llevamos un walkie talkie para poder comunicarnos. Pero lo que no sabes es que yo llevo un auricular, es decir, un casco de oreja de toda la vida, conectado al walkie, para que nadie oiga lo que se dice por él, sobre todo para que no moleste a los visitantes.Y, claro, con el pinganillo en la oreja parece que soy de la policía secreta, jejeje.

Y eso impone a los niños. Cuando veo un grupo de niños en mis salas, intento ponerme serio... he dicho "intento", porque me estoy muriendo de risa por dentro. Y me acerco a ellos cuando están algo alborotados. Es mano de santo... al momento que me ven, se callan y no dicen ni "mu". Es más, les veo cuchichear entre ellos, señalándome con disimulo... es que soy "de la secreta".

Es más, hace unos días tuve que "ayudar" a una madre. El niño, de unos 6 o 7 años estaba corriendo por la sala y la madre detrás de él, intentando que no corriera. Lógicamente una norma del Museo es que no se puede correr por las salas. Bueno, ni por las salas ni por los pasillos. Pues cuando por fin la madre alcanzó al niño, porque incluso le esquivaba, me acerqué a él muy muy muy serio y simplemente le dije:

-No se corre.

... mientras le hacía la señal de no con el dedo pulgar. Mejor, imposible. El niño se puso blanco, se agarró de la mano de su madre y no se soltó en todo momento. Me miraba de reojo de vez en cuando y yo, serio y recto como una vela.

Luego su madre y yo nos miramos y, sin soltar ningún sonido, le leí los labios...

-Gracias.

Yo, como simple respuesta, le sonreí e incliné un poco la cabeza, aceptando su agradecimiento, a la vez que mentalmente se las daba yo.

También ayer oí una conversación muy curiosa entre un padre y un niño. Primero te tengo que decir, querido Diario, que en la sala que vigilaba tenemos una maqueta de madera del Museo, del año 1787, cuando se pensó construir el edificio para un Gabinete de Historia Natural y Laboratorio Químico. Pero esta es otra historia que te contaré otro día.

Pues volviendo a la conversación, el padre llevaba en brazos a su hijo de unos dos añitos y este dijo...

-¿Y los click?

-No, no hay click. No es para eso. Pero podían poner alguno.

No digas que no es adorable... un niño de dos años que vea una maqueta en un museo y se acuerde de sus muñequitos... para comérselo.

¡Ah! Por si no lo sabes, querido Diario, los click son unos muñecos muy famosos, con unas manos rígidas, y que tienen infinidad de accesorios.

Y ayer me quedé a cuadros, nunca mejor dicho... no sabía si reír o llorar... entro una niña mulata, de unos 13 o 14 años, con una gorra de visera y unos cascos de música. Detrás iban los padres, su madre era negra y su padre blanco. Pues la niña iba andado... bueno, andando no. Iba bailando a lo Michael Jackson. Era curiosísima. Se paraba delante de un cuadro y mientras lo miraba se marcaba un baile. Luego se iba a otro cuadro, bailando, andando hacia atrás,... se paraba delante de otro cuadro y otro baile. Y así en todos los cuadros.

Miré a la madre y, simplemente, levantó los hombros y puso cara de resignación... tiene 13 o 14 años, ¿qué le vamos a hacer?

Pero, bueno, los niños son así.

Y hoy, 6 de enero, te tengo que hablar de un cuadro sobre la adoración de los Magos... cómo no. Y se titula... La Adoración de los Magos, que mucha imaginación para poner nombre a los cuadros no tenían los pintores. Aunque creo recordar que los pintores solo los pintaban y los títulos de los cuadros se los ponían otros. En fin, en este caso lo pintó Pedro Pablo Rubens en dos tiempos, entre los años 1608 y 1609 por una parte, y entre 1628 y 1629 la segunda.

Narra el episodio del Evangelio de san Mateo...

Los magos, después de oír al rey Herodes, se pusieron en camino y, de pronto, la estrella que habían visto salir comenzó a guiarlos hasta que vino a pararse encima de donde estaba el niño. Al ver la estrella, se llenaron de inmensa alegría. Entraron en la casa, vieron al niño con María, su madre, y cayendo de rodillas lo adoraron; después, abriendo sus cofres, le ofrecieron regalos: oro, incienso y mirra. (Mt 2, 9-11)

Se ve al Niño Jesús en brazos de su madre, la Virgen María, y está jugueteando con el incienso que le presenta Gaspar, que está arrodillado ante Él. Por cierto, en mi juego de "Parecidos razonables", el mago Gaspar me recuerda a Carlos Núñez Cortés, el componente de Les Luthiers que abandonó la formación recientemente.

Volviendo al cuadro, para mí son muy impresionantes los ropajes de los magos, con las capas bordadas con un colorido muy rico y con gran riqueza en adornos de piedras preciosas y joyas, sobre todo, de Baltasar.

El pesebre está en la parte izquierda del cuadro y está situado en el exterior, delante de una fachada con una arquitectura clásica. Y aunque es de noche, la luminosidad es muy clara. Y si te fijas bien, querido Diario, la luz sale desde la figura del Niño Jesús, que irradia la luz que ilumina a los demás personajes. Ya lo dijo Jesús... Yo soy la luz del mundo.

Como ya te dije, querido Diario, la obra fue realizada en dos momentos, con veinte años de diferencia. He cometido una aberración, pero he pintado unas lineas blancas en la fotografía que te he pegado al lado para que se aprecie bien el cuadro original y los añadidos posteriores.

¡Ah! Aparte de agrandar la composición, Rubens hizo algunos cambios en su obra original, retocando algunas partes que ya estaban pintadas. Eso sí, con una técnica mucho más suelta.

Y además, aprovechó para autorretratarse. Es el hombre que, estando de espaldas, está mirando al Niño Jesús, y está vestido con una casaca morada detrás del caballo.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro La Adoración de los Magos - 1608-1609 y 1628-1629 -, de Pedro Pablo Rubens, que se puede contemplar en la sala 28).

Querido Diario, 18 de diciembre de 2017

Querido Diario:

Haciendo memoria sobre qué contarte, me ha venido a la memoria unos de los peores días de mi vida en el Museo.

Pero para que lo entiendas, antes tengo que comentarte que está prohibido comer o beber en el Museo, excepto en la cafetería, claro. La prohibición de comer creo se puede entender, pero... ¿por qué no se puede beber?, te preguntarás, querido Diario. Pues por una razón muy clara: y es que se puede mojar una obra de arte. Imagínate que un visitante está bebiendo delante un cuadro y en ese momento se atraganta, que a todos nos puede pasar. Pues al toser podría escupir el agua hacia el cuadro. O siendo menos escatológico, mientras está bebiendo le dan un golpe en la espalda o en el brazo y podría salir el líquido disparado hacia el cuadro.

Entonces se podría decir que se bebiera en el centro de la sala y sin andar. Sí, pero si en el momento que está bebiendo le dan un golpe, el líquido no caería encima del cuadro, porque estaría lejos, pero sí en el suelo. Otro visitante lo podría pisar y resbalarse...

Por eso el Museo prohíbe beber en las salas expositivas.

Si supieras los sustos que me doy cuando veo a un visitante andar con la botella de agua abierta. Salgo corriendo a por él, o ella, para que la cierre inmediátamente. Imagínate que tropieza en ese momento... la que se armaría. Luego me miran mal, perdonándome la vida. Pero, bueno, eso es lo menos... lo de más sería que se mojara un cuadro.

Pues recuerdo que estaba en la sala de las obras del El Bosco, también conocido por The Bosch...

¡Ah! Me acuerdo que el primer día que me preguntaron por El Bosco en perfecto inglés me quedé pillado, pensando...

-Excuse me, where is The Bosch?

-Qué tiene que ver una lavadora con el Museo... espere... déjeme que piense... ¡Ah! The Bosch, El Bosco. Sí, por estas salas, al final y luego a la izquierda.

En fin, que me desvío del tema... recuerdo que estaba en la sala de las obras del El Bosco, también conocido por The Bosch, donde está el Tríptico del jardín de las delicias, el Tríptico del carro de heno, La extracción de la piedra de la locura,... y la Mesa de los Pecados Capitales.

Lo explico... la Mesa de los Pecados Capitales es una pintura al oleo sobre una tabla de madera de chopo, que la pintó El Bosco entre los años 1505 y 1510. Y como se puede y se tiene que ver por todos los lados, se tiene que colocar en horizontal, para poder dar la vuelta alrededor de la "mesa".

Pues sí, querido Diario, para muchos visitantes este cuadro es una simple mesa. Por suerte está protegido por una cristal, porque he visto a mujeres poniendo el bolso encina del cuadro, bueno, del cristal. Pero es lo mismo. También he visto a gente que se apoya encima, casi tumbándose encima del cuadro para verlo mejor.

Una cosa es poner las manos, sin echar el peso de tu cuerpo, en el borde, pero otra cosa es cargar 90 kilogramos de persona, o más, encima de la mesa.

Que me desvío del tema por segunda vez... recuerdo que estaba en la sala de las obras del El Bosco, también conocido por The Bosch, donde está la Mesa de los Pecados Capitales, cuando vi a un hombre "hermosote" que estaba apoyado encima del cristal como si estuviera en la barra de un bar. Me acerque a él, pero con la delicadeza de ponerme de frente de él, porque si me pongo a su lado le puedo dar un susto y me puede denunciar, o si le toco para llamar su atención, me puede denunciar, o si le grito, me puede denunciar...

En fin, que me puse enfrente de él y cuando le voy a decir que no se podía apoyar, me encuentro un goterón de agua, de unos 8 centímetros de diámetro, encima del cristal de la Mesa de los Pecados Capitales.

Me puse pálido y, rápidamente llamé por el walkie a mis jefes...

-Consejería, me recibe.

-Adelante para Conserjería.

-Encima del cristal de la Mesa de los Pecados Capitales de El Bosco me he encontrado un goterón de agua.

-Ahora vamos para allá.

En menos de treinta segundos ya estaban allí. La solución fue era muy sencilla. Secaron el agua con un pañuelo de papel y se marcharon. Pero el disgusto me lo llevé yo no tiene precio. Imagínate, querido Diario, que ese agua se filtra por los bordes del cristal y cae encima de la pintura. Me hubiera dado un infarto allí mismo.

Luego mis jefes me dijeron que no me preocupase, que el cristal está sellado por dos motivos: para que no entre nada y porque la pintura tiene que estar a una temperatura y a una humedad continua, y así se crea una cámara de aire. Pero, claro, me lo dijeron al final del día. Y yo todo el tiempo comiéndome la cabeza pensando si me iban a decir algo... y, bueno, sí, me dijeron algo, pero para tranquilizarme.

Resumiendo, en el Museo está prohibido comer o beber, excepto en la cafetería, claro.

Y ya que estoy aquí, querido Diario, ¿quieres que te cuente algo de la Mesa de los Pecados Capitales?

Pues en el centro del cuadro se ve a Cristo saliendo de la tumba como Varón de Dolores, mostrando la llaga del costado. Y rodeándolo hay un círculo dorado que representa un ojo. Es porque Cristo está vigilando a lo hombres, según dice la inscripción en latín de debajo:

"Cave cave d[omin]us videt" (Cuidado, cuidado, Dios está mirando).

Alrededor de esta pupila, El Bosco pintó unos finos rayos dorados. Y a continuación, un anillo exterior dividido en siete segmentos. En él representó los siete Pecados Capitales, que los podemos identificar por la inscripción que tienen cada uno de ellos. Estos son... a ver si me acuerdo de todos... la ira, la soberbia, la lujuria, la pereza, la gula, la avaricia y la envidia.

En la parte de abajo está la Ira, en la que se ve una pelea provocada por la embriaguez, en el exterior de una taberna.

Siguiendo el sentido contrario a las agujas del reloj, vemos la Soberbia, en la que una mujer se acicala ante un espejo sostenido por un diablo.

Luego está la Lujuria, con dos parejas cortesanas recreándose bajo una tienda, divirtiéndose con un bufón.

El siguiente es más complicado de traducir, pues pone "Acidia", pero es la Pereza. Se ve a un hombre que está dormido ante una chimenea, en vez de entregarse a la oración.

Continuamos con la Gula, que está protagonizada por una familia que come y bebe con avidez.

El siguiente pecado es la Avaricia, con un magistrado que está aceptando un soborno.

Y se termina el ciclo de los Pecados Capitales con la Envidia, en la que se ve a una pareja que desea ardientemente un halcón que exhibe ante ellos un hombre rico, al tiempo que dos perros se pelean por un hueso.

Y ya fuera del círculo, en las esquinas superiores hay con círculos, que se llaman tondos, y que representan, en el de la izquierda, la Muerte, y en el de la derecha, el Juicio Final. Y entre ellos hay una filacteria, que es como una banda como si fuera de tela, con las extremidades enrolladas y con una inscripción, con un texto del Deuteronomio, que es un libro que está en el Antiguo Testamento de la Biblia, que advierte de las consecuencias del pecado, y que dice:

"Gens absq[ue] [con]silio e[st] et sine prudentia // deutro[m]y [um]// utina[m] sapere[n]t [et] i[n]telligere[n]t ac novissi[m]a p[ro]videre[n]t" (Porque son un pueblo que no tiene ninguna comprensión ni visión / si fueran inteligentes entenderían esto y se prepararían para su fin).

Abajo del cuadro hay otros dos tondos. El de la izquierda representa el Infierno y el de la derecha, la Gloria.

Y entre ellos, otra filacteria con otro texto del Deuteronomio, que dice:

"Absconda[m] facie[m] mea[m] ab eis: et [con]siderabo novissi[m]a eo[rum]" (Yo esconderé mi rostro de ellos: y veré cuál será su fin).

Espero que hayas aprendido algo de la Mesa de los Pecados Capitales, de El Bosco... tú, querido Diario, y los "cotillas" que nos leen a hurtadillas.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro Mesa de los Pecados Capitales - 1505-1510 -, de El Bosco).

Querido Diario, 9 de noviembre de 2017

Querido Diario:

Hoy es día festivo y no he tenido que ir a trabajar, ya que estos días nos lo reparten en tres grupos, y hoy el mío descansa.

Por eso, en vez de contarte una anécdota de un día anterior, te voy a proponer un juego, a ver si te gusta. Lo he llamado... "Parecidos razonables".

Te voy a poner tres cuadros del Museo y tú, querido Diario, ... y los "cotillas" que nos leen y quieran jugar, tienes, o mejor dicho, tenéis que adivinar a quién se parecen. Te tengo que decir que son cuadros del siglo XVI y que las personas parecidas son personajes famosos, españoles o no, de este siglo XXI. ¡Ah! También tengo que decir que son apreciaciones mías y solo mías, y que los parecidos razonables son según mi ojo, según mi criterio. No te pienses que quiero sentar cátedra sobre este tema, ni mucho menos, que no es esta mi intención.

Pues, dicho lo dicho... ¡¡¡A jugar!!!

El primer cuadro se titula Retrato de mujer sentada y lo pintó Antonio Moro entre los años 1560 y 1565... ¿A qué personaje famoso se parece? Te daré una pista, querido Diario. El personaje es español, pero no te diré si es un hombre o una mujer. Este, como verás, es fácil.

Aunque el pintor de este cuadro se llame Antonio Moro, no es español. Nació en Utrecht, que es una ciudad de los Países Bajos, aunque trabajó en España para el rey Felipe II.

Sobre el cuadro, ninguna inscripción permite identificar a la modelo, pero recuerda a los retratos de matrimonio que representan a cada miembro de la pareja en lienzos separados, sentados y dirigiéndose el uno al otro. El perro simboliza la fidelidad conyugal.

Sigamos con el juego...

El segundo cuadro se titula Retrato de anciano y lo pintó Joos van Cleve entre los años 1525 y 1527... se que este es algo más difícil, querido Diario, pero, ¿a qué personaje famoso se parece? Otra pista, es también español.

Como su propio nombre indica, el pintor nació en Clèves, y se le conoce como el "Maestro de la muerte de María". Es considerado uno de los más importantes e influyentes artistas que trabajaron en Amberes a comienzos del siglo XVI.

Sobre el cuadro, decir que se aprecia el característico "sfumato", por lo que se detecta claramente que fue influido por Leonardo da Vinci.

Continuamos...

Y el tercer cuadro se titula Alegoría de la educación de Felipe III y lo pintó Justus Tiel hacia el año 1590... reconozco que este es más complicado, pero, ¿a qué personaje famoso se parece? Una última pista, este no es español. Si bien recuerdo, es británico.

Justus Tiel fue pintor de cámara del rey Felipe II, y en el cuadro se puede leer la firma "Iustus Til". En esta obra se representa a Felipe III, vestido de armadura, y a Cronos que aparta a Cupido de su lado y le pone delante la Justicia, quien le presenta su espada.

Soy consciente que estos datos que doy sobre los pintores y sus cuadros no tienen nada que ver con el juego, pero los digo como dato informativo y, por que no, educativo.

Lógicamente, querido Diario, para terminar repetiré sobre este juego, como ya he dicho antes, que los parecidos razonables son apreciaciones mías y solo mías. Me imagino que a ti te recordarán a unos personajes y que a los "cotillas" que quieran jugar con nosotros, les parecerán a otros. Ahí está la gracia del juego.

Mañana te diré mis soluciones... repito, MIS soluciones.

-Ahí lo dejo, querido Diario.

Querido Diario, 6 de noviembre de 2017

Querido Diario:

Hoy es mi último día de lo que llamamos días buenos, es decir, cuatro días seguidos librando, que sucede cada cuatro meses, más o menos. Por tanto, ahora estoy en casa.. y qué mejor que pasar un roto contigo, escribiéndote.

Llevo algunos días con ganas de comentarte un tema que nos preocupa, y mucho, a los vigilantes de sala, y es el tema de las catenarias.

No sé si te lo he dicho en este "cuaderno" o en el anterior, el de Facebook, pero las catenarias son las cuerdas que se ponen delante de las obras de arte, como separación entre ellas y el público.

Ahora bien, los temas a analizar son varios... a qué distancia de la pared tienen que estar, sirven o no para algo, la gente las respeta o no...

La Dirección del Museo del Prado les gusta que estén lo más cerca posible de las obras, para no impedir que se lean bien las cartelas, o sea, los carteles explicativos de las obras. No definen bien la distancia, pero, de palabra, me dijeron que les gusta ponerlas entre los 60 y los 80 centímetros desde la pared... y ahí está el problema de los vigilantes de sala. Sabiendo que mi brazo, que soy tirando a bajito, mide 70 centímetros, si lo estiro para señalar, ¿tocaría o no el cuadro?

Bien, vayamos por pasos... según la normativa de los museos en general, las catenarias sirven para que no se pase nada por encima de ellas. Es decir, que las cuerdas son el límite de todo objeto que quiera sobrepasarlas. Pues, bien, la gente lo que hace es llegar hasta las mismas cuerdas y plantarse delante del cuadro. Por ahora, bien hecho. Pero luego viene el problema... cuando quiere señalar un detalle del cuadro, lo que hace es estirar el brazo, y, claro, no se dan cuenta que el brazo es una parte del cuerpo que sobrepasa las catenarias hasta, muchas veces, casi tocar el cuadro.

-No se acerque tanto al cuadro, por favor.

-¡¡¡SI YO NO LO HE TOCADO!!!.

-Yo no he dicho que lo haya tocado, sino que no se acerque tanto al cuadro.

Y es en ese momento cuando sale de mí mi vena educativa, siempre y cuando sean españoles, o lo entiendan, claro.

-Mire, ya sé que su intención es no tocarlo, pero si en ese momento tropieza o simplemente le dan un golpe en el brazo, puede clavar el dedo en el cuadro. Y entonces sí que tendremos un problema.

Y es que la normativa dice que no se puede sobrepasar, con NADA, la línea de las cuerdas de la catenaria. Y ese es el gran problema, que los visitantes o lo se saben, o no lo quieren saber.

Pero el problema no es solamente el dedo. Te pueden señalar el cuadro con el plano, con las patillas de las gafas, con un bolígrafo, con una muleta,... ¡¡¡SOCORRO!!! ¿No ven que pueden dañar el cuadro? No se dan cuenta que están ante cuadros de unos cuatrocientos años y que son una obra de arte. Vale, el equipo de restauración del Museo del Prado está catalogado como uno de los mejores del mundo, pero si solo trabajan para limpiar los cuadros, en vez de para arreglar agujeros, mucho mejor para todos.

Por eso, querido Diario, con tu permiso, me gustaría que los "cotillas" que leen este mío y tuyo diario, si pudieran, que "arrancasen" esta hoja, la compartieran y la enseñaran a todo el mundo, para que  todo el mundo supiera que NO SE PUEDE TRASPASAR NADA MÁS ALLÁ DE LAS CUERDAS DE LA CATENARIA... y, por tanto, el brazo, que está unido al cuerpo, tampoco se puede traspasar.

Solución... que cuando tengan que señalar, que den un paso hacia atrás y que señalen sin traspasar el límite de las catenarias... aunque sé que es un sueño imposible de realizar.

Pero el problema ya no es que acerquen las piernas hasta la catenaria, que hasta cierto punto está permitido, sino que fuercen las cuerdas y avancen, estirando de ellas, unos diez o quince centímetros, moviendo incluso los postes verticales varios centímetros hacia la pared. Ahí es cuando me imagino que si pusieran cuchillas de afeitar en vez ce cuerdas, ¿cuántos amputados habría en el Museo? Sé que es una bestialidad  por mi parte pensar eso, pero es que algunos visitantes se pasan tres pueblos, y mi imaginación va más allá. Y si les dices algo, se enfadan e incluso se pueden poner una reclamación.

Pero, bueno, hablando del dedo, del plano, de las gafas, de la muleta, del bolígrafo,... señalador, recuerdo que hace unos meses, cuando estaba la exposición temporal de El Bosco, y por tanto sus salas permanentes tuvieron que ser reajustadas con cuadros de otros pintores, el cuadro estrellas de esas reestructuradas salas era El triunfo de la Muerte, de Pieter Bruegel el Viejo.

Éste es un cuadro que se pintó entre los años 1562 y 1563. En él se muestra el triunfo de la Muerte sobre las cosas mundanas, simbolizado a través de un gran ejército de esqueletos arrasando la Tierra.

Y es que el tema de la  "la danza de la Muerte" fue muy habitual en la literatura y en la pintura del medioevo. Y para darle más dramatismo, Brueghel utilizó en toda la obra un tono pardo rojizo, que ayudaba, y ayuda, a dar un aspecto infernal a la escena.

Bueno, pues ante esta obra entraba lo que yo llamo "Buscando a Wally". Es decir, era una competición a ver quién encontraba más esqueletos... y los señalaba con el dedo, con el bolígrafo, con el plano...

Y lo peor de todo es que me tocó vigilar esa sala un mes entero. Ante tal locura, quería que uno de esos esqueletos me llevase definitivamente... miento, quería que se llevasen a los visitantes señaladores. El problema es que no había esqueletos suficientes para llevarse a todos.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro “El triunfo de la Muerte" - 1562-1563 -, de Pieter Bruegel el Viejo).

Querido Diario, 28 de octubre de 2017

Querido Diario:

Lo siento, pero todavía me cuesta entenderlo cuando me lo preguntan.

-¿Güaifai?

-¿Ehhh? ¡Ah! Ya le entiendo...

Sé que la diéresis de la "u" delante de la "a" no se pone, pero lo escribo así para que lo entiendas.

Es que yo, desde mi humilde ignorancia lingüística, wifi, en español, lo pronuncio como se lee "güifi", y no "güaifai". Que me lo diga un extranjero, tiene un pase y lo puedo entender, pero que me lo diga un español, pues eso ya se me escapa de mi pobres entendederas y no lo acepto. ¿Por qué usar tantos anglicismo y, sobre todo, leerlos como tales?

Pero, bueno, querido Diario, los vigilantes estamos acostumbrados a que nos pregunten cosas extrañas. Mejor dicho... cosas muuuuy extrañas.

-Where are the "maya"? (¿Dónde está la "maya"?).

-La Maya suele estar en un país multicolor, ya que nació bajo el sol, y que fue famosa en el lugar por su alegría y su bondad -Claro, esto no lo dices, aunque nos mordemos la lengua para no soltarlo. Deduces que están preguntado por las "majas" de Goya.

-En esa galería, a la izquierda. Y al final de la galería, a la derecha.

Es que he decidido, como mi inglés es de un mal bachillerato, que no voy a utilizar verbos. De todas formas, me medio entienden, que es lo importante. Y si además dices:

-My english is very bad (Mi inglés en muy malo). -Ellos lo aceptan, te valoran el esfuerzo e incluso te piden disculpas por no saber español... todo en su perfecto inglés, que capto lo justo para entenderlo.

Recuerdo que un día, un oriental me preguntó por "Manija".

¿Manija... manija...? Y yo pensando si en la pintura de paisajes del siglo XIX había un cuadro de la ciudad de Manila... hasta que el oriental me repitió la pregunta:

-¿Manina?

-Ah, "Las Meninas"... En esa galería, entre las columnas, a la izquierda.

Y es que tenemos que saber todos los idiomas del mundo mundial, ya que "maya" es la "maja" de Goya; "Manija" es "Las Meninas" de Velázquez; "Güegüan" es Rembrandt; "Güeben" es Rubens; las "pinturas oscuras" son las "pinturas negras" de Goya;...

Pero la pregunta de hoy, querido Diario, ha rebasado todos los límites. Hoy me ha tocado vigilar, entre otras, la sala donde hay cuadros de Joachim Beuckelaer, que fue un pintor flamenco de temas religiosos, escenas profanas y naturalezas muertas.

Pues unos visitantes estaban mirando un cuadro de Beuckelaer que se titula "Cristo en casa de Marta y María", cuando me han preguntado:

-Perdone, ¿me puede decir dónde están Cristo, Marta y María?

Es que este pintor combina temas de episodios religiosos con escenas de cocina... y así le salen los cuadros. Y es que la pregunta "tiene su miga".

La escena del Evangelio que da título al cuadro se representa al fondo, donde se ve a Jesús sentado en un sillón mientras invita a Marta a buscar la Salvación. Y aunque esa es la escena principal, Beuckelaer la colocó en un lugar muy muy muy secundario, ya que decidió dar la importancia visual a un asunto menos importante en la historia.

Si te fijas bien, querido Diario, en el primer término aparecen dos mujeres, una de ellas joven y la otra más mayor, junto a una mesa en la que se ve una auténtica acumulación de comida y recipientes. Esto, según los críticos de arte, hace que en la composición haya una tensión entre el género religioso y el bodegón.

Ya ves, querido Diario, al fondo del todo, delante de una puerta abierta, están Cristo, Marta y María. Ah, eso sí, en el centro del cuadro.

Ahí lo dejo, querido Diario.

(Fotografía del cuadro “Cristo en casa de Marta y María" -1568-, de Joachim Beuckelaer).